Presse-toi à gauche !

L'IAG générative ne fait pas que voler des images, elle assassine des carrières

Regroupement pour l'art humain — 2026-05-19T08:02:40Z

Le Regroupement pour l'Art Humain (RAH) tient à manifester tout son appui aux illustrateurices, bédéistes et artistes de tout le milieu des arts visuels dont l'identité artistique a été clonée par 𝗹𝗲 𝗿𝗲́𝗰𝗶𝗱𝗶𝘃𝗶𝘀𝘁𝗲 𝗲𝗻 𝗹𝗮 𝗺𝗮𝘁𝗶𝗲̀𝗿𝗲, 𝗠𝗮𝗿𝘁𝗶𝗻 𝗧𝗿𝗲𝗺𝗯𝗹𝗮𝘆. Nous sommes tous illustratrices et illustrateurs et nous pouvons imaginer le choc que ce doit être de retrouver le fruit de décennies de travail, volé puis réduit dans notre dos à une équation algorithmique pour générer des contrefaçons sur demande à partir de requêtes. On n'est plus dans le vol, mais bien dans l'usurpation d'identité. Voilà jusqu'où l'IA générative est prête à nous mener.

Depuis quelques années, nous assistons au pillage à échelle industrielle du travail de millions d'artistes à travers le monde pour entrainer les IA génératives. Une entreprise dont le but est de les remplacer par quelque chose de moins cher en s'appropriant illégalement leur expertise.

Dans le cas des artistes visuels, ce sont des portfolios entiers qui ont été digérés par cette machine à imiter. Or, un portfolio, c'est bien plus qu'une simple pile d'images. C'est le condensé de l'expertise d'un artiste. Voler un portfolio, c'est cloner à son insu l'ADN d'un créateur, le dépouiller du brevet de son œuvre, lui voler son style, sa signature graphique, voire son identité d'artiste et une partie de son âme.

Aujourd'hui, derrière une forme d'aveuglement volontaire, ce piratage permet à des agences publicitaires, des designers, des directeurs artistiques, des institutions culturelles, des éditeurs de générer des images à partir des portfolios usurpés à des artistes, dont des Québécois, ceux qu'ils engageaient autrefois pour effectuer le travail.

L'IAG générative ne fait pas que voler des images, elle assassine des carrières.

Illustration signée Mathilde Cinq-Mars Illustration=AZYzenApX_5FIhHIDHbkyPfAIYE72BUHiUqZahK_MddBPL-HTARn5zTprwsUMhHlm_mJm1Phi_pAYxZeWMbLVRsydNK_czmqe34Ev8gxmU9YnGmXzAsALahVC0-jGds3P0PL6ROOOR2ASG1aFsa23ppU89EwMa3JpblxSD1J5TLlmEY6get4sysBlRj5JZ8Y_oUmJmYexWQqZpUVkqpJ9Oah&__tn__=-]K-R]

Une exposition unique mets en lumière la lutte pour les droits des travailleuses du sexe à Montréal

Stella, l'amie de Maimie — 2025-10-14T08:07:00Z

8 octobre 2025 – À l'occasion de son 30e anniversaire, Stella, l'amie de Maimie – l'organisme montréalaise de défense des droits des travailleuses du sexe – lance une exposition passionnante de cinq mois qui retrace l'histoire de la résistance collective au cours des 30 dernières années. En collaboration avec le MEM - Centre de mémoires montréalaises, l'exposition offre au public un aperçu unique de la manière dont les communautés montréalaises tissent des liens et créent une communauté face à des adversités communes.

Souvent, là où l'oppression est la plus dure apparaît la résistance. Le quartier historique du Red Light de Montréal en est un exemple, car il a vu naître un mouvement de défense des droits des travailleuses du sexe au
début des années 1990. Connues pour notre esprit militant et notre créativité, nous, les travailleuses du sexe de Montréal, avons largement influencé la vie publique et politique, en repoussant les limites et en faisant preuve de résilience face à l'hypocrisie morale et aux entraves répressives imposées par la société.

