Presse-toi à gauche !

Tu te souviendras de moi de François Archambault

Paul Beaucage — 2020-09-29T08:27:46Z

Depuis déjà plus de vingt-cinq ans, François Archambault s'illustre comme un auteur dramatique plutôt original, qui attire l'attention de nombreux (ses) amateurs (trices) de théâtre du Québec.

De Paul Beaucage

Parmi les pièces qu'Archambault a écrites, il convient de citer certaines de ses plus réputées : Cul sec (1993), Adieu beauté, la comédie des horreurs (1998), La société des loisirs (2003) et, assez récemment, Une mort accidentelle (2017). En ce qui a trait à Tu te souviendras de moi (2013), il faut signaler que l'on a présenté cette création dramatique au Théâtre La Licorne en 2014. Or, l'œuvre concernée a reçu un accueil favorable de la part du public et de plusieurs observateurs (trices) du monde du théâtre. En conséquence, les programmateurs (trices) d'Ici Radio-Canada Première ont jugé opportun de présenter, sous la forme d'un radiothéâtre, le drame Tu te souviendras de moi (2020). Les amateurs (trices) de théâtre peuvent encore procéder à l'audition de cette œuvre en se rendant sur le site internet du radiodiffuseur public puisqu'elle est disponible en baladodiffusion.

L'argument de Tu te souviendras de moi

On peut résumer la pièce de François Archambault comme suit : Édouard, un professeur d'histoire à la retraite, souffre de la maladie d'Alzheimer depuis quelque temps. De manière naturelle, il tente de minimiser les problèmes psychophysiologiques qui affectent sa santé. Cependant, son épouse, Madeleine, est lasse de s'occuper de lui. Aussi, décide-t-elle, un jour, de confier la garde d'Édouard à sa fille Isabelle, une journaliste connue. Toutefois, cela ne va pas de soi puisque la quadragénaire doit s'acquitter de ses activités professionnelles. N'empêche que le conjoint d'Isabelle, Patrick, consent à garder le vieil homme pendant une fin de semaine. Néanmoins, cet individu inconstant ne tardera pas à renoncer à son engagement en demandant à sa fille, Bérénice, d'assumer la responsabilité de surveiller Édouard. Progressivement, contre toute attente, la jeune femme nouera une relation étroite avec le vieil homme.

La mise en ondes et l'interprétation du drame d'Archambault

Évidemment, sur le plan de la mise en scène, l'auditeur (trice) du radiothéâtre ne peut pas goûter les composantes visuelles qu'il est en mesure d'apprécier lorsqu'il voit une pièce de théâtre en personne. N'empêche qu'il faut convenir que la mise en ondes de l'oeuvre opérée par le metteur en scène Fernand Rainville et les coréalisateurs d'Ici Radio-Canada Première, Francis Legault et Jocelyn Lebeau, s'avère fort probante. En termes de direction d'acteurs (trices) et d'interprétation, il faut souligner que le drame de François Archambault est magistralement servi à travers la présente adaptation. Assumant le rôle principal de la pièce, Guy Nadon, égal à lui-même, offre une performance formidable en campant le personnage d'Édouard. Pour ce qui est de Johanne-Marie Tremblay, une comédienne parfois sous-estimée, elle incarne avec beaucoup de conviction le personnage de Madeleine. Quant à Emmanuelle Lussier-Martinez, elle est impressionnante dans le rôle de Bérénice puisque c'est son personnage qui a les discussions les plus intenses avec celui d'Édouard. Sans surprise, Marie-Hélène Thibault campe avec une exceptionnelle authenticité et une appréciable extraversion le personnage pugnace d'isabelle. Enfin, il faut mentionner que le comédien Claude Despins joue avec humour et sobriété le rôle de Patrick, le conjoint d'Isabelle.

La dimension symbolique d'une œuvre dramatique

Au cours d'une entrevue qu'il a accordée à l'animatrice et comédienne Guylaine Tremblay, après la présentation du radiothéâtre, François Archambault a souligné qu'il avait cherché, dans ce cas, à créer une pièce de théâtre à dimension symbolique dans laquelle le personnage principal pourrait représenter le Québec d'aujourd'hui, ayant perdu la mémoire de son passé. A priori, une telle idée apparaissait intéressante, mais il aurait fallu la développer avec autrement plus de rigueur que ne l'a fait Archambault dans sa narration. Dans cette optique, on remarquera que le dramaturge dépeint son protagoniste comme un grand admirateur, voire un thuriféraire de René Lévesque, dont il déplore la lancinante Défaite référendaire de 1980. Malheureusement, Archambault ne nous propose aucune réflexion transcendante portant sur la signification, pour un peuple, d'accéder à l'indépendance nationale sur le plan politique. En conséquence, l'auteur ne parvient pas à créer un drame à la symbolique fertile.

Le passé et le présent

En matière de relations intergénérationnelles, François Archambault a tenté d'exploiter pleinement l'antithèse qu'il a tracée entre les personnages d'Édouard et de Bérénice. De cette façon, il nous montre la curieuse relation se développant entre un vieil homme qui est épris d'histoire, mais perd progressivement la mémoire, et une jeune femme qui a une excellente mémoire, mais n'a cure de l'histoire. Indubitablement, il faut reconnaître au dramaturge la volonté de poser un regard critique sur le domaine des nouvelles technologies, qui poussent trop de jeunes gens à ne vivre que dans le moment présent plutôt que de s'intéresser à leur passé. À l'inverse, Archambault ne manifeste aucune complaisance envers les gens qui adoptent une attitude passéiste. Dans cette perspective, on pourra apprécier la signification de la scène au cours de laquelle Bérénice aide Édouard à mettre en ligne un message audiovisuel didactique qu'il adresse à la population du Québec. À travers ce passage, François Archambault nous suggère que les personnes âgées et les jeunes gens peuvent se comprendre mutuellement, dans le Québec contemporain, s'ils s'en donnent la peine. Que dit l'ancien professeur d'histoire par le biais de son message ? Qu'il faut que les gens cessent de se contenter de vivre dans l'immédiat parce que s'ils agissent ainsi, ils seront condamnés à vivre dans l'oubli de leur passé, comme lui, un homme atteint de la maladie d'Alzheimer. Évidemment, Édouard adresse son message en ligne à la population dans l'espoir d'inciter les gens à changer leurs comportements. Toutefois, dans son for intérieur, il demeure sceptique à l'idée de pouvoir transformer le cours des choses… Cela dit, le vieil homme refuse de perdre espoir.

Le fatalisme politique de l'auteur

Un des défauts les plus regrettables qui caractérisent la pièce de théâtre de François Archambault reste sa propension à la résignation, voire au fatalisme. Assurément, on peut affirmer qu'Archambault emprisonne trop souvent sa narration dans une symbolique propre à la maladie d'Alzheimer. Cela a pour effet de le pousser à faire prévaloir une vision du monde défaitiste dans laquelle les efforts que pourraient effectuer les être humains, pour atteindre certains résultats, seraient nécessairement voués à l'échec, comme le sont les efforts d'une personne atteinte de la maladie d'Alzheimer lorsqu'elle tente de renouer avec la normalité. Dans cet esprit, on déplorera le choix du dramaturge qui, par l'intermédiaire de son protagoniste, insiste lourdement sur le « fait » que le Québec aurait raté son rendez-vous avec l'Histoire lors du référendum de 1980 (en vertu de la victoire du camp du Non), alors que seule une adulation de la figure de René Lévesque peut mener à une telle interprétation de la réalité sociopolitique. Ultérieurement, Archambault en vient à banaliser la disparition éventuelle du Québec comme nation distincte de l'Amérique du Nord, en évoquant la disparition de différentes civilisations du passé. De cette façon, l'auteur considère le peuple québécois comme une collectivité de vaincus, sans même savoir comment il réagira face aux défis de l'avenir.

Tout bien considéré, si les choses étaient aussi simples que le prétend Archambault, comment pourrait-on expliquer le fait que, malgré la Défaite subie, en 1759, durant la Bataille des Plaines d'Abraham, le Québec continue à affirmer son caractère distinctif par rapport aux autres ensembles politiques de l'Amérique du Nord ? Par ailleurs, il faut reconnaître que, suite à l'annonce des premiers ministres Brian Mulroney et Robert Bourassa visant à ratifier l'Accord du Lac Meech, durant les années 1980, bien peu d'observateurs (trices) du monde politique québécois et canadien-anglais auraient pu prédire la résurgence du nationalisme québécois que l'on a connue, durant la première moitié des années 1990. Pourtant, l'échec de ce fameux Accord, combiné à l'échec de l'Accord de Charlottetown et à la prise de pouvoir du Parti québécois (1994), a incité les Québécois (ses) à appuyer la cause de la souveraineté nationale dans une proportion révélatrice de 49,4 %, lors du référendum de 1995. En conséquence, on aurait tort d'anticiper prématurément la disparition éventuelle de la nation québécoise…

Les limites d'une œuvre dramatique

Les lacunes de la pièce de théâtre qu'a écrite Archambault ne touchent pas seulement aux thèmes que celle-ci explore, elles concernent le style de l'œuvre. Concrètement, même si l'auteur a recours à une écriture limpide et des expressions imagées, il ne peut s'empêcher de verser parfois dans des digressions inopportunes. Parmi celles-ci, il convient de citer le passage traduisant l'imitation de la fameuse tirade du nez, de la pièce de théâtre Cyrano de Bergerac d'Edmond Rostand (1897), à laquelle se livrent Patrick et, dans une moindre mesure, Édouard. Selon nous, cette didascalie se révèle inadéquate, parce qu'elle n'apporte aucun élément instructif à l'auditeur (trice) de la création. En vérité, celle-là permet essentiellement à François Archambault de nous montrer qu'il connaît très bien la fameuse pièce de théâtre de Rostand… Au demeurant, un (e) amateur (trice) de théâtre pourrait légitimement se demander s'il vaut la peine d'écouter Tu te souviendras de moi. À notre sens, il faudrait répondre de façon affirmative à une telle question parce que l'auteur a le mérite de pousser l'auditeur (trice) à procéder à une méditation pertinente au sujet de la maladie d'Alzheimer et d'interpeller sa vision sociopolitique du Québec contemporain. Il reste qu'on doit souhaiter que François Archambault procède bientôt à une saine autocritique, qui lui permettrait d'approfondir considérablement sa réflexion portant sur la condition humaine et sur le Québec actuel. De cette manière, il pourrait mettre à profit son habileté narrative en relatant une fiction qui se révélerait nettement plus réussie que celle sur laquelle nous nous sommes penchés.

Trois poètes libertaires de Jean-Louis Trintignant

Paul Beaucage — 2020-09-22T09:32:48Z

Même s'il est atteint d'un cancer depuis quelque temps, Jean-Louis Trintignant devrait pouvoir célébrer son quatre-vingt-dixième anniversaire dans la première moitié du mois de décembre prochain. À n'en point douter, cet acteur des plus doués a marqué le cinéma français des années 1960, 1970 et 1980 de façon indélébile grâce à son jeu cérébral et intériorisé, qui a contribué grandement au succès d'estime de certains films signés par des cinéastes importants de la deuxième moitié du vingtième siècle.

De Paul Beaucage
photo Wikipédia

Parmi ceux-là, il convient de citer : Le combat dans l'île d'Alain Cavalier (1961), Ma nuit chez Maud d'Éric Rohmer (1969), Le conformiste de Bernardo Bertolucci (1970) et La vallée fantôme d'Alain Tanner (1987). Pourtant, en raison de son vieillissement, Trintignant s'est fait rare dans le domaine du cinéma depuis une vingtaine d'années. En tout, il n'a participé qu'au tournage de sept films de fiction sur l'entrefaite. Cependant, l'ancien comédien du TNP (Théâtre national populaire) a profité de la mise entre parenthèses de sa carrière cinématographique pour faire partager à un public privilégié sa passion pour la poésie. De sorte qu'il a pu présenter, pendant presque deux décennies, des récitals poétiques portant notamment sur les œuvres de Louis Aragon (La valse des adieux [2000]), de Guillaume Apollinaire (Poèmes à Lou [2003]) et de Jules Renard (Le journal de Jules Renard, [2005]). Fidèle à lui-même et au Québec, l'exigeant interprète nous a proposé, en 2012, Trois poètes libertaires (2011), une production consacrée à des œuvres écrites par les artistes remarquables qu'étaient Robert Desnos, Jacques Prévert et Boris Vian. À défaut d'avoir pu assister à ce récital, les amateurs (trices) de poésie pourront découvrir ce spectacle ambitieux, sous forme exclusivement sonore, après s'être procuré l'album ou le CD de l'événement.

Le titre du récital poétique

Si Jean-Louis Trintignant a choisi d'intituler son spectacle Trois poètes libertaires, c'est parce qu'il a tenté d'établir un dénominateur commun entre des artistes ayant des préoccupations esthétiques et philosophiques distinctes (même si le trio d'hommes a participé, de diverses façons, au mouvement surréaliste). Selon Trintignant, Desnos, Prévert et Vian étaient des auteurs libertaires, c'est-à-dire des créateurs artistiques qui n'admettaient qu'aucune considération politique ou sociale ne restreigne leur liberté individuelle dans la vie. Or, leur système de valeurs, qui correspond assurément à celui de Trintignant face au monde réel, se reflétait dans leurs choix personnels et dans leur art. Même si l'interprète a fait quelques apartés appropriés à propos de leur vie, à travers sa récitation, c'est surtout en dévoilant des pans significatifs de leurs œuvres qu'il identifie ces hommes au courant anarchiste de la pensée. Précisons que Jean-Louis Trintignant défend ici une forme d'anarchisme de gauche, généreux et humaniste, plutôt qu'une espèce d'anarchisme de droite, individualiste et réactionnaire.

Une saine révolte contre l'autoritarisme

Évidemment, le récital de Trintignant nous aurait laissé sur notre faim si ce dernier n'avait pas exploré de grands thèmes philosophiques de l'existence. Fort heureusement, le narrateur du spectacle traite de la problématique de la révolte individuelle avec un à-propos incontestable. Cette forme de rébellion s'affirme contre l'abus de pouvoir, l'ordre établi, voire contre la barbarie étatique ou populaire. De fait, si on rattache les expériences des trois poètes, il apparaît clair qu'ils sont fermement opposés aux multiples avatars de l'autoritarisme. Parmi les créations énonçant cette contestation, on se référera spontanément au texte emblématique de Boris Vian Le déserteur, qui connaît une postérité exceptionnelle. Concrètement, Trintignant nous a appris, dans le spectacle, que la chanson avec laquelle les amateurs (trices) se sont familiarisés (ées), au fil du temps, ne constitue pas l'œuvre originale que Vian a écrite. En effet, ce dernier a dû en modifier la dernière strophe afin d'échapper aux interdictions qu'engendrait la censure de son époque. Dans sa version originale, le dernier couplet du poème se lisait comme suit :

Si vous me poursuivez
Prévenez vos gendarmes
Que j'emporte des armes
Et que je sais tirer.

On conviendra que ce dénouement se révèle nettement plus combatif, plus subversif que celui de la version officielle du texte, dont il convient de rappeler le dernier quatrain :

Si vous me poursuivez
Prévenez vos gendarmes
Que je n'aurai pas d'armes
Et qu'ils pourront tirer.

D'autre part, le poème de Vian, À tous les enfants, traduit un vif sentiment de rébellion face à l'inacceptable, puisque l'auteur y dénonce, avec virulence, les comportements opportunistes d'adultes qui se repaissent de leur égoïsme, plutôt que de chercher à aider des êtres vulnérables. De son côté, Prévert nous livre, à travers Étranges étrangers, un magnifique plaidoyer en faveur de l'acceptation d'autrui, de la tolérance et de l'ouverture envers les immigrants, qui souhaitent ardemment s'intégrer à leur pays d'accueil. Hélas, ils se heurtent fréquemment à des portes closes… À l'heure où la xénophobie, voire le racisme de certaines personnalités politiques se fait tristement sentir, en France ainsi que dans d'autres pays du monde, on ne saurait nier l'actualité et la pertinence d'un tel poème.

L'amour

Le récital de Jean-Louis Trintignant ne comporte pas beaucoup de poèmes à dimension sentimentale, contrairement aux productions qu'il a consacrées aux œuvres de Guillaume Apollinaire et de Louis Aragon, il y a plusieurs années. Pourtant, le comédien a soin d'intégrer quelques chants d'amour prégnants à Trois poètes libertaires. Dès lors, on peut apprécier l'aspect charnel de Chatterie de Boris Vian et la dimension idéaliste de Dans un petit bateau, signé par Robert Desnos. Certes, les deux visions de l'amour qui en découlent sont antithétiques, mais elles convergent, par instants, afin de cristalliser une espèce d'absolu émotionnel pour l'être humain. Desnos réussit à l'atteindre en dépeignant, avec dextérité, un monde apollinien, contemplatif, qui constitue une forme d'idéal abstrait, alors que Vian parvient à représenter cet aboutissement en décrivant avec précision une ivresse du corps dionysiaque, laquelle est légèrement tempérée par une touche d'humour. Au demeurant, Robert Desnos procède à une manière de bilan philosophique du sentiment amoureux à travers le concis dizain Il était une fois. Par le biais de cette œuvre, le créateur traduit, avec éloquence, la grande rareté d'une passion amoureuse pleinement partagée par deux êtres.

La mort et au-delà de celle-ci

Si les poèmes choisis de Boris Vian ne témoignent d'aucune croyance touchant à une vie après la mort, il en va tout autrement de certaines des œuvres de Robert Desnos et de Jacques Prévert. En effet, quelques-unes des créations poétiques du tandem d'écrivains sont singulièrement émouvantes lorsqu'elles se réfèrent au trépas d'êtres humains. Les deux hommes qui, au sein du monde réel, ont eu des liens d'amitié étroits évoquent, sur un plan idéel, une existence post mortem dans Couplets de la rue Saint-Martin, Aujourd'hui je me suis promené (de Robert Desnos) et Aujourd'hui (de Jacques Prévert). Dans les deux premiers poèmes, Robert Desnos se remémore des promenades qu'il a exécutées, en compagnie d'amis prématurément disparus : grâce au pouvoir évocateur, voire féerique des mots, du langage il ressuscite ces figures du passé. Pour sa part, Jacques Prévert relate, dans Aujourd'hui, sa balade imaginaire avec Robert Desnos, plusieurs années après la mort de celui-ci. En l'occurrence, l'auteur s'inspire de véritables marches que l'un et l'autre ont effectuées ensemble. Grâce à un subtil mélange de composantes réelles et irréelles, l'aîné des frères Prévert rend un pudique hommage à un homme d'une grande valeur, qui le rejoint encore au présent, malgré son décès, à travers un ordre spatiotemporel onirique. N'empêche que c'est Desnos qui a le dernier mot du spectacle, puisqu'à la toute fin de sa vie, ayant pressenti sa propre mort physiologique, il a écrit un splendide huitain intitulé Le dernier poème, qu'il a dédié à son épouse. Cette œuvre compendieuse constitue un magnifique témoignage d'amour envers l'être adoré, tout en suggérant la capacité du poète à exister, à accompagner un être cher, incomparable par-delà sa seule existence biologique.

Avec une extraordinaire dextérité, Jean-Louis Trintignant a su proposer au public montréalais un récital poétique de haut niveau, par le biais duquel il a dévoilé la finesse, l'originalité et la profondeur de trois créateurs importants, voire emblématiques de la littérature française du vingtième siècle. Bien sûr, quelques puristes ont reproché à Trintignant d'avoir mis sur le même pied des écrivains aussi singuliers, aussi inclassables que Desnos, Prévert et Vian. De manière prévisible, d'autres observateurs (trices) ont déploré le fait que des composantes intéressantes de la poésie des trois hommes ont été négligées. Pourtant, à notre avis, les créations sélectionnées pour Trois poètes libertaires ne trahissent nullement le sens de la démarche des auteurs concernés. Qui plus est, l'acteur réputé n'a jamais prétendu que son récital constituait une synthèse définitive des œuvres poétiques fertiles du trio d'artistes. Cela dit, il faut reconnaître que Jean-Louis Trintignant est parvenu à mettre en relief une interprétation novatrice et personnelle des poèmes sur lesquels il a jeté son dévolu. Somme toute, on peut honnêtement soutenir que Trintignant a su identifier, à travers ces créations, des éléments communs transcendants, qui lui ont permis de tisser des liens étroits entre des artistes d'exception et de « réunir les contraires ». Ainsi, il a atteint une unité de ton et de style comme on en voit trop rarement, dans le domaine des spectacles scéniques contemporains… Par ailleurs, on ne saurait nier qu'un des grands mérites de la production du comédien consiste à souligner qu'on aurait tort de considérer la poésie comme un objet esthétisant et futile. En vérité, aux yeux de Jean-Louis Trintignant, cette forme d'art, souvent mésestimée, représente plutôt une source d'inspiration intarissable, qui permet à l'être humain de surmonter les inévitables déceptions se rattachant à la réalité et de mieux vivre. Or, compte tenu de la Crise du coronavirus que nous connaissons présentement, les œuvres de poètes lucides, comme ceux que l'interprète nous a permis de découvrir ou de redécouvrir, peuvent s'avérer particulièrement bénéfiques.

Les chansons éclairantes de Jean Ferrat sur la toile

Paul Beaucage — 2020-09-15T08:21:21Z

Une minorité d'adeptes de la chanson francophone internationale commémore cette année le dixième anniversaire de la mort d'un ses plus prestigieux représentants : il s'agit de Jean Ferrat (1930-2010), alias Jean Tenenbaum.

De Paul Beaucage

De façon légitime, différents (tes) observateurs (trices) considèrent cet artiste comme une des plus grandes figures de la chanson française de la deuxième moitié du vingtième siècle, avec Jacques Brel, Léo Ferré et Georges Brassens. Assurément, on peut soutenir que, plus encore que ses trois remarquables confrères, Ferrat a composé des oeuvres politiquement engagées, éminemment progressistes lesquelles ont laissé une trace indélébile dans l'histoire de la chanson. Cependant, on aurait tort de confiner cet auteur-compositeur-interprète dans le seul domaine du chant à dimension sociopolitique. En effet, Ferrat a souvent favorisé l'alternance entre l'interprétation de compositions poétiques ou sentimentales et celle de compositions militantes. Dans chacun de ces domaines, le créateur s'est illustré grâce à l'affirmation d'une écriture très personnelle, d'un traitement de thèmes à portée universelle et d'une voix aussi forte que singulière. Afin de pouvoir apprécier l'étendue de la contribution de cet artiste, il nous a semblé approprié de nous pencher sur quelques-unes des deux cents chansons qu'il a interprétées au cours de sa carrière. Cela dit, spécifions que le public peut écouter un nombre considérable de prestations de Ferrat par le biais du site internet Youtube.

Une chanson sentimentale novatrice : Napoléon IV (1961)

Tout bien considéré, il faut souligner que Jean Ferrat a constamment témoigné, au cours de son existence, d'une vive tendresse et d'une appréciable ouverture d'esprit par rapport à l'ensemble de l'humanité. Or, ces deux formes d'humanisme ont trouvé écho dans la composition et l'interprétation des chansons de l'artiste. Dans cette perspective, il convient de se référer à la sous-estimée création sentimentale de Ferrat qui a pour titre Napoléon IV. Ici, l'auteur choisit de traiter de l'histoire de Napoléon Bonaparte par le biais d'un avatar du fameux empereur : contrairement à son controversé « prédécesseur », le Napoléon IV dépeint n'a pas été responsable de grandes guerres européennes, ni de massacres épouvantables. Dès lors, on comprend pourquoi Ferrat manifeste une irrécusable sympathie pour ce personnage modeste, dont les « Tuileries donnent au fond de la cour » et qui se définit lui-même comme « le Napoléon des faubourgs ». À travers une chanson aux agréables accents parodiques, on remarque que Jean Ferrat oscille habilement entre la gravité et l'humour pour nous brosser un portrait signifiant d'un personnage qui vit, sur un mode mineur et fantaisiste, ce que Napoléon Bonaparte a vécu sur un mode majeur et historique. De cette façon, l'auteur-compositeur-interprète Ferrat livre un éloquent plaidoyer en faveur d'un représentant des laissés-pour-compte de l'histoire tout en désacralisant la figure de Napoléon 1er. Voilà pourquoi on pourra pleinement goûter le sens de la dernière strophe du poème :

Je suis rayé de l'histoire
Jusqu'au jour de gloire
Où les pieds joints, le teint livide
On me fera l'honneur des Invalides.

Une grande chanson poétique : Que serais-je sans toi ? (1964)

Par ailleurs, il faut reconnaître que, tout au long de sa carrière, Jean Ferrat a accordé une attention prépondérante à la composition verbale et musicale de ses chansons. Ainsi, il s'est affirmé comme un véritable poète au fil du temps. Parmi les œuvres poétiques qu'il a élaborées, il importe de se référer à La montagne (1964). À notre avis, il est indéniable que cette chanson contemplative, éminemment intimiste, témoigne avec brio du talent lyrique propre à l'auteur. N'empêche que la dimension poétique de l'œuvre chantée de Ferrat atteint sans doute un sommet lorsqu'il met en musique et interprète l'ode de Louis Aragon Que serais-je sans toi ?. De façon indéniable, Jean Ferrat trouve la mélodie et le ton justes pour traduire la splendeur des images aragoniennes, lesquelles émergent notamment de la première strophe du poème :

Que serais-je sans toi qui vins à ma rencontre
Que serais-je sans toi, qu'un cœur au bois dormant
Que cette heure arrêtée au cadran de la montre
Que serais-je sans toi que ce balbutiement…

Selon nous, le choix des alexandrins, d'un refrain interrogatif fondamental et de métaphores originales se révèle exceptionnellement pertinent pour mettre en lumière l'essence du propos du chantre surréaliste. En termes de contenu textuel, l'hommage que rend un homme à une femme qu'il aime passionnément nous apparaîtra magnifique, pour peu qu'on soit sensible au pouvoir évocateur, transcendant des mots qu'a choisis, avec finesse, le poète Aragon. De plus, les quatre vers cités témoignent d'un amour sincère, profond avec un harmonieux mélange de simplicité narrative et de symbolisme pénétrant. En termes d'interprétation et de musique, il faut louer le sens de la mesure, de la retenue dont fait preuve Jean Ferrat pour donner un supplément de sens au poème précité. En l'occurrence, rien n'est excessif dans le traitement que le chanteur accorde au texte puissant de son idole, Aragon. Avec perspicacité, il évite de rendre un tel discours mélodramatique. Cela explique que l'auditeur (trice) de cette œuvre orale prend conscience de la vérité et de la portée du message de l'auteur, d'une part, et de l'expression authentique du compositeur et interprète, d'autre part. Assurément, comme Jean Ferrat a su créer une véritable osmose entre le signifiant et le signifié de la chanson, l'amateur (trice) qui écoutera cette pièce musicale, avec attention, entretiendra probablement la conviction que Ferrat a magistralement interprété la signification de l'ode d'Aragon. Du reste, il est clair que le chanteur ne cherche jamais à éclipser le poète.