Créée par et pour les travailleuses du sexe, cette expo invite les visiteurs à parcourir 30 ans de résistance collective pour défendre les droits des travailleuses du sexe. Les différents sujets mettent l'accent sur la diversité de notre communauté, sur notre résilience en présence de la criminalisation, de la stigmatisation, des préjugés et de la violence, ainsi que sur des liens avec d'autres mouvements sociaux comme ceux des communautés de personnes 2SLGBTQ+, de personnes utilisatrices de drogues, de personnes en situation d'itinérance, de personnes migrantes, d'artistes, de féministes et d'autres groupes de notre ville.

L'exposition est accompagnée d'une série d'événements publics. Suivez les réseaux sociaux du MEM et de Stella pour plus de détails.

*L'exposition se tiendra du 21 octobre 2025 au 15 mars 2026
au MEM - Centre des mémoires montréalaises, 1210, boulevard Saint-Laurent.

*https://memmtl.ca/programmation/resistance-travailleuses-du-sexe
<https://memmtl.ca/programmation/res...> *

Stella, l'amie de Maimie
IG : organismestella
FB, Twitter, Bluesky : @AmiesdeStella

MEM - Centre des mémoires montréalaises
IG, FB, Twitter : @memmtl

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Caricature

Kaël Mercader — 2025-10-07T08:16:44Z

- Arts visuels (caricatures, dessins, peintures) / Edition du 2025-10-07, Québec

L'histoire du Canada revue et corrigée par l'artiste autochtone Kent Monkman

Lisa Bouraly — 2025-10-07T07:40:33Z

Peut-on envisager la décolonisation et la réconciliation à partir d'une relecture des collections muséales ? Des artistes des Premières Nations, Inuits et Métis s'invitent depuis plus de dix ans dans des institutions canadiennes pour valoriser une nouvelle approche de l'histoire du Canada.

Tiré de The conversation. L'exposition évoquée dans l'article remonte à 2019. Actuellement, une importante exposition sur l'oeuvre de Kent Monkman se tient au Musée de beaux-arts de Montréal du 4 octobre 2025 au 8 mars 2026.

À partir du 8 février 2019, c'est au tour de l'artiste et commissaire Kent Monkman de plonger les Montréalais dans cette sombre histoire. Cet artiste autochtone propose de relire le passé colonial du Canada à travers les yeux des Premières Nations à partir d'œuvres et d'objets coloniaux piochés dans les réserves des musées. Son exposition blockbuster Honte et Préjugés : une histoire de résilience ouvre ses portes demain au Musée McCord.

Cette exposition très attendue n'est pas qu'une simple présentation du travail de ce célèbre artiste. Il s'agit aussi d'un projet qui repense la façon dont les musées peuvent approcher leurs collections, et les relations qu'ils entretiennent avec les artistes.

Le McCord sera la sixième institution sur les huit prévues au calendrier (2017-2020) à héberger ce blockbuster en partie subventionné par les célébrations du 150e anniversaire de la Confédération.

Artiste multidisciplinaire et d'origine Crie, Kent Monkman a grandi à Winnipeg et il vit et travaille à Toronto. Le milieu culturel montréalais le connaît bien : en 2014, il était en résidence au McCord, et en 2017 le Musée des beaux-arts de Montréal a présenté une performance de son alter ego de longue date, Miss Chief Eagle Testickle, avec comme acolyte le célèbre couturier Jean-Paul Gaultier.

Confronter l'histoire officielle

Kent Monkman s'attaque avec Honte et Préjugés à l'histoire coloniale en confrontant la version officielle. L'exposition est divisée en neuf chapitres.

Chacun raconte un événement dérangeant de l'Histoire . Elle débute par l'extermination des bisons à l'époque de la Nouvelle-France et se termine par la surpopulation des autochtones au sein du système carcéral, en passant par les pensionnats et la Loi sur les Indiens. Il présente dans chacune des salles des installations des photographies et surtout des toiles aux couleurs vives de grands formats. On y retrouve souvent Miss Chief s'imposant dans des scènes tirées des livres d'histoire.

Dans The Massacre of the Innocents (2015), Monkman peint des colons exterminant des castors aux traits presque humains. Miss Chief assiste à la scène cachée dernière un arbre essayant de fuir avec une famille de castors dans ses bras.