Une éminente chanson politique : Ma France (1969)

En 1969, Jean Ferrat écrit un de ses chants les plus réputés et les plus réussis : il s'intitule Ma France. Comme le suggère son titre, cette œuvre comporte une importante connotation sociopolitique. Cependant, certains (es) amateurs (trices) de chansons auraient tort de percevoir cet hymne contestataire, voire révolutionnaire ainsi qu'une œuvre à thèse réductrice, puisque Ferrat évite à tout moment de verser dans une démonstration univoque ou stérile ayant pour but de légitimer ses convictions sociopolitiques. Manifestement, en élaborant son texte, le chanteur a encore été influencé par la meilleure veine de la démarche poétique de Louis Aragon puisque, comme le créateur de vers surréaliste, il privilégie les associations d'images fortes par rapport aux explications anti-poétiques privilégiées par des versificateurs (trices) maladroits (tes). Ainsi, une suite de métaphores liées aux moments prestigieux ou disgracieux du passé de sa nation permet à l'auteur de traduire, à travers une mélodie bien rythmée, ses valeurs personnelles sur les plans éthique et politique. Dans ces circonstances, il convient de citer le quatrain final du poème de Ferrat :

Qu'elle monte des mines descende des collines
Celle qui chante en moi la belle la rebelle
Elle tient l'avenir, serré dans ses mains fines
Celle de trente-six à soixante-huit chandelles.

Dans le cas présent, Jean Ferrat promeut, de manière subtile, la France de 1936, qui a élu un gouvernement socialiste et celle des événements de Mai 68, qui remettaient en question le système sociopolitique tristement inégalitaire sévissant à l'époque. Bien entendu, avec le recul historique, on doit reconnaître que le gouvernement du Front populaire, dirigé par Léon Blum (1936-1938), n'a pas rempli la plupart des ambitieuses promesses qu'il avait formulées auprès du peuple français et que le Mouvement de Mai 68 n'a point produit les résultats escomptés, en termes de transformation politique systématique. Soit. N'empêche que ces deux entités historico-politiques significatives, en termes de contestation populaire, ont permis à la France de progresser socialement. En conséquence, on peut aisément comprendre pourquoi Jean Ferrat s'est laissé enthousiasmer par ces tournants emblématiques de l'histoire de son pays.

La postérité de l'œuvre de Jean Ferrat

À notre avis, il est pertinent s'interroger aujourd'hui sur le fait que quatre-vingt-dix ans après la naissance et dix ans après la disparition de Jean Ferrat, on ne souligne pas comme il se doit la contribution de ce chanteur, musicien, poète et interprète sans pareil, à travers la tenue de différents événements culturels (même de manière virtuelle, en période de pandémie de coronavirus). Bien sûr, certaines personnes peuvent arguer que, compte tenu que la plupart des chansons de Ferrat sont disponibles sur la toile, il est normal que l'on ne lui rende pas hommage plus souvent qu'on ne le fait. Toutefois, selon nous, une telle explication n'est point convaincante puisqu'il est facile d'identifier des chanteurs de la génération de Ferrat, dont les œuvres sont accessibles, par le biais d'internet, et auxquels on rend hommage avec constance. Parmi ces artistes, il faut citer les noms de Charles Aznavour, Jacques Brel et de Georges Brassens. En vérité, il est fort probable que l'engagement indéfectible du chanteur envers le communisme nuise à sa postérité artistique, attendu que cette idéologie a été balayée du revers de la main suite à l'effondrement de pays communistes occidentaux, qui a eu lieu à la fin des années 1980 et au début des années 1990. Assurément, on doit se réjouir en songeant que des régimes dictatoriaux de cette nature sont tombés et qu'ils ont cessé d'opprimer différents peuples de l'univers. Certes, il faut reconnaître que Jean Ferrat, comme tout être humain, a commis des erreurs d'appréciation politique au cours de son existence. Cependant, on aurait grossièrement tort de cautionner une chasse aux sorcières ayant pour objectif de dénigrer des gens qui, de bonne foi, ont cru (comme le réputé chanteur lui-même) que le communisme remédierait aux graves inégalités sociopolitiques perpétrées par des régimes capitalistes à travers le monde. Au demeurant, il importe de rappeler que Jean Ferrat s'est toujours dissocié des excès de l'idéologie communiste dont il était conscient et ce, tant sur le plan artistique que sur le plan personnel.

Paris au temps du postimpressionnisme au Musée des Beaux-Arts de Montréal

Paul Beaucage — 2020-09-08T07:36:55Z

Les récentes controverses qui ont éclaboussé la haute direction du Musée des Beaux-Arts de Montréal (MBAM) ont eu pour effet de reléguer à l'arrière-plan la mission artistique, culturelle et sociale fondamentale que doit remplir cette institution.

De Paul Beaucage

Assurément, il faut déplorer que l'attitude intransigeante de la directrice générale et conservatrice en chef Nathalie Bondil envers certains (nes) de ses collaborateurs (trices) ait grandement contribué à l'implantation d'un climat de travail pernicieux, qui caractérise le MBAM. Est-ce que son récent limogeage suffira à résoudre les nombreux problèmes qui semblent émerger de cette entité culturelle ? Nous nous permettons d'en douter fortement. Pourquoi ? Parce que le successeur de Bondil, Michel de la Chenelière (le président du Conseil d'administration du Musée), dont on a pu jauger le travail dernièrement, n'est pas enclin à manifester plus de souplesse que cette dernière envers ses subalternes ou les amateurs (trices) d'art. En attendant d'obtenir de nouvelles informations à ce sujet, le public montréalais a été convié, par le service de communication du MBAM, à découvrir les composantes d'une exposition ambitieuse. Celle-ci s'intitule : Paris au temps du postimpressionnisme (2020).

Sur le plan historique, l'affirmation artistique des postimpressionnistes s'est déroulée durant une période relativement restreinte. Selon des observateurs (trices) avertis (es), celle-là s'est étendue environ de 1886 à 1910, en France. Cependant, cette manifestation esthétique a réuni différents artistes qui ont laissé leur trace dans l'histoire de la peinture et dans la capitale française. L'exposition organisée par les responsables du MBAM propose un éventail assez large d'œuvres artistiques. De manière concrète, même si certaines d'entre elles ont été créées après l'année 1910, on peut soutenir que, globalement, ces créations s'inscrivent dans la tendance à laquelle nous nous sommes référés. De fait, elles répondent aux critères normalement admis à l'effet que le postimpressionnisme constitue une entité hétéroclite, protéiforme qui se développe après le mouvement impressionniste parce que l'on considère que celui-ci a atteint ses limites. Cela explique pourquoi certains artistes indépendants ont cherché à prolonger la contestation de l'art académique effectuée par les impressionnistes, en se servant de différents modes d'expression esthétiques. Or, la présentation du Musée des Beaux-Arts de Montréal met en relief la contribution originale d'artistes, qui demeurent méconnus aux yeux du grand public, voire des amateurs (trices) d'art.

Deux peintres et théoriciens : Signac et Seurat

Parmi les créateurs dont on dévoile les oeuvres, il importe de citer le nom de Paul Signac, qui apparaît comme une espèce de porte-étendard d'un groupe d'artistes indépendants puisqu'il a défini les principales orientations de sa propre démarche esthétique et les a mises en pratique avec constance. L'exposition comporte un nombre appréciable de ses toiles. Parmi celles-ci, il importe de citer des peintures marines, telles Port de Collioure. Cependant, l'artiste ne s'est pas cantonné dans un seul genre, ainsi qu'en témoignent les tableaux d'intérieurs Le petit déjeuner (1886-1887) et Femme se peignant (1892). N'empêche qu'il s'affirme principalement comme peintre paysagiste à travers les œuvres qu'il a élaborées. Sans contredit, il est influencé par les compositions picturales de son illustre prédécesseur, Claude Monet. Quand on observe les toiles de Signac, on est frappé par la qualité stylistique de celles-ci, lesquelles harmonisent deux tendances esthétiques complémentaires : il s'agit du pointillisme et du divisionnisme. Malheureusement, les extraits des textes théoriques de Signac ponctuant l'exposition ne rendent pas justice à la complexité de sa conception des arts visuels. De manière incontestable, les organisateurs de l'événement ont craint de lasser le public en lui dévoilant des théories abstraites portant sur la peinture. Toutefois, ils ont commis une erreur en sous-estimant la capacité de réflexion esthétique de l'amateur (trice), qui souhaite saisir une démarche artistique dans son entièreté.

Pour sa part, Georges Seurat était un proche de Paul Signac. Les deux hommes avaient en commun la propension à théoriser la démarche esthétique qu'ils privilégiaient. Cependant, Seurat était moins admiratif de l'œuvre de Monet que son homologue et ami. En conséquence, il a créé des dessins et des peintures qui marquent des distinctions importantes par rapport au travail de Signac. Avec justesse, on pourra apprécier le fameux tableau de Seurat qui s'intitule Un dimanche après-midi à l'île de la Grande Jatte (1884-1886). Dans ce cas, l'artiste affirme une radicalité esthétique des plus remarquables. Précisons que, même s'il est mort prématurément, à l'âge de trente-et-un ans, Seurat nous a laissé plusieurs toiles de grande qualité. Voilà pourquoi il convient de citer certains de ses tableaux clés, comme Une baignade à Asnières (1884), La tour Eiffel (1889) et Le cirque (1890). Dans chacune des œuvres de Seurat, on voit poindre la rigueur stylistique et thématique d'un créateur exceptionnel.

Un tandem d'artistes engagés : Luce et Vallotton

Un des peintres estimables que nous ont fait découvrir les organisateurs de Paris au temps du postimpressionnisme est Maximilien Luce. Ce dernier a su aussi créer un art engagé en représentant, avec authenticité et vigueur, des membres de la classe ouvrière. Même s'il a été influencé par le pointillisme, le style de Luce se révèle plutôt néoclassique. En outre l'artiste s'illustre en nous montrant les difficultés quotidiennes auxquelles sont confrontés les prolétaires de France. Parallèlement, des ouvriers de différents pays à travers le monde vivaient ce genre de situations… Parmi les tableaux que l'on a exposés, il convient de louer la grandeur de toiles comme L'aciérie (1900), Les batteurs de pieux (entre 1902 et 1905), Le drapeau rouge ou La bataille syndicaliste (1910) et Le chantier (1911). En l'occurrence, ce qui nous frappe c'est la beauté des couleurs et des formes auxquelles Luce a recours. De plus, il importe de souligner que le peintre concerné suggère, avec habileté, le caractère pénible des tâches dont doivent s'acquitter les travailleurs manuels. Cependant, il évite constamment de verser dans le misérabilisme, en suggérant à l'observateur (trice) que l'ouvrier se révèle apte à lutter avec fougue pour éviter de se laisser broyer par le système capitaliste dans lequel il évolue.

De son côté, l'artiste d'origine suisse Félix Vallotton a manifesté une grande polyvalence tout au long de sa carrière. Ainsi, il a peint des portraits et des tableaux paysagistes fort séduisants. Cependant, un des sommets de son œuvre demeure les gravures sur bois qu'il a exécutées. Au total, il en a créé cent-vingt et celles-ci lui ont valu une reconnaissance internationale. Spécifions que lesdites gravures ont été composées en noir et blanc et qu'elles mettent en relief une problématique à laquelle sont confrontés les contemporains du créateur. Parmi les œuvres les plus prégnantes que Vallotton a signées, on pourra légitimement se référer à L'anarchiste (1892), La charge (1893), L'exécution (1894), La nuit (1897), En famille (1899) et La tranchée (1915). Ces xylographies représentent la réalité de manière crue et contrastée. En traduisant sa vision du monde à travers une esthétique exempte d'afféterie, le graveur et peintre nous révèle de façon saisissante la teneur des injustices qui sévissent à son époque. De plus, Vallotton récuse les théories formalistes, qui sont en vogue à la fin du dix-neuvième et au début du vingtième siècle. Assurément, on aurait tort de tenter de minimiser la portée des créations précitées en vertu de l'engagement sociopolitique de l'artiste, puisque cela n'altère en rien l'élégance de son style et la profondeur de son propos.

Un symboliste fort réputé : Odilon Redon

Malgré les nombreuses qualités que comporte l'exposition intitulée Paris au temps du postimpressionnisme, il faut reconnaître que l'art symboliste n'y est pas tellement mis en lumière. En d'autres termes, les œuvres relevant de ce mouvement apparaissent nettement moins nombreuses que celles qui se rattachent à d'autres courants esthétiques. Cependant, les conservateurs du MBAM ont eu soin de sélectionner plusieurs compositions intéressantes qu'a signées Odilon Redon, qui était une figure majeure du symbolisme pictural. Précisons que Redon s'est distingué, au fil du temps, grâce à des gravures et des tableaux traitant de sujets variés. Parmi ces créations, il convient de se référer à la lithographie intitulée L'œuf (1885). Celle-ci annonce, par sa dimension anthropomorphique, les tableaux surréalistes de Salvador Dali. Quoi qu'il en soit, c'est lorsque Redon représente des créatures mythologiques que le peintre symboliste donne toute l'étendue de son talent. Au nombre de ses œuvres maîtresses, il faut citer Le char d'Apollon (1904-1914), La naissance de Vénus (1912) et Le Cyclope (1914).

Soyons équitables : en dépit de quelques lacunes mineures, la dernière exposition organisée au Musée des Beaux-Arts de Montréal, par Nathalie Bondil, constitue une brillante réussite pour cette spécialiste de l'histoire de l'art ainsi que pour l'institution qu'elle dirigeait. Évidemment, on ne saurait nier que l'exposition que l'on propose au public se révèle particulièrement copieuse et diversifiée. De plus, en termes de qualité, on reconnaît que les œuvres choisies ici apparaissent comme des créations essentielles, emblématiques d'artistes importants. Tout bien considéré, les postimpressionnistes Signac, Seurat et Vallotton sont sans doute des artistes moins célèbres et moins originaux que des peintres impressionnistes comme Pierre-Auguste Renoir, Claude Monet ou Paul Cézanne. N'empêche qu'il ne faudrait pas sous-estimer leur contribution à l'histoire de l'esthétique pour autant. En effet, ils ont pavé la voie à une contestation de l'art académique des plus pertinentes. Du reste, Nathalie Bondil et ses collaborateurs ont pris l'heureuse initiative de greffer à l'exposition des œuvres d'artistes inclassables qui, comme les impressionnistes et les postimpressionnistes, ont contesté les directives des académies et ont favorisé l'éclosion d'artistes talentueux durant la première moitié du vingtième siècle. Or, cela témoigne, de manière éloquente, du formidable rayonnement qu'ont eu les créateurs postimpressionnistes à une certaine époque. Voilà une leçon de l'histoire de l'art qu'on ne devrait pas oublier aujourd'hui.

Le Chah d'Iran de Guillaume Perez et Christian Huleu

Paul Beaucage — 2020-09-01T08:08:03Z

Le règne de Mohammad Reza Pahlavi (1919-1980), à titre de Chah d'Iran, s'est étendu sur une période d'un peu plus de trente-sept ans. Néanmoins, en 1979, le départ du monarque à l'étranger, où il devait subir des traitements médicaux pour combattre un cancer, a engendré la Révolution islamique au sein de la nation iranienne

De Paul Beaucage
photo wikipédia

Sans contredit, Reza Pahlavi était devenu une figure extrêmement impopulaire dans son propre pays. Par conséquent, le charismatique ayatollah Rouhollah Khomeini n'a eu aucune difficulté à convaincre le peuple d'Iran d'empêcher ce « mauvais musulman » de remonter sur son trône. Subséquemment, une majorité d'Iraniens (iennes) ont choisi de confier, à l'aveuglette, les rênes du pouvoir à son Guide religieux. Or, force est d'admettre que les quatre décennies de dictature qu'a imposées la République islamique n'ont pas amélioré les choses pour le peuple iranien : en vérité, il vit aujourd'hui dans des conditions nettement plus défavorables que celles qui prévalaient sous la férule du Chah.

Attendu le contexte sociopolitique auquel nous venons de nous référer, il apparaissait intéressant de tracer un bilan nuancé de ce qu'a été le règne de Mohammad Reza Pahlavi en Iran. Cela explique notamment que les réalisateurs Guillaume Perez et Christian Huleu ont uni leurs efforts pour créer un documentaire biographique et historico-politique dans lequel ils tentent de jauger objectivement le règne du roi chiite mal-aimé : celui-là s'intitule Le Chah d'Iran (2020). Spécifions que l'oeuvre de Perez et Huleu s'inscrit dans le cadre de la série télévisuelle À droite sur la photo, laquelle rassemble quelques autres moyens métrages portant sur des personnalités célèbres. Parmi ces téléfilms, on pourra citer les suivants : John Fitzgerald Kennedy (2020), Martin Luther King (id.) et Jean Paul II (id.). Dans le cas présent, le tandem de téléastes s'est grandement inspiré des mémoires d'un ancien collaborateur du Chah, Amir Aslan Afshar, pour construire sa narration. Celui-ci a notamment été le chef du protocole du monarque iranien.

Les circonstances entourant l'accession au trône de Mohammad Reza Pahlavi

Fidèles à eux-mêmes, Guillaume Perez et Christian Huleu adoptent une démarche stylistique traditionnelle pour énoncer leur propos à travers Le Chah d'Iran. Ainsi, ils ont recours à des procédés éprouvés, comme la narration en voix hors-champ, des documents d'archives et des extraits d'entrevues de manière à retracer le cours de la vie du Chah, de son enfance jusqu'à sa mort ; ce qui correspond à une période d'environ cinq décennies. En termes de contenu, on ne saurait nier que Guillaume Perez et Christian Huleu procèdent à une synthèse assez précise des années de règne de Mohammad Reza Pahlavi. En effet, les coréalisateurs nous révèlent dans quelles conditions inusitées cet homme a succédé à son père, Reza Chah (1878-1944), à titre de roi d'Iran. Parce que celui-ci avait refusé de prendre position en faveur des Alliés lors de la Deuxième Guerre mondiale, des bataillons britanniques et soviétiques ont menacé les Iraniens d'envahir leur territoire. En conséquence, afin d'éviter le pire, Reza Chah a choisi d'abdiquer et de laisser son fils, alors âgé de vingt-et-un ans, devenir le monarque de son pays.

Les principales caractéristiques du règne du roi d'Iran

Au bout d'une douzaine d'années, Mohammad Reza Pahlavi a été à même d'établir son autorité politique et d'accroître ses propres pouvoirs au détriment de ceux du parlement iranien. Globalement, il n'a pas effectué de transformation essentielle à l'intérieur de son pays. Concrètement, le Chah a surtout permis à des privilégiés de vivre à la manière occidentale, ainsi qu'ils le souhaitaient. En outre, il a orchestré la modernisation de certaines institutions nationales. Cependant, il n'a jamais cherché à mieux répartir la richesse qui se trouvait en Iran. Dès lors, les inégalités sociales et les iniquités ont sévi d'une manière inacceptable à travers l'ensemble de son règne. Assurément, avec l'aide d'Amir Aslan Afshar, Reza Pahlavi a procédé à la « Révolution blanche », mais celle-ci n'a pas constitué un phénomène sociopolitique aussi important que les deux hommes l'ont prétendu. Précisons que ladite Révolution avait pour principaux objectifs de donner des terres arables aux agriculteurs du pays et d'assurer une certaine forme d'émancipation aux femmes d'Iran. Indubitablement, on doit admettre que différents paysans ont reçu des propriétés agricoles. Néanmoins, ils ne formaient qu'un petit nombre de personnes et ils n'ont pas bénéficié, après coup, de conditions de travail vraiment appréciables. En somme, la redistribution étatique des terres n'a pas eu de prolongement nécessaire pour assurer la prospérité de la majorité des humbles agriculteurs iraniens. Cela dit, il importe de souligner que Reza Pahlavi a exécuté quelques gestes pour favoriser une espèce d'affranchissement symbolique de la femme par rapport à l'homme. Cependant, il n'a pas instauré de mécanisme apte à susciter un changement radical touchant au statut de la condition féminine, au sein de sa nation. En effet, il s'est contenté de formuler une déclaration de principe et d'opérer des actions sociopolitiques mineures (admission des femmes au parlement iranien). Toutefois, les modestes interventions du Chah, à cet égard, se sont rapidement heurtées à l'intransigeance de religieux intégristes du pays. Parmi eux, il faut citer le nom de Rouhollah Khomeini, qui a désavoué, de façon expresse, l'action du roi. De plus, celui-là a critiqué ouvertement le souverain et a incité les fidèles à imiter son exemple. Afin de sanctionner son détracteur, Reza Pahlavi a choisi de contraindre Khomeini à l'exil plutôt que de le faire emprisonner ou exécuter. Cependant, fort de l'aura dont il jouissait auprès des chiites, cet imam a continué d'inciter les Iraniens, à partir de l'étranger, à se révolter contre leur monarque. De son côté, le Chah vivait dans une espèce de tour d'ivoire et n'était pas à l'écoute des revendications des Iraniens (iennes). Une des erreurs les plus flagrantes qu'il a commises, durant son règne, a consisté à organiser des célébrations somptueuses soulignant le 2500e anniversaire de l'empire perse (1971), afin de recevoir, au sein de sa nation, les hauts dirigeants et dignitaires de l'ensemble du monde. Dans ce cas, Reza Pahlavi s'est montré spécialement insensible au sort de la population iranienne. En conséquence, celle-ci a développé beaucoup de ressentiment envers son roi. Évidemment, des témoins du film reprochent à la troisième épouse du Chah, Farah Pahlavi, la Chahbanou, d'avoir été la principale responsable du fiasco relatif à la grandiose commémoration que l'on a consacrée au réputé empire. Pourtant, le monarque, qui supervisait constamment les choix festifs de sa femme, ne s'est pas opposé à ce qu'elle se lance dans des dépenses exorbitantes, jusqu'à ce qu'une retentissante controverse éclate à ce sujet… Par ailleurs, même si les intervenants du film ne nient pas la répression immorale qu'ont exercée les forces militaires et policières aux dépens de la population d'Iran, durant le règne de Reza Pahlavi, ils ont tendance à minorer la responsabilité du souverain par rapport à cet abus de pouvoir. Or, en tant que chef d'État, il a pratiqué une forme d'aveuglement volontaire condamnable.

Les qualités et les défauts d'un documentaire

En contrepartie, les deux téléastes nous révèlent, avec à-propos et légitimité, que le roi Reza Pahlavi a été victime d'une propagande diffamatoire, voire haineuse de la part de l'ayatollah Khomeini et des milieux intégristes iraniens. Ceux-ci on dépeint leur grand ennemi comme un être corrompu, dépravé, voire diabolique. De cette façon, ils ont engendré de vastes mouvements de protestation et des soulèvements populaires saisissants contre le souverain iranien. Parmi les accusations sans fondement que l'on a formulées contre Mohammad Reza Pahlavi, le spectateur (ou la spectatrice) retiendra particulièrement celle consistant à prétendre que le roi d'Iran avait fait massacrer des gens dans un cinéma d'Abadan, le Rex, durant l'année 1978, en ordonnant qu'on mette le feu à celui-ci. Or, non seulement le Chah n'avait-il eu aucun rôle à jouer dans cet événement consternant, mais encore, selon ce que l'on a pu découvrir ultérieurement, des islamistes, singulièrement hostiles au septième art, ont perpétré l'incendie qui a causé la mort de près de cinq cents personnes innocentes… Les véritables responsables de cette hécatombe n'ont jamais eu à répondre de leurs gestes meurtriers. Tout bien considéré, ce n'est pas sans raison que Joseph Goebbels a déjà affirmé : « Mentez, mentez et il en restera toujours quelque chose ».

Même si Guillaume Perez et Christian Huleu ont effectué un travail appréciable en termes de recherche, à certains égards, on ne saurait affirmer qu'ils ont réussi à brosser un portrait probant du Chah, ni à nous proposer une représentation adéquate de ce qu'a été son règne pour la majorité des citoyens d'Iran. Sans ambages, il importe de reconnaître que Reza Pahlavi n'était pas le monstre, le tyran sanguinaire que l'ayatollah Khomeini et ses proches ont dépeint, loin s'en faut. Néanmoins, on doit admettre que cet homme n'était pas non plus l'humaniste et le monarque éclairé, mais incompris que décrivent son ancien chef du protocole et les coréalisateurs du Chah d'Iran. De façon générale, on peut soutenir qu'à travers son long règne, il n'a pas apporté d'amélioration significative à la vie de l'ensemble de la population iranienne. Certes, le régime du Chah a constitué un moindre mal que celui des chefs d'État religieux, qui lui ont succédé à la tête de l'Iran. N'empêche qu'il ne faut jamais oublier que cet homme de pouvoir a constamment privilégié ses propres intérêts au détriment de ceux de la nation iranienne. C'est dommage parce que si Mohammad Reza Pahlavi avait transformé son pays en une véritable démocratie, s'il avait combattu les graves inégalités sociales qui y sévissaient, il aurait rendu son peuple moins vulnérable qu'il ne l'a été par rapport à l'endoctrinement religieux que des imams intégristes lui ont fait subir, sans vergogne.