Cette œuvre rappelle comment le commerce de la fourrure et la décimation des ressources naturelles a conduit les peuples autochtones à la famine. Miss Chief, personnage autochtone et bispirituel, est la narratrice de cette histoire revisitée et Kent Monkman en est le commissaire.

À la recherche des objets-témoins du passé colonial

Pour élaborer cette exposition, Monkman entame en 2014 un long travail de recherche. Il visite une douzaine de musées à travers le Canada et sort de leurs réserves une trentaine d'objets, d'archives, et d'œuvres d'art, tous témoins « officiels » de l'histoire coloniale. Ses découvertes servent à la fois d'outils de référence lors de la production de ses propre œuvres et de moyen d'ancrer sa relecture de l'histoire dans la réalité.

En exposant ses sources d'inspiration, Monkman propose une décolonisation de la collection muséale, du musée et de l'histoire du Canada. Par exemple, un petit tabouret au premier plan dans les esquisses de Les Pères de la Confédération (c.1884) de Robert Harris retient son attention. Commandée à Harris par le gouvernement, cette œuvre représente les 23 Pères de la Confédération divisant le Canada en provinces.

Sur les murs de la salle peinte rouge sang, les esquisses originales de Robert Harris sont exposées aux côtés de la toile colorée de Monkman The Daddies (2016). Sa peinture est une adaptation fidèle de l'œuvre de Harris à laquelle il impose la présence des Premières Nations par l'insertion de son alter ego complètement nu, assis sur ce tabouret, face à ces colons qui le dépossède de ses terres.

Le noir charbon de la salle 5 fait ressortir le rouge des uniformes de la GRC présents dans la toile The Scream (2017). Il s'agit du chapitre sur les pensionnats qui, depuis 2015, sont considérés officiellement comme un génocide culturel. À côté sont exposés des porte-bébés aux riches ornementations. Seulement quelques-uns ont été retrouvés par l'artiste-commissaire. Directement sur le mur, Monkman trace à la craie les ombres de ces objets ayant perdu toute fonctionnalité après le passage des prêtres et de la police montée.

Au chapitre intitulé « Le problème indien », Kent Monkman peint la scène où la Loi sur les Indiens est signée (1876). Parmi les personnages, on voit John A. MacDonald, un prêtre et la reine Victoria (sous les traits de Miss Chief). Chef Poundmaker et Chef Big Bear, enchaînés, se regardent, les traits tirés.

Aux pieds, ils portent des mocassins que l'on retrouve dans une vitrine. Le cartel indique qu'il s'agit des mocassins « officiels » de Poundmaker, offert au Musée de l'histoire du Canada.

Être artiste et commissaire

Kent Monkman active la collection et crée ainsi une conversation à laquelle le visiteur et tout le personnel des musées publics sont conviés. En contextualisant les œuvres des musées, il réalise un travail de décryptage des collections, invite à repenser la muséographie et à affronter l'histoire coloniale du musée. Monkman brise la conception traditionnelle de l'histoire et met en place une narration qui permet d'écouter les nombreuses voix et les commentaires qui ont forgé cette histoire.

Avec Honte et Préjugés, Monkman propose une forme alternative de transmission du patrimoine qui découle de sa pratique. Il est un commissaire activiste et critique. Il n'est pas un artiste invité par un musée. La relation est inversée.

Il convie ainsi une dizaine de musées canadiens à réfléchir à leur rôle face à la réconciliation. En endossant la fonction de commissaire, ne démontre-t-il pas que le musée est un espace propice pour ce type de discussions ?

Vers un avenir meilleur

Malgré la gravité du sujet, Honte et Préjugés : une histoire de résilience est une exposition tournée vers un avenir meilleur. D'une part, elle sera vue par un nombre significatif de visiteurs en raison de sa tournée sur trois ans à travers le Canada. L'importante revue de presse démontre l'enthousiasme du public pour ce projet.

À cause de cette amplitude, de ses partenaires et de son financement, ce projet est un blockbuster. Un terme trop souvent associé à de grandes expositions avec en tête d'affiche le nom d'un homme blanc originaire d'Europe ou des États-Unis. Kent Monkman fait exception en représentant les communautés autochtone, queer et LGBTQ2S.

D'autre part, comme son sous-titre l'indique, l'exposition raconte le processus de résilience. Après des siècles de silence forcé, les Premières Nations, les Inuits et les Métis se réapproprient un espace public pour exprimer qui ils sont, ce qu'ils pensent et ce qu'ils veulent. La controverse sur l'appropriation culturelle de Robert Lepage et Ariane Mnouchkine dans Kanata est un exemple des tensions et des malentendus entre les autochtones et le milieu culturel.

Cette réappropriation de l'espace public fait des musées et des galeries des lieux de prédilection pour instaurer des mécanismes de résilience, de réconciliation et de décolonisation. Cependant, instaurer dans son institution un langage postcolonial n'est probablement pas suffisant pour réparer les dégâts innombrables du colonialisme ; il est aussi nécessaire de revisiter les pratiques institutionnelles.

Plusieurs activistes ont démontré la résistance, même au sein du milieu culturel, à l'inclusion des autochtones. Déjà établi depuis plusieurs années sur la scène culturelle et largement collectionné, Monkman prend d'assaut le musée, imposant ainsi cost to cost un projet ancré vers la réconciliation des peuples autochtones et allochtones.

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Une exposition du 22 octobre 2025 au 1er mars 2026, à l'Écomusée du fier monde

Écomusée du fier monde — 2025-10-07T07:39:02Z

Montréal, jeudi 2 octobre 2025 – Peu d'endroits incarnent la crise de l'itinérance avec autant d'intensité que la place Émilie-Gamelin, située au cœur du Quartier latin à Montréal.

Souvent présenté comme un endroit délaissé et marqué par une concentration de personnes déracinées, le secteur fait l'objet de multiples projets de « revitalisation » au fil des années. Réalisée dans le cadre d'un partenariat unissant le Centre d'histoire des régulations sociales, le Service aux collectivités de l'UQAM,Exekoet l'Écomusée du fier monde, l'exposition Place Émilie-Gamelin  : 200 ans de cohabitation sociale invite à découvrir l'histoire d'un espace contesté comme le théâtre d'un long affrontement autour d'une question fondamentale : qui a droit à la ville ?

Avant la place publique

Vers la seconde moitié du 19e siècle, le site de l'actuelle Place Émilie Gamelin abrite un large complexe institutionnel géré par les Sœurs de la Providence et destiné à venir en aide aux personnes dans le besoin.
Construit en 1843, l'Asile de la Providence offre des soins et des services aux personnes âgées, orphelines, malades, sans-emploi et sans-abri, issues pour la plupart des quartiers ouvriers environnants. D'autres institutions installées à proximité, telles l'œuvre de la Soupe, le dispensaire des pauvres ou l'Orphelinat Saint
Alexis, contribuent également à soutenir les plus vulnérables. Très vite, plusieurs ont tenté de débarrasser ce territoire d'une population considérée indésirable, les plans de réaménagement se succédant. En 1963, le vieil Asile de la Providence est vendu à la municipalité, qui le rase pour construire la station de métro Berri-De Montigny (Berri-UQAM). Le terrain, qui accueille un stationnement automobile jusqu'en 1992, devient à l'occasion du 350e anniversaire de Montréal une place publique, qui prendra trois ans plus tard le nom d'Émilie Gamelin, fondatrice de l'Asile de la Providence.

Distribution de sandwichs à l'Œuvre de la soupe des Sœurs de la Providence, 1960.
Archives de la Ville de Montréal.

Des œuvres originales pour transformer les imaginaires

Grâce à une sélection d'archives, l'exposition retrace la présence des populations défavorisées sur le territoire de la Place Émilie-Gamelin depuis près de deux siècles, en plus d'investiguer les nombreux projets de redynamisation conçus pour ce secteur.

Ce contenu historique est enrichi par des créations artistiques collaboratives, issues notamment du projet L'écho de la rue. Porté par l'équipe d'Exeko, cette initiative de médiation sociale et culturelle a pour objectif de créer des espaces de dialogue et de création avec les groupes marginalisés, l'art devant ainsi un outil pour promouvoir
l'expression des personnes en situation d'itinérance et faire résonner des voix capables de révolutionner les imaginaires collectifs.