J'aime Hydro de Christine Beaulieu

Paul Beaucage — 2020-08-25T08:01:37Z

Hydro-Québec est une société d'État qui revêt une dimension symbolique très importante pour l'ensemble des Québécois (es). En effet, depuis que le ministre de l'énergie du deuxième gouvernement de Jean Lesage (PLQ), René Lévesque, a nationalisé, en 1963, de petites entreprises hydro-électriques privées pour les intégrer à une grande compagnie publique, une myriade de Québécois (es) a pris conscience des bienfaits que lui a procurés Hydro-Québec.

Durant un certain nombre d'années, cette entreprise d'envergure a permis aux citoyens (ennes) québécois (es) de défrayer des coûts très modestes pour obtenir l'électricité qu'ils utilisaient quotidiennement. Cependant, au fil du temps, Hydro-Québec en est venu à servir les desseins de gouvernements plus soucieux de renflouer les coffres de l'État que de servir les intérêts de la population du Québec. Cela explique que les Québécois (es) ont dû composer avec de multiples hausses de tarifs d'électricité au cours des cinq derniers lustres. Dans de telles circonstances, il n'est pas étonnant que de nombreux (ses) citoyens (ennes) de notre nation remettent en question les grandes orientations socioéconomiques que définissent actuellement les décideurs d'Hydro-Québec.

La première œuvre littéraire d'une actrice

Pour sa part, Christine Beaulieu ne semblait pas prédisposée à écrire une pièce de théâtre reposant essentiellement sur des faits. Dans cet esprit, elle a reçu une formation traditionnelle de comédienne et n'avait pas manifesté de propension particulière à la création littéraire avant d'écrire sa première oeuvre. Comme actrice, on l'a remarquée, en raison de la qualité de son jeu, dans des longs métrages de fiction comme Ceci n'est pas un polar de Patrick Gazé (2014), Le mirage de Ricardo Trogi (2015) et Embrasse-moi comme tu m'aimes d'André Forcier (2016). Cela dit, ayant une certaine conscience écologique et bénéficiant du solide appui de la conceptrice d'œuvres théâtrales documentaires, Annabel Soutar, Beaulieu a créé une narration qu'elle a intitulée, mi-figue, mi-raisin, J'aime Hydro (2017). À travers cette pièce, que l'on a présentée à l'Usine C, la jeune femme s'interroge au sujet de la nature des relations que les Québécois entretiennent avec l'incontournable société d'État. Parallèlement, Christine Beaulieu se questionne sur elle-même et sur sa capacité à engendrer un récit scénique et documentaire probant. Avec humilité, Beaulieu se présente au public comme une citoyenne ordinaire, laquelle n'avait pas un grand bagage de connaissances dans les domaines environnemental et hydro-électrique quand elle a décidé d'écrire sa pièce de théâtre. Au demeurant, à travers cette œuvre factuelle, la créatrice tente constamment d'atteindre un équilibre entre l'appréhension du mode de fonctionnement d'Hydro-Québec et la saisie de son évolution personnelle.

Les projets incohérents d'un monopole étatique

Grâce à la mise en scène concise de Philippe Cyr, le spectateur (ou la spectatrice) constate, sans ambages, que Christine Beaulieu a été frappée par le fait que les dirigeants d'Hydro-Québec cherchent à développer de nouveaux projets afin d'exporter de l'électricité à des États américains en leur vendant celle-ci à un prix nettement moindre que le coût de production de cette énergie. Évidemment, la jeune femme se rend compte qu'une telle « stratégie » s'oppose au sens des affaires le plus élémentaire que chacun d'entre nous doit entretenir. En matière environnementale, Christine Beaulieu réalise, à juste titre, que la construction de barrages comme ceux de la Rivière Romaine représente un problème important puisqu'elle engendre une certaine forme de déséquilibre au sein de la nature qui nous entoure. Dès lors, l'auteure et comédienne se montre pertinemment sceptique par rapport aux grandes décisions que prennent les dirigeants d'Hydro-Québec.

La propension au subjectivisme de Christine Beaulieu

De manière incontestable, on peut affirmer que Christine Beaulieu a effectué une recherche journalistique sérieuse pour écrire sa pièce de théâtre didactique. Celle-là se pose des questions opportunes, interroge des témoins compétents et vulgarise, avec aisance, des phénomènes hydro-électriques plutôt complexes. Pourtant, le propos qu'elle tient ne répond pas aux attentes d'un public clairvoyant, sur le plan sociopolitique. Pourquoi ? D'abord, parce que Beaulieu commet une erreur majeure en nous parlant démesurément d'elle-même, en tant que personnage de sa propre pièce. Certes, elle apparaît comme une personnalité sympathique, qui possède un sens de l'humour et de l'autodérision pétillant. Néanmoins, il faut admettre les commentaires que la jeune femme formule au sujet de son être et du monde dans lequel elle vit font long feu. Ainsi, ils ne nous apportent aucune connaissance profonde sur elle, ni sur la nature humaine. D'autre part, Beaulieu abuse de certaines figures de style pour se référer à elle-même. En utilisant fréquemment l'anaphore, l'énumération et l'ironie pour traduire ses états d'âme, elle s'éloigne de ce qui aurait dû être le sujet essentiel de sa pièce : à savoir, la relation que les Québécois (es) entretiennent avec Hydro-Québec. Certes, on imagine qu'en procédant comme elle l'a fait, Christine Beaulieu voulait éviter de rendre son discours rébarbatif. Toutefois, elle verse plutôt dans l'excès contraire en manifestant une légèreté inadéquate.

Le manque d'esprit critique et de vision politique d'une comédienne

De façon générale, lorsque Christine Beaulieu se penche sur le mode de fonctionnement et les principales activités économiques d'Hydro-Québec, elle réussit à assimiler et à décrire avec à-propos la réalité. Cependant, elle demeure impuissante à analyser et synthétiser la signification politique des diverses opérations auxquelles se livre la compagnie publique. Cette lacune importante explique que, lors d'un entretien qui a lieu entre Beaulieu et le sociologue Jean-François Blain (un proche du Parti québécois), la jeune femme ne parvient pas à poser un regard éclairé sur les mandats que différents gouvernements ont donnés à la grande entreprise d'État. Bien sûr, l'auteure et comédienne soutient, de façon pertinente, le point de vue selon lequel Hydro-Québec distribution ne devrait pas acheter de l'hydro-électricité provenant de centrales privées à un coût très élevé, alors que la compagnie publique possède elle-même un excédent de cette énergie. Néanmoins, Christine Beaulieu a tort de ne pas contredire Blain lorsque celui-ci affirme erronément que le deuxième gouvernement de René Lévesque (PQ) a pris une décision légitime en faisant du ministre des finances de sa formation politique le seul « actionnaire » d'Hydro-Québec. En effet, contrairement à ce que prétend le sociologue, la récession économique que connaissait le Québec de l'époque ne justifiait pas que l'on prive les Québécois (es) d'une entreprise dont ils (elles) étaient jusqu'alors les « actionnaires »… Pour ce qui est de la Régie de l'énergie du Québec, dont Jean-François Blain vante démesurément le rôle, elle est loin de constituer une panacée. Du reste, il convient de se rappeler que cet organisme a permis à plusieurs gouvernements de hausser les tarifs d'hydro-électricité des Québécois (es) de manière disproportionnée, au cours des vingt-cinq dernières années. Manifestement, la Régie n'est pas une instance autonome, qui prend des décisions objectives en considérant les intérêts de la majorité des Québécois.

L'opération de charme d'un duo de dirigeants d'Hydro-Québec

À notre avis, l'erreur la plus préjudiciable que commet Christine Beaulieu, dans son œuvre documentaire, consiste à accorder beaucoup de crédit aux propos de différents intervenants, qui n'ont pas de vision politique progressiste des grandes questions énergétiques sur lesquelles Hydro-Québec devrait se pencher. Il en résulte que Christine Beaulieu perd de vue tout sens critique par rapport à un ensemble de choix auxquels devrait procéder la société d'État. Certes, il est important de tenir compte d'une diversité de points de vue lorsqu'on évalue des problématiques aussi complexes que celles qui touchent aux choix socioéconomiques auxquels les dirigeants d'Hydro-Québec sont confrontés. Cependant, il faut manifester une capacité de démystifier un certain nombre d'allégations trompeuses, de sophismes quand on les entend. De manière regrettable, Christine Beaulieu se révèle constamment passive face aux propos fallacieux ou outranciers que lui tiennent certains (nes) de ses interlocuteurs (trices). Parmi ceux-ci, il importe de citer les noms de Pierre-Luc Desgagné et Éric Martel, qui occupaient respectivement les fonctions de vice-président et de président-directeur général d'Hydro-Québec, en 2017. Comment doit-on expliquer que ces deux hauts dirigeants aient accepté d'accorder une entrevue à Christine Beaulieu et d'apparaître, par personnages interposés, dans son œuvre théâtrale ? Par le fait qu'ils ont jugé qu'ils avaient intérêt à défendre les politiques de leur entreprise, puisque la pièce de théâtre de Beaulieu mettait cette entité sous les feux de la rampe…

Christine Beaulieu conclut la narration de J'aime Hydro en lançant un vibrant appel aux Québécois (es) afin qu'ils (elles) réduisent sensiblement leur consommation d'hydro-électricité. En prônant un changement d'attitude radical, de leur part, la jeune femme souhaite que l'on évite de donner des prétextes au monopole d'État pour ériger de nouveaux barrages et pour construire de nouvelles centrales hydro-électriques… Or, selon nous, lorsqu'elle s'exprime ainsi, l'auteure et comédienne nous révèle involontairement qu'elle perçoit la réalité par le petit bout de la lorgnette et qu'elle demeure incapable de transcender son sujet théâtral. En vérité, le développement d'ambitieux projets hydro-électriques qu'effectue la société d'État n'est point attribuable à la consommation d'électricité qui caractérise la population québécoise (encore qu'il y aurait des améliorations à apporter, à cet égard). L'actualisation desdits projets s'explique principalement par la volonté politique de certaines personnes de pouvoir, des mandarins, de tirer de l'exportation d'hydro-électricité des avantages économiques considérables pour une minorité d'individus. Dans ces circonstances, pourquoi Christine Beaulieu craint-elle de traiter des dimensions éthique et politique du capitalisme ? Parce qu'elle ne connaît guère ces domaines et qu'elle ne souhaite pas engendrer un débat de fond clivant, au sein de la société québécoise, qui porterait sur des questions sociopolitiques prépondérantes. Indéniablement, une telle attitude s'avère déplorable puisqu'elle a pour effet direct de rendre la pièce de théâtre documentaire de Beaulieu inoffensive, voire lénifiante.

Le jeune Karl Marx de Raoul Peck

Paul Beaucage — 2020-06-16T08:18:08Z

L'importance considérable que comporte l'œuvre philosophique de Karl Marx a porté certains (es) observateurs (trices) à nettement sous-estimer l'implication de cet intellectuel au sein du monde dans lequel il a vécu. Pourtant, on ne saurait nier que Marx était un homme engagé, entier et sensible, qui s'opposait avec conviction aux inégalités sociopolitiques dont il était témoin. Conscient de ce phénomène, le cinéaste d'origine haïtienne Raoul Peck a choisi de mettre en relief une partie déterminante et méconnue de la vie du célèbre philosophe d'ascendance juive allemande dans Le jeune Karl Marx (2017). Ainsi que son titre le suggère, le drame biographique et historico-politique de Raoul Peck traite d'une période essentielle de l'existence de Marx : celle qui s'étend de 1843 à 1848.

De Paul Beaucage

L'art de la biographie politique

Pour sa part, Raoul Peck témoigne d'une prédilection pour la réalisation de films ou de téléfilms à dimensions biographiques et politiques, depuis le début de sa carrière. Ainsi, des œuvres dramatiques ou documentaires comme Lumumba (2000), L'École du pouvoir (2009) et I Am Not Your Negro (2016) ont suscité l'approbation de nombreux (euses) chroniqueurs (euses) et critiques de cinéma en vertu de la finesse des peintures que Peck a brossées des personnalités politiques qu'il a observées. En ce qui a trait au Jeune Karl Marx, il importe de souligner au lecteur (ou à la lectrice) que le cinéaste et ses techniciens (ciennes) ont bénéficié de moyens importants pour représenter différentes composantes de nations européennes du dix-neuvième siècle. Or, en affirmant un style dynamique et personnel, Raoul Peck évite que son œuvre ne sombre dans une stérile componction.

Un portrait pénétrant du célèbre philosophe

Si Raoul Peck a su construire un drame probant, c'est surtout en raison des portraits psychosociologiques nuancés qu'il a tracés du protagoniste et des autres personnages de la narration. Refusant de verser dans l'hagiographie ou une description stéréotypée, il dépeint Karl Marx comme un être de chair et d'os, enclin à éprouver les mêmes émotions que toute personne normalement constituée. Dans cette perspective, Peck a élaboré diverses scènes qui nous dévoilent les qualités et les défauts de Marx. Parmi ces passages, il convient de citer ceux qui évoquent la passion amoureuse que Karl éprouve pour sa femme, Jenny ; la tendresse qu'il ressent pour ses deux filles et la force des convictions morales qu'il entretient face à l'adversité. En contrepartie, le cinéaste nous apprend, à travers quelques séquences du film, que le jeune Karl Marx pouvait se montrer arrogant, imbu de lui-même et intraitable envers les gens qui ne partageaient pas ses idées. Assurément, dans l'ensemble, les forces du protagoniste se révèlent nettement plus importantes que ses faiblesses. Toutefois, on constatera que Raoul Peck s'est gardé d'idéaliser gratuitement le philosophe d'origine prussienne.