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Adèle Blais dévoile FORTES, une fresque célébrant les femmes

Sylvain Bérubé — 2025-09-30T08:08:34Z

Récemment, la Ville de Sherbrooke a inauguré FORTES, la nouvelle murale de l'artiste locale Adèle Blais, installée dans la ruelle Whiting, face à l'hôtel de ville et au carré Strathcona.

Tiré du Journal Entrée Libre

22 septembre 2025
| Sylvain Bérubé
Crédit image : Jessica Garneau

Cette fresque à ciel ouvert rend hommage à 11 femmes ayant marqué l'Histoire, dont les parcours sont souvent méconnus.

L'œuvre est enrichie d'une expérience immersive en réalité augmentée grâce à l'application gratuite «  Adèle Blais – Peindre l'Histoire  », qui permet aux visiteurs de découvrir les portraits, leurs biographies et des compositions musicales originales.

À propos de cette murale, Adèle Blais a déclaré : « Je suis profondément honorée et heureuse d'immortaliser 11 femmes historiques, plus grandes que nature, à leur juste valeur sur cette murale en plein cœur du centre-ville de Sherbrooke. Cette murale sera un espace où l'art, l'Histoire et la technologie s'unissent pour redonner une voix à l'autre moitié de notre récit collectif. Un projet inclusif et accessible, à la croisée des mémoires et des possibles, tourné vers un avenir plus juste. »

Réalisé avec le soutien de la Ville et de l'expert en art mural Serge Malenfant, le projet s'inscrit dans la stratégie municipale de dynamisation du centre-ville et de valorisation du patrimoine artistique de Sherbrooke. Vous pouvez admirer cette création.

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La Palestinienne Malak Mattar « heurte la sensibilité » du monde de l'art

Catherine Cornet — 2025-09-30T08:07:36Z

L'admission de la première peintre palestinienne à la prestigieuse école Central Saint Martins of Art and Design de Londres a mis en lumière les paradoxes d'un monde artistique contemporain qui se targue de provocation – mais dans des limites très établies.

Tiré d'Orient XXI.

Ma famille est affamée par Israël. » En ce début de mois de juillet 2025, alors que les élèves présentent leurs travaux de fin d'études, le panneau est immense et trône au milieu de la grande salle d'exposition de Central Saint Martins and Design, la très réputée école d'art, de mode et de design de Londres. Placée sous le panneau, l'installation de l'artiste gazaouie Malak Mattar montre un soldat israélien, une arme à la main ; un enfant gît au sol ; un chien regarde la scène, les crocs acérés, prêt à l'attaque.

Le message artistique passe immédiatement : l'urgence de la situation à Gaza est transmise comme un électrochoc. L'artiste parait avoir laissé de l'espace entre les personnages de l'installation pour que nous puissions déambuler entre eux, nous mettre — pourquoi pas — entre le bourreau et l'enfant, tenter de le protéger de l'arme à feu, du chien prêt à le dépecer.

L'installation s'inspire de l'histoire de Mohammed Bahr, jeune homme trisomique et autiste de Gaza, que l'armée israélienne a laissé se faire dépecer par un chien d'attaque avant de l'abandonner, mort, dans sa maison. Sa famille ne l'a retrouvé qu'une semaine plus tard, lorsqu'elle a pu y retourner. Sa mort d'une violence inouïe est attestée par une enquête de la BBC et racontée par la journaliste palestinienne Bisan Owda, qui rapporte les derniers mots du garçonnet : « Khalas Habibi Sibni » (« Allez mon chéri, laisse-moi »), alors que le chien le dévorait.

Un niveau dément de déshumanisation

Le projet artistique de la première peintre de Gaza à avoir étudié dans la prestigieuse institution anglaise — fière de compter parmi ses anciens élèves Alexander McQueen, Stella McCartney pour la mode, mais aussi des artistes radicaux comme Joe Strummer, l'ex-leader du groupe punk The Clash, le sculpteur Richard Deacon ou le peintre Robert Medley — semblait pourtant risquer de « heurter certaines sensibilités ».