Une amitié exceptionnelle

Comme le soulignent avec pertinence Raoul Peck et son coscénariste, Pascal Bonitzer, à travers le long métrage, Karl Marx et Friedrich Engels se sont rencontrés, pour la première fois, au cours d'un événement mondain en Prusse. À cette occasion, les propos tenus par Engels au sujet du communisme n'avaient point impressionné son interlocuteur. Pour sa part, Friedrich Engels n'avait pas été convaincu non plus par les commentaires que Karl Marx avait alors formulés. Toutefois, la deuxième rencontre des intellectuels, qui a lieu inopinément, dans le bureau de leur éditeur allemand, à Paris, se révélera déterminante pour l'ensemble de la vie de Marx et Engels. Durant cet entretien, Engels esquive d'abord quelques flèches que lui lance son compatriote en évoquant le souvenir de leur discussion initiale. Puis, le jeune homme, se montrant diplomate, témoigne de l'admiration qu'il éprouve envers les œuvres de Marx (Remarques sur la censure [1842], Liberté de la presse et liberté humaine [1842-1843]…). Sans surprise, Karl Marx apprécie cet éloge. Cela explique qu'il ne manque pas de complimenter Engels au sujet de la qualité d'un essai progressiste qu'il a écrit sur le prolétariat anglais (La situation de la classe laborieuse en Angleterre [1845]).

De manière progressive, les deux philosophes découvrent qu'ils ont des affinités électives : l'un et l'autre fustigent le système capitaliste, qui engendre l'exploitation des ouvriers et la misère humaine. De plus, ils rêvent de construire un monde dans lequel l'ensemble des êtres humains pourrait s'épanouir. En somme, on peut affirmer que Karl et Friedrich partagent une vision universelle humaniste et qu'ils éprouvent un plaisir extraordinaire à échanger des idées. Dans ces circonstances, il n'est pas étonnant que les deux complices décident subitement de se rendre ensemble dans une brasserie pour y célébrer leur nouvelle et intense amitié, comme il se doit…

Deux intellectuels dans l'arène politique

Dès la seconde moitié des années 1840, il apparaît clair que Marx et Engels souhaitent influencer, de façon péremptoire non pas des cénacles d'intellectuels, mais plutôt des associations ouvrières de leur époque. En d'autres termes, les deux hommes veulent convaincre de larges masses de s'engager fermement dans une action politique révolutionnaire. Afin d'atteindre cet objectif ambitieux, Engels convainc Marx de tenter d'adhérer avec lui au groupe socialiste que constitue la Ligue des justes, en Angleterre. Cependant, au départ, il semble exister des incompatibilités idéologiques trop prononcées, entre le tandem de penseurs et la direction de la Ligue des justes, pour que celui-là puisse faire partie de l'organisation sociopolitique. Ainsi, la dimension éthico-religieuse de ce mouvement a pour effet d'atténuer, aux yeux des philosophes, sa capacité à contester efficacement l'ordre établi. À l'inverse, les dirigeants de la Ligue des justes reprochent à Marx et Engels d'entretenir une vision purement cérébrale de la misère humaine. Or, malgré le fait que Marx et Engels aient vivement critiqué les thèses de Proudhon et qu'ils se soient âprement disputés avec Wilhelm Weitling (l'initiateur du groupe !), on leur permet d'adhérer à cette association en raison de leur envergure intellectuelle. Au demeurant, la direction du mouvement politique apparaît déterminée à juguler l'ardeur révolutionnaire que manifeste le duo de penseurs d'origine prussienne. Toutefois, les cadres de la Ligue des justes sous-estiment la volonté de Marx et Engels de faire de cette entité une organisation politique radicale.

La métamorphose de la Ligue des justes

Grâce à la rigueur de la pensée sociopolitique de Marx et aux talents d'orateur exceptionnels d'Engels, les deux hommes réussiront, de façon stupéfiante, à transformer la Ligue des justes en un véritable mouvement de gauche révolutionnaire, que l'on dénommera adéquatement la Ligue des communistes. Dans cet esprit, on pourra apprécier la dimension dramatique d'une séquence du film de Raoul Peck : celle au cours de laquelle on voit Engels, discrètement appuyé par son ami Marx, parvenir à persuader la majorité des membres de la Ligue des justes d'adopter une orientation politique beaucoup plus combative, plus réaliste que celle qu'ils épousaient auparavant. Désormais, plutôt que de s'appuyer candidement sur la soi-disant fraternité des hommes, voire sur des voeux pieux, les membres de la Ligue des communistes verront les choses à travers le prisme de la lutte des classes, qui oppose le prolétariat à la bourgeoisie, au sein des sociétés capitalistes. D'où, la dimension révolutionnaire de la position qu'ils entretiendront pour faire valoir les droits des travailleurs opprimés et des laissés-pour-compte des pays où triomphent les règles du capitalisme.

La rédaction du Manifeste du parti communiste

Afin de répondre aux attentes des membres du mouvement politique que Friedrich Engels et lui-même ont métamorphosé, Karl Marx, encouragé par son fidèle ami et par sa femme Jenny, se lance dans la rédaction, à un rythme endiablé, de l'accessible Manifeste du parti communiste (1848). Suite à sa publication, cette œuvre didactique et militante exercera une influence majeure sur différents mouvements progressistes européens. Pourtant, Karl Marx n'a pas l'impression que son engagement au sein de la Ligue des communistes et que la rédaction de cet opuscule lui permettent de contribuer autant qu'il le souhaiterait à la défense, à la mise en lumière de la doctrine communiste. De plus, Marx aspire à laisser sa marque dans l'histoire philosophico-politique de son temps en écrivant une œuvre fondamentale. Dans ces circonstances, le jeune homme envisage déjà de travailler à l'élaboration du Capital (1867), sur lequel pourront s'appuyer différents partis politiques européens de gauche afin de construire des sociétés autrement plus justes et égalitaires que les États capitalistes que l'on connaît.

Tout compte fait, on peut légitimement affirmer que Le jeune Karl Marx de Raoul Peck constitue une oeuvre cinématographique d'envergure, bien documentée, qui permet au public de comprendre pourquoi le philosophe d'origine rhénane a suivi un cheminement personnel des plus singuliers. Certes, ce long métrage n'est pas exempt de quelques faiblesses mineures, comme en témoigne l'utilisation de clichés et d'ellipses maladroites. Toutefois, force est d'admettre que ces lacunes n'altèrent guère la qualité de l'ensemble de la narration. Cela dit, il importe de souligner que le drame biographique à dimension historico-politique de Peck a pour mérite essentiel de nous rappeler que Karl Marx considérait la philosophie non pas comme un moyen d'interpréter le monde, mais plutôt comme un moyen de transformer le monde. Or, cette conception de Marx explique pourquoi il n'hésitait pas à s'impliquer sur le plan sociopolitique. Du reste, en représentant, dans son film, un Karl Marx épris de justice sociale, le réalisateur dévoile au spectateur (ou à la spectatrice) la modernité de la vie et de l'œuvre du réputé intellectuel. Par conséquent, alors qu'en ce début de troisième millénaire les inégalités sociales et les iniquités vont en s'accentuant dans le monde, qui pourrait prétendre que la critique marxiste de l'idéologie capitaliste n'est plus d'actualité ?

La présence et le rayonnement de Pauline Julien sur la toile

Paul Beaucage — 2020-06-09T08:17:47Z

Puisqu'en raison de la Crise du coronavirus que l'on connaît actuellement, les Québécois ne sont plus en mesure d'assister à des spectacles publics, ceux-là peuvent se familiariser avec des œuvres musicales appréciables qui sont disponibles à travers l'internet. Dans ces circonstances, il nous apparaît pertinent de découvrir ou de redécouvrir des chansons du passé, auxquelles trop de Québécois (ses) ont tendance à tourner ostensiblement le dos. Ainsi, une petite enquête menée par le biais de notre moteur de recherche Google peut facilement nous permettre d'écouter des chansons chantées par la réputée artiste québécoise Pauline Julien (1928-1998).

De Paul Beaucage

Pourquoi aurions-nous intérêt à jauger la contribution de cette auteure-compositrice-interprète plutôt que de considérer l'œuvre d'un (e) autre chanteur (teuse) ? Parce qu'on sait que Julien s'est imposée comme une artiste particulièrement douée dans le Québec de la deuxième moitié du vingtième siècle. Malheureusement, beaucoup d'amateurs (trices) de chanson contemporaine, marqués (ées) par la mondialisation de l'univers musical, ont tendance à méconnaître les chanteurs (teuses) engagés (ées) comme Pauline Julien. Aussi, il faut souhaiter que l'accessibilité d'internet leur permettra éventuellement de surmonter une telle lacune culturelle.

L'engagement indépendantiste de Pauline Julien

Une des principales causes sociopolitiques que Pauline Julien a défendues au cours de son existence était celle de la souveraineté du Québec. En effet, elle et son conjoint, le poète et politicien Gérald Godin (1938-1994), ont longtemps milité en faveur de l'accession à l'indépendance de la nation québécoise. Dès lors, on ne s'étonnera pas que Pauline Julien ait chanté la fameuse chanson de Raymond Lévesque, qui s'intitule Bozo-les-culottes (1967). À travers cette œuvre, le chansonnier dénonce l'exploitation dont sont victimes les Québécois francophones dans leur propre province. Le titre de la création se réfère au sobriquet dépréciatif dont on affuble le protagoniste de l'histoire. Celui-ci en vient à se révolter, comme l'ont fait certains militants du FLQ (le Front de Libération du Québec), contre l'oppression que lui inflige une minorité d'anglophones, en détruisant une statue érigée pour honorer ses ennemis. Cela éveillera les consciences de ses compagnons d'infortune, lesquels se révolteront à leur tour et obtiendront des droits dont ils étaient privés auparavant. Pour sa part, Bozo purgera une lourde peine de prison en raison de son geste et se heurtera à une indéniable ingratitude provenant de ses pairs. Voilà pourquoi le dernier quatrain du poème s'avère éminemment évocateur :

Quand on est de la race des pionniers
On est fait pour être oublié
Bozo-les-culottes
Bozo-les-culottes.

En termes d'interprétation, il faut reconnaître que Pauline Julien a su donner un ton aussi pudique que personnel à la chanson de Raymond Lévesque. Comme il se doit, elle manifeste une certaine tendresse vis-à-vis le protagoniste de l'histoire, en ayant soin de ne pas tomber dans le pathos. En outre, on ne saurait nier que la chanteuse témoigne d'une voix mélodieuse et d'un sens du rythme unique.

Par ailleurs, Pauline Julien a adopté un tout autre style musical lorsqu'elle a interprété la pugnace chanson de Gilles Vigneault Tit-Cul Lachance (1973). Précisons que cette œuvre militante constitue une espèce de pamphlet poétique par le biais duquel Vigneault dénonce impitoyablement les travers du premier ministre Robert Bourassa, dont le premier mandat (1970-1973), comme chef d'un gouvernement libéral provincial, s'est révélé désastreux pour l'ensemble du Québec. En l'occurrence, Vigneault se sert avec beaucoup de doigté de procédés rhétoriques, comme l'énumération, l'hyperbole, la métaphore et l'humour noir pour traduire son sentiment de révolte face au monde politique qui l'entoure. Pour sa part, Pauline Julien utilise un style corrosif afin de fustiger l'attitude inacceptable du premier ministre du Québec de l'époque. De fait, on appréciera la conviction que Julien révèle lorsqu'elle chante les vers crus et puissants que Gilles Vigneault a composés. Bien sûr, elle n'a pas le même timbre de voix que le narrateur imaginé par le chansonnier. Cependant, l'interprète talentueuse qu'elle est traduit, avec éloquence, la hargne qu'un laissé-pour-compte de la société québécoise ressent face aux injustices dont lui et ses compatriotes sont victimes. Cela dit, il faut reconnaître que l'indignation exprimée par Pauline Julien, à travers sa composition, ne trahit jamais la poésie de Gilles Vigneault, ni la musique de Gaston Rochon. Dans cette perspective, on remarquera la récitation sensible de l'excellent refrain Tu penses que je m'en aperçois pas, qui se situe constamment entre la remontrance et la mélopée. Du reste, parmi les passages les plus significatifs de la chanson de Vigneault, il importe de se référer à ceux qui dénoncent l'américanisme de Robert Bourassa. Pourquoi ? Parce que dès les années 1970, Gilles Vigneault et Pauline Julien percevaient la menace que l'impérialisme américain pouvait représenter par rapport à la volonté d'émancipation du peuple québécois. Voilà pourquoi on demeure sensible, en 2020, à ces vers percutants :

Tu penses que je m'en aperçois pas
Que t'es rien qu'un sous-ministre
Nos vrais ministres sont aux États
C'est là qu'ils t'administrent.

Par ailleurs, dans Mommy (1974), Pauline Julien parvient à interpréter, avec brio, une chanson presque exclusivement de langue anglaise, qui dénonce sans équivoque l'assimilation dont sont victimes les francophones vivant au Canada anglais et dont pourraient éventuellement être victimes des Québécois (es) francophones demeurant chez eux (elles) ; à Montréal par exemple. De façon indirecte, les coauteurs du texte, Gilles Richer et Marc Gélinas, posent deux questions fondamentales aux Québécois (es) : à savoir, souhaitent-ils (elles) avoir leur propre pays et assurer la prospérité de leur identité ; ou souhaitent-ils (elles) demeurer au sein d'un pays majoritairement anglophone, le Canada, dans lequel leur identité culturelle et linguistique se trouve menacée ? Bien entendu, lorsqu'elle était vivante, Pauline Julien exhortait le peuple québécois à assumer ses responsabilités en appuyant majoritairement la cause de l'indépendance du Québec. Avec lucidité, l'artiste considérait que l'assujettissement politique du Québec au Canada anglais, dans le cadre fédéraliste canadien, se révélait néfaste pour une majorité de Québécois (es) francophones. Assurément, les deux échecs référendaires subis par les indépendantistes québécois, en 1980 et 1995, l'ont amèrement déçue. Toutefois, Pauline Julien n'était pas le genre de personne à se laisser démoraliser par les défaites, de quelque nature qu'elles fussent. En vérité, la militante se montrait prête à reprendre le combat aussitôt que cela s'avérait nécessaire…

L'engagement féministe de la chanteuse

Incontestablement, le militantisme qu'a manifesté Pauline Julien envers la cause féministe était aussi prononcé que son nationalisme sociopolitique. Ayant développé une relation particulièrement amicale avec Anne Sylvestre, Pauline Julien a interprété des chansons féministes écrites par l'auteure-compositrice-interprète française. Parmi elles, on retiendra principalement l'œuvre qui a pour titre Non, tu n'as pas de nom (1974). Dans ce cas, on peut soutenir qu'il s'agit d'un plaidoyer poétique revendiquant clairement, pour les femmes, le droit à l'avortement. Évidemment, Anne Sylvestre avait compris que sa consoeur québécoise pourrait tirer de son texte et de sa musique une interprétation résolument novatrice (distincte de celle de l'auteure elle-même). Or, force est d'admettre que Pauline Julien lui a donné raison. En termes littéraires, il faut souligner que la chanson d'Anne Sylvestre comporte de très beaux passages, qui mettent en relief des particularités de la condition féminine. Ainsi, la créatrice évoque, avec finesse, les angoisses que peut vivre une femme lorsqu'elle attend la naissance de son enfant :

Savent-ils que ça transforme
L'esprit autant que la forme
Qu'on te porte dans la tête
Que jamais ça ne s'arrête…

En ayant recours à des mots simples, voire opportuns, Anne Sylvestre parvient à donner au lecteur une idée précise de ce que doit représenter la gestation d'une future mère pour la principale intéressée. Dans cet esprit, Sylvestre démystifie le cliché selon lequel le fait de porter un (e) enfant dans son ventre constituerait, pour une femme, une modeste épreuve physique, vécue de manière intermittente…

Sur le plan de l'interprétation textuelle et vocale du propos d'Anne Sylvestre, on goûtera la sensibilité de la composition de Pauline Julien, qui se met aisément dans la peau d'une femme pouvant refuser de donner naissance à un (e) enfant qu'elle ne souhaiterait pas avoir. Somme toute, celle-ci voudrait décider de son propre chef de quoi il retourne plutôt que de voir une autre personne lui imposer sa décision, en une pareille matière. Fidèle à elle-même, Pauline Julien atteint ici un bel équilibre entre l'expression de sa personnalité hors du commun et le respect des harmonies musicales, lesquelles sont nécessaires à une affirmation artistique significative.

Plus de vingt ans après la disparition de Pauline Julien, lorsqu'on écoute les chansons qu'elle a interprétées, on est frappé par la modernité de celles-ci. À notre avis, cela s'explique par le choix de textes et de musique éclairé auquel a procédé la chanteuse, durant l'ensemble de sa carrière. Certes, sa solide formation de comédienne et son oreille musicale l'ont incitée à se montrer exigeante par rapport aux créations qu'on lui proposait de chanter. En outre, son perfectionnisme l'a toujours poussée à se surpasser… Sans vouloir verser dans la nostalgie réductrice, il faut admettre que l'on ne saurait trouver aujourd'hui une jeune chanteuse ou un jeune chanteur ayant une envergure comparable à celle que Pauline Julien a eue, dans le Québec contemporain. Souhaitons donc que, grâce aux nouvelles technologies, une jeune génération de chanteurs découvre adéquatement les œuvres que nous ont laissées les Pauline Julien, Diane Dufresne, Gilles Vigneault et Raymond Lévesque. Le cas échéant, peut-être ces artistes de la relève créeront-ils éventuellement des chansons qui, à l'instar de celles de leurs prédécesseurs, démontreront qu'ils sont des citoyens engagés, conscients de ce qu'ils sont et de l'ensemble transcendant dont ils font partie… À n'en point douter, le monde réel et celui des arts représentent des vases communicants !

Électre de Sophocle

Paul Beaucage — 2020-06-02T08:04:10Z

Parfois, la polyvalence qui caractérise un artiste peut lui être défavorable. Dans le cas du metteur en scène Serge Denoncourt, on peut soutenir que son attitude de touche-à-tout, ses indéniables habiletés de communicant lui ont permis de se faire connaître du grand public québécois davantage que n'importe quel de ses pairs (y compris l'estimé René-Richard Cyr).

De Paul Beaucage

À l'inverse, les multiples participations de Denoncourt à des émissions de variétés et sa présence constante dans le domaine médiatique l'ont sans doute empêché, par moments, de s'engager de façon aussi prononcée qu'il l'aurait souhaité dans la création d'œuvres théâtrales qui lui tenaient à coeur. Toutefois, soyons équitables : lorsque ce chevronné metteur en scène traite de sujets qu'il juge pertinents et stimulants, il réussit fréquemment à donner la mesure de son talent. Dans cette perspective, les amateurs (trices) de théâtre étaient heureux (ses) d'apprendre qu'il mettrait en scène la réputée tragédie de Sophocle, Électre (2019), à l'Espace Go. En réalisant ce projet, Serge Denoncourt souhaitait manifestement rompre avec son image de metteur en scène attitré des œuvres du dramaturge Michel Marc Bouchard (Christine, la reine-garçon [2012], La divine illusion [2015]), pour renouer convenablement avec les origines de l'art dramatique occidental.

L'argument d'Électre

On peut résumer l'intrigue de la tragédie de Sophocle ainsi : après plusieurs années d'exil, Oreste se rend à Mycènes, en compagnie de son précepteur, pour y venger son père Agamemnon, qui a été assassiné par sa femme Clytemnestre et l'amant de celle-ci, Égisthe. À travers l'actualisation de son entreprise, Oreste sait qu'il pourra compter sur la collaboration de sa sœur aînée Électre, qui voue une haine sans borne aux meurtriers d'Agamemnon. Cependant, cette fille de monarque vit dans des conditions périlleuses, puisque ses ennemis, qui sont roi et reine de Mycènes, se méfient grandement d'elle et la traitent comme une mendiante. N'empêche qu'en ayant recours à une ruse très élaborée, Oreste et son précepteur informeront Électre de leurs intentions. Subséquemment, les deux hommes parviendront à mystifier Clytemnestre et Égisthe. Puis, ils les tueront successivement.

Une sombre histoire de vengeance

Sur le plan thématique, il faut souligner que la tragédie de Sophocle représente essentiellement une histoire de règlement de comptes comportant un aspect intrafamilial. Ainsi, Électre considère qu'elle a la responsabilité de venger l'outrage dont son père a été victime en punissant impitoyablement le tandem de meurtriers qui l'a assassiné. Sa volonté de revanche comporte une dimension affective et une dimension morale qu'elle revendique honnêtement. En d'autres termes, Électre adorait son père, Agamemnon, et elle considère que Clytemnestre a commis la pire des bassesses en poussant Égisthe à assassiner son époux. Évidemment, la jeune femme ne dispose pas des moyens nécessaires pour laver dans le sang le meurtre de l'auteur de ses jours. Dès lors, elle espère que le retour prochain d'Oreste lui permettra d'atteindre son objectif. Grâce au souvenir qu'elle garde de son frère, elle entretient la vive impression que son vœu sera exaucé. Pour sa part, Oreste tarde à revenir à Mycènes. N'empêche qu'en prenant connaissance d'un oracle qui lui annonce qu'il doit punir les assassins de son père, le jeune homme retourne dans sa ville natale afin de mettre un terme à l'existence de Clytemnestre et de son amant. Assurément, le message divin qu'Oreste a reçu lui a indiqué à quel moment et de quelle façon il devait agir. Toutefois, l'aspect moral de son orientation est attribuable à l'influence que sa sœur a exercée à ses dépens, avant qu'il ne quitte Mycènes. Comme on l'imagine, l'acte de matricide, pour les représentants de la civilisation grecque de l'époque, constituait une transgression de tabou particulièrement odieuse. Néanmoins, Électre et Oreste sont convaincus qu'ils n'enfreindront aucune règle morale légitime en punissant le duo d'assassins de leur père. Quoi qu'il en soit, rien ne nous indique que les autres membres de la société dans laquelle ils se meuvent interpréteront leur geste comme les enfants rebelles de Clytemnestre le souhaitent…

La finesse de l'écriture théâtrale de Denoncourt

Tout bien considéré, il importe de souligner que Serge Denoncourt a établi une mise en scène élégante et maîtrisée pour traduire son propos. Dès les premiers passages du spectacle, le public constate que l'axe spatiotemporel de la tragédie est fort bien défini. La scène où se déroule l'action représente, de manière générale, un espace extérieur restreint situé à proximité du palais royal. En revanche, le créateur a choisi de ne point nous dépeindre l'intérieur de la demeure dans laquelle vivent le roi et la reine. Ici, il faut louer le choix de Denoncourt, qui a évité de sombrer dans la facilité, en ne représentant pas banalement l'intérieur d'un palais à travers l'utilisation d'images de caméra vidéo ou à travers l'interruption de l'action tragique, de manière à implanter un décor artificiel. Le metteur en scène choisit plutôt de nous suggérer, avec habileté, ce qui se déroule à l'intérieur des murs de la résidence royale, alors qu'Électre se plaint du sort qui est le sien et qu'Oreste planifie le meurtre de Clytemnestre et d'Égisthe…

Bien davantage qu'à travers des mises en scène comme celles de Projet Andromaque (d'après une tragédie célèbre de Jean Racine [2011]) et des Trois mousquetaires (d'après le roman éponyme d'Alexandre Dumas père [2015]), Serge Denoncourt témoigne, par le biais de sa production d'Électre, d'un style et d'un sens de la narration remarquables. Sur le plan du décor, des éclairages et des effets visuels, il opte pour une démarche minimaliste. Par ailleurs, il faut reconnaître que Denoncourt a su choisir, avec acuité, des costumes particulièrement révélateurs pour identifier les différents personnages de la narration. Ainsi, on remarque sans peine que les vêtements que porte Électre sont semblables à ceux des mendiants, parce qu'elle est victime de l'opprobre que lui infligent sa mère et son « parâtre ». En ce qui a trait aux autres figures représentées, elles revêtent des tenues conformes à leurs statuts sociaux respectifs, qu'ils soient apocryphes ou réels. Dès lors, le (la) spectateur (trice) sera frappé (e) par l'élégance des vêtements que portent Égisthe et Clytemnestre : ceux-ci témoignent, avec ostentation, de leur position privilégiée, en termes sociopolitiques. Pour ce qui est d'Oreste, il se manifeste à travers une tenue qui le fait paraître nettement moins important qu'il ne l'est. Il en va de même pour le précepteur, qui a l'apparence d'un subalterne et donne l'impression de s'acquitter de responsabilités concrètes au sein d'une demeure respectable. Du reste, Denoncourt procède à un jeu astucieux portant sur l'être et le paraître, lequel nous dévoile la complexité des relations humaines.

L'interprétation magistrale de Magalie Lépine-Blondeau

Au sein du milieu du théâtre québécois, d'aucuns considèrent Serge Denoncourt comme un découvreur de talents et un directeur de comédiens exceptionnels, depuis longtemps. Or, selon nous, le metteur en scène mérite de jouir d'une telle réputation. Dans cet esprit, on peut soutenir que Denoncourt a fait un coup de maître en choisissant et guidant Magalie Lépine-Blondeau afin qu'elle incarne le rôle-titre de la grande tragédie de Sophocle. En effet, cette comédienne s'appuie sur une technique très sûre pour camper comme il se doit le personnage d'Électre. Cependant, elle sait également s'en remettre à son intuition pour nous suggérer des nuances émotionnelles très subtiles : celles-ci permettent au spectateur (ou à la spectatrice) de jauger adéquatement le comportement de la protagoniste de la narration, qui oscille constamment entre la volonté de révolte et le désespoir. Au demeurant, Lépine-Blondeau ne verse jamais dans le misérabilisme. Pour ce qui est des autres interprètes de la pièce de théâtre concernée, d'Alex Bisping à Vincent Leclerc, en passant par Violette Chauveau, Jean Fayolle fils, Marie-Pier Labrecque et Caranne Laurent, ils incarnent avec aplomb leurs personnages respectifs et offrent au public de l'Espace Go une performance irréprochable.