Alors que le génocide à Gaza entrait dans sa phase la plus violente en juillet 2025, avec le recours à la faim comme stratégie militaire, Malak Mattar a vu disparaître toutes les personnes et les lieux qu'elle avait connus. Mais ce sont ses peintures qui nécessitaient d'être « pacifiées », selon l'institution anglaise.

La peintre explique :

Tout le monde était anxieux. Tout le staff de l'école se comportait de manière passive-agressive : j'étais là, celle dont la famille meurt de faim, mais personne ne me demandait quoi que ce soit sur mes proches. Il y a quelque chose de fou dans tout cela, lorsqu'on pense que mes oppresseurs peuvent se sentir blessés parce que je montre que mon peuple est en train d'être exterminé. Les sentiments des oppresseurs sont plus importants que l'extermination des opprimés. Le degré de déshumanisation, d'invisibilité que nous avons atteint est dément.

L'institution artistique, qui se targue de repousser toutes les limites, d'inviter à la provocation et de se connecter avec le monde, a eu beaucoup de mal à dénoncer le génocide, explique encore l'artiste — alors que l'école avait publié divers communiqués après l'agression russe en Ukraine en février 2022.

Gaza est un phénix

Malak Mattar est arrivée à Londres de Gaza avec un visa spécial, le Global Talent visa, pour son excellence artistique… le 6 octobre 2023. Ne recevoir aucun soutien de l'institution alors qu'elle vivait un cauchemar éveillé a été une expérience très violente. Mattar n'a que 25 ans mais, dans sa voix et dans son sourire, on sent le poids des épreuves : elle a déjà vécu trois guerres. Elle a commencé à peindre à 14 ans, lors de ce qu'elle croyait être la plus longue agression israélienne contre Gaza — 50 jours en 2014.

Aujourd'hui réfugiée à Londres, elle s'inspire de beaucoup d'images, de sons et de vidéos qu'elle a vues et revues. Il y a l'image de la vieille paysanne Mahfoza Oude accrochée à son olivier alors que des tracteurs israéliens le déracinent (1). Ou encore la voix de la petite Hind Rajab enfermée dans la voiture de ses parents et assassinée le 29 janvier 2024 par des soldats israéliens après avoir passé, seule, plusieurs heures au téléphone avec les secours.

Des hommes, femmes et enfants de Gaza qui sont autant d'inspirations pour une autre toile proposée dans l'exposition « Gaza is a Phoenix. » Le tableau a été réalisé lors du court cessez-le-feu de l'hiver 2025 (du 19 janvier au 18 mars), d'où l'éphémère moment de répit et le mince espoir partagé par d'autres Gazaouis reflété dans son titre. Le phénix est aussi le symbole de la municipalité de Gaza.

Comme dans d'autres de ses œuvres, notamment sa fresque No Words (« Pas de mots »), l'artiste lutte contre l'aspect éphémère de ces images relayées sur les réseaux sociaux, qui créent l'émotion et l'empathie pendant quelques heures avant de disparaître :

Je ne veux pas que ces gens soient oubliés. Je peins des personnes que j'ai vues en vrai, en vidéo, et dont les visions m'ont changée, bouleversée au plus profond. Je suis de Gaza, et chaque fois que je vois ces images, je ne suis plus la même. J'espère pouvoir les garder dans l'Histoire à travers mes toiles.

La fresque est aussi remplie d'animaux, comme cet immense gorille qui tient un soldat dans sa main — en souvenir du fameux singe de Gaza qui s'était échappé du zoo après un bombardement israélien en juin 2024. La jeune femme a souvent recours aux animaux dans ces œuvres. Comme pour rappeler que, eux non plus, n'ont rien fait pour mériter cela.

Hypocrisie occidentale

Ces œuvres de Mattar étaient présentées dans le cadre de l'exposition annuelle des diplômés du Master en beaux-arts de l'école (MFA Graduate Show). Les autres œuvres exposées étaient tellement plus attendues et faussement provocatrices qu'elles en devenaient terriblement agaçantes.