Un sommet dans la carrière de Serge Denoncourt

À nos yeux, l'Électre de Sophocle mise en scène par Serge Denoncourt s'impose comme une des plus brillantes réussites de la prestigieuse carrière de l'artiste québécois. Bien entendu, sa connaissance approfondie de l'œuvre classique de Sophocle et sa capacité à représenter la tragédie dans un contexte éminemment humain constituent les principaux atouts d'une production presque parfaite. En vérité, un seul hiatus du spectacle théâtral nous a quelque peu embêtés : il s'agit de celui qui survient lors de la scène décrivant le meurtre d'Égisthe. Dans ce cas, Serge Denoncourt a commis une petite erreur en introduisant un anachronisme qui nous laisse entendre qu'Oreste a abattu son beau-père en utilisant une rafale de mitraillette. Il va sans dire que l'intention de l'artiste consistant clairement à rapprocher la violence des temps anciens et celle d'aujourd'hui n'était pas dénuée de sens. Toutefois, attendu qu'il s'agit du seul anachronisme significatif que génère la mise en scène de Denoncourt, il apparaît comme étant intempestif. Quoi qu'il en soit, cette faiblesse s'avère assez anodine par rapport à un spectacle d'une rare qualité. De fait, il demeure incontestable, selon nous, que cette Électre de Sophocle restera longtemps gravée dans les mémoires des spectateurs (trices) avertis (es), qui ont eu le privilège de la voir. En somme, que pouvons-nous souhaiter maintenant à Serge Denoncourt ? De pouvoir monter d'autres pièces de théâtre exigeantes dans un avenir relativement rapproché. Pourquoi ? Parce que, selon nous, cet artiste est beaucoup plus instructif, plus évocateur lorsqu'il se penche sur des textes théâtraux ambitieux, anciens ou modernes, qui soulèvent des questions fondamentales au sujet de la nature humaine, que lorsqu'il fait du théâtre de divertissement. Finalement, c'est quand il fait preuve d'humilité par rapport à une œuvre littéraire importante que Serge Denoncourt nous montre vraiment de quel bois il se chauffe, en termes esthétiques.

Le redoutable de Michel Hazanavicius

Paul Beaucage — 2020-05-26T08:12:31Z

Depuis le début de sa carrière cinématographique, Michel Hazanavicius suit un itinéraire atypique qui lui a permis de réaliser des films de fiction aux forts accents référentiels et parodiques. Or, en dépit des importants succès commerciaux que le cinéaste a remportés durant une quinzaine d'années, ses œuvres ont suscité des réactions contrastées de la part des observateurs (trices) du septième art.

De Paul Beaucage

En d'autres termes, si des longs métrages comme OSS 117 : Le Caire, nid d'espions (2006), OSS 117 : Rio ne répond plus (2009) ont recueilli l'approbation des amateurs (trices) de cinéma de divertissement, ils n'ont pas convaincu pour autant les cinéphiles sérieux (ses) de la profondeur de la vision du monde d'Hazanavicius. N'empêche que la réalisation de The Artist (2011), une comédie sentimentale rendant hommage au cinéma hollywoodien des années 1930, a permis à Hazanavicius de séduire un ensemble de spectateurs (trices) généralement réfractaires par rapport à ses œuvres de fiction. En conséquence, de nombreux (ses) amateurs (trices) de cinéma étaient curieux (ses) de voir quel genre de portrait Michel Hazanavicius allait brosser de Jean-Luc Godard dans Le redoutable (2017). Précisons que ce film constitue une libre adaptation d'un ouvrage autobiographique d'Anne Wiazemsky, qui s'intitule Un an après (2015). À travers ce récit, l'écrivaine et interprète de La chinoise (1967) de Godard dépeint la relation de couple houleuse qu'elle a entretenue avec lui…

L'utilisation d'une grammaire godardienne

Esthétiquement parlant, il faut reconnaître que Michel Hazanavicius a fort bien assimilé les figures de style dont Godard s'est servi dans ses longs métrages de la première moitié des années 1960, voire dans ses créations postérieures. De sorte qu'en visionnant Le redoutable, le (la) cinéphile cultivé (e) ne manquera pas de constater qu'Hazanavicius met habilement en relief une syntaxe godardienne pour relater son histoire. Parmi les procédés visuels auxquels le réalisateur de The Search (2014) a recours, citons les plans longs (fixes ou dynamiques), les travellings directs ou sinueux, des jeux de couleurs et de lumière audacieux, voire des intertitres pétillants. Pour ce qui est des cadrages, Hazanavicius opère de subtiles variations afin de souligner au public que l'univers de Jean-Luc Godard oscille constamment entre le réel et le fictif. En termes sonores, Hazanavicius a défriché un domaine très fertile, à travers lequel la narration en voix hors-champ, les dialogues, les calembours, la musique harmonieuse et les bruits ambiants se complètent magnifiquement. D'une certaine façon, on peut affirmer qu'en utilisant l'ensemble de ces composantes plastiques et sonores, Michel Hazanavicius nous suggère, avec doigté, qu'il perçoit Godard comme le scénariste, le metteur en scène et l'interprète de sa propre vie. Pourtant, les chimères artistiques du protagoniste se heurtent constamment aux lois inéluctables de la réalité.

L'étude de la relation de couple qui unit Anne et Jean-Luc

Par ailleurs, Michel Hazanavicius est pleinement conscient que Jean-Luc Godard a souvent traité du thème des relations de couples à travers ses films (du Mépris [1963] à Nouvelle vague [1990], en passant par Une femme mariée [1964] et Sauve qui peut (la vie) [1979]). Toutefois, force est d'admettre que Godard n'a jamais procédé à une étude aussi circonstanciée, aussi soutenue portant sur la vie commune de deux conjoints que le fait Hazanavicius dans Le redoutable. Ainsi, ce dernier pose un regard aigu sur l'ensemble de la relation intime qui unit Anne et Jean-Luc, des moments d'osmose, de grâce, aux moments d'incompatibilité destructrice, voire de séparation. Certes, Hazanavicius privilégie le point de vue d'Anne Wiazemsky par rapport à celui de Jean-Luc Godard (comme en témoigne l'utilisation de la narration en voix hors-champ). Cependant, le cinéaste évite de prêter gratuitement de mauvaises intentions au protagoniste. Celui-là tente simplement de restituer le cheminement singulier d'un homme plutôt que de le juger. Avec lucidité, Hazanavicius nous apprend que Godard, comme de nombreux autres intellectuels de son époque, s'est laissé séduire par les chimères de l'idéologie communiste. De fait, celles-ci l'ont entraîné dans la voie périlleuse de l'endoctrinement, du dogmatisme politique. Par conséquent, il n'est pas étonnant que le cinéaste-vedette se dispute avec un grand nombre de ses amis, de ses connaissances ; ou même avec des gens qu'il rencontre par hasard, dans différents lieux. Or, la désillusion d'Anne Wiazemsky par rapport à son époux se manifeste d'abord lorsqu'elle prend conscience du manque de respect et de sympathie que Godard éprouve envers autrui.

Godard et les autres

Parmi les séquences du long métrage de Michel Hazanavicius qui traduisent l'attitude condescendante, voire suffisante dont Godard fait preuve envers les gens, on pourra se référer à celles qui représentent des manifestations se situant dans le contexte des Événements de Mai 68. Durant deux des marches de contestation auxquelles sa compagne et lui prennent part, Godard adopte une attitude désobligeante envers des quidams qui lui témoignent, de façon plus ou moins maladroite, leur admiration. En effet, les individus concernés louent ses premières réalisations (des « drames audacieux ») au détriment de ses œuvres les plus récentes (des « essais sociopolitiques »), ce qui déplaît vivement à Jean-Luc Godard. De sorte que le cinéaste ne se gêne pas pour rabrouer ces inconnus. Pour sa part, Wiazemsky découvre graduellement, irréversiblement que l'homme qu'elle aime sans réserve n'est pas aussi altruiste, magnanime ou ouvert qu'elle le croyait...

La séparation d'Anne et de Jean-Luc

Au bout d'un certain temps, Jean-Luc Godard se rend en Tchécoslovaquie pour y tourner, avec la collaboration de Jean-Pierre Gorin, un journaliste culturel réputé, un nouveau film à dimensions expérimentale et sociopolitique : il s'agit de Pravda (1969). Une fois la réalisation de cette œuvre contestataire terminée, il se rend en Italie pour y retrouver Anne, qui prend part au tournage du long métrage iconoclaste La semence de l'homme (1969) de Marco Ferreri. Lorsqu'il revoit la jeune femme, Godard lui manifeste spontanément sa mauvaise humeur. D'abord, il se lamente en raison du fait qu'elle n'était pas à ses côtés pour la réalisation de son dernier métrage. Puis, il fait part à Anne du mépris qu'il entretient pour Marco Ferreri et son cinéma de divertissement, ainsi que pour Marzio Margine, l'interprète masculin principal du film italien. En outre, l'irritation de Godard va croissant : il devient outrageusement jaloux des compagnons de plateau de cinéma de son épouse. Aussi, lui laisse-t-il entendre qu'il la soupçonne de l'avoir trompé avec l'acteur principal du film de Ferreri… De son côté, Anne tente de faire comprendre à Jean-Luc que ses soupçons sont dénués de fondement, mais en vain. Pis encore, Godard, déchaîné, éprouvant une certaine forme de paranoïa, l'accuse d'être une femme dévergondée et lui lance d'autres insultes extrêmement blessantes, de manière répétée. Lasse de subir les commentaires et les invectives affligeants que Godard lui adresse, Anne signifie clairement à son époux qu'elle ne peut plus souffrir son attitude inacceptable. Pour la première fois de la narration, la jeune femme se rebelle sans retenue contre son mari et lui avoue qu'elle ne l'aime plus parce qu'elle le trouve insupportable. Hagard, Godard accuse péniblement le coup. Les nombreuses déconvenues qu'il subit depuis quelque temps lui minent le moral. Se sentant singulièrement ébranlé par les propos de son épouse, il tente de se suicider dans la chambre d'hôtel qu'elle et lui partagent. Fort heureusement, la jeune femme et d'autres clients de l'établissement parviendront à lui sauver la vie, in extremis. N'empêche que cet événement dramatique deviendra déterminant pour Anne Wiazemsky, qui décidera, malgré la grande tendresse qu'elle a déjà éprouvée pour Jean-Luc, de se séparer de lui définitivement. Certes, elle participera au début du tournage de Vent d'Est (1969) de Godard, mais elle abandonnera brusquement ce projet et quittera inéluctablement son mari.

À l'instar de presque tous les films que Michel Hazanavicius a créés depuis le début de sa carrière, Le redoutable a séduit certains (es) critiques et observateurs (trices) respectés (ées) du septième art, mais en a déçu plusieurs autres. En soi, cela n'est guère surprenant puisque le drame biographique qu'il a réalisé comporte des qualités remarquables et des défauts non-négligeables. Parmi ceux-ci, il importe de souligner que les personnages du long métrage ne se révèlent pas aussi nuancés qu'ils auraient pu l'être. En outre, on pourra logiquement reprocher à Hazanavicus d'avoir tracé une antithèse artificielle entre les films à succès et le cinéma d'auteur. Or, malgré ces fautes de parcours relativement mineures, il faut reconnaître que le cinéaste a réalisé une œuvre fort solide, qui nous dévoile des aspects essentiels, voire méconnus de la vie de Godard et d'Anne Wiazemsky. À notre avis, il s'agit assurément du meilleur long métrage que Michel Hazanavicius ait achevé jusqu'à présent, parce qu'il a su éviter d'en faire un simple exercice de style, pour présenter au public une biographie subjective originale, exempte de complaisance par rapport à la figure emblématique, prédominante de la narration : celle de Jean-Luc Godard. Bien entendu, certains de ses thuriféraires n'ont pas apprécié le fait qu'Hazanavicius trace un portrait assez sombre, durant une période précise, de l'auteur de Pierrot le fou (1965). Toutefois, on ne saurait nier que le metteur en scène concerné a effectué une recherche méticuleuse, approfondie qui lui permet d'étayer adéquatement son propos. Dans cet esprit, on peut légitimement affirmer que le (la) spectateur (trice) impartial (e) n'entretiendra, à aucun moment, la conviction que le cinéaste dénature le passé de certaines personnes ou des faits historiques pour faire un pamphlet anti-godardien simpliste. Au demeurant, il importe d'admettre que Michel Hazanavicius a su représenter des personnages authentiques, truculents dans un contexte saisissant. De plus, son film baroque, polysémique propose une enrichissante réflexion sur l'art cinématographique et la vie. Voilà pourquoi Le redoutable constitue une création vivifiante, qui résistera magistralement au passage du temps.