Devant le bâtiment de Central Saint Martins, les enfants de la Londres multiculturelle et branchée de King's Cross jouent en maillot dans les fontaines de la place, le ventre bien rempli. Dans la salle d'exposition, les jeunes artistes du Master paradent. Ils sont habillés « en artistes » : capuches ou tenues vintages, avec colliers de perles sur robes écossaises et chaussures compensées. L'ensemble ressemble à un défilé de mode — ou à l'image que l'on peut se faire de la fameuse « classe créative », moteur d'une hypothétique croissance économique du XXIe siècle selon Richard Florida, docteur de l'Université Columbia en aménagement urbain.

Ici comme ailleurs, l'horreur de Gaza devient un révélateur de notre incapacité et de notre frustration à intervenir, à arrêter le massacre et, dans ce contexte précis, à dénoncer un monde de l'art contemporain tourné sur lui-même, qui a fait de la provocation un modèle de marketing.

L'avertissement installé à l'entrée de l'exposition indiquant que certaines oeuvres « pourraient heurter la sensibilité de quelqu'un », indigne Mattar :

J'étais hors de moi lorsque j'ai vu le panneau à l'entrée. Ils avaient écrit que des références explicites à des conflits armés pouvaient rendre certaines personnes mal à l'aise. Et que les enfants de moins de 18 ans devaient être accompagnés !

« Poverty porn » et bobos

En visitant le reste de l'exposition avec Malak Mattar, d'autres paradoxes apparaissent. Elle entre dans une installation représentant un council flat (appartement à loyer réduit). L'appartement est sale, jonché de bières et de mégots. Elle, qui rêve d'un logement social pour la partie de sa famille qui, pour l'instant, a réchappé au génocide et a trouvé refuge au Royaume-Uni, n'accepte pas cette stigmatisation de la pauvreté : « Un council flat ne signifie pas forcément saleté et dégradation », juge-t-elle.

Comment ne pas penser alors à la chanson mordante du groupe de rock britannique Pulp, Common People (1995) qui raconte l'histoire d'une fille à papa grecque venue étudier à la Central Saint Martins et qui voulait vivre comme « les gens du peuple » :

Ris avec les gens du peuple

Ris avec eux, même s'ils se moquent de toi

Et des choses stupides que tu fais

Parce que tu penses que la pauvreté, c'est cool.

À voir cette exposition, l'on pense au concept de Poverty porn qui décrit ce phénomène qui réduit, à des fins sensationnalistes, les personnes à leur pauvreté, en les privant de complexité, de dignité et d'autonomie. En contexte britannique, il semble faire bon ménage avec une provocation convenue : « la proportion d'acteurs, de musiciens et d'écrivains issus de la classe ouvrière a diminué de moitié depuis les années 1970 », selon un article de la British Sociological Association (2).

Le nouvel esprit du capitalisme

Le gouvernement britannique a réduit drastiquement le financement des disciplines artistiques depuis plus de deux décennies. Aujourd'hui, l'éducation au Royaume-Uni est considérée comme un modèle de business, attirant une élite globale en quête de légitimation par un diplôme anglais.

Un article du magazine britannique branché Hunger Magazine sonnait déjà l'alarme quant à la logique du marché appliquée par la Central Saint Martins and Design (3). Ces « environnements transactionnels », axés sur la réussite, finissent par tuer ce pour quoi elles étaient recherchées dans un premier temps : leur capacité de rupture et de créativité. Cette exposition censée présenter les œuvres d'une nouvelle génération d'artistes est une parfaite illustration d'une homogénéisation des œuvres, d'une esthétique globalisée, bourgeoise et faussement subversive, dans la lignée du « nouvel esprit du capitalisme » analysé par Luc Boltanski et Ève Chiapello (4.)

Si Malak Mattar est terriblement reconnaissante d'avoir pu sortir de Gaza et de pouvoir exposer librement, il lui est difficile d'oublier ses premiers mois à Londres. Ils devaient être ses premiers moments d'émancipation artistique et individuelle, ils se sont transformés en moments d'angoisse. Les membres de sa famille étaient sous les bombes, tous séparés. Elle ne pouvait rien créer. Elle devait simplement tenter de sauver des vies. Après six mois d'errance, elle qui peignait presque exclusivement des portraits de femmes aux couleurs vives a repris ses pinceaux pour construire une immense fresque, No Words, « (Il n'y a pas de mots ») en noir et blanc. La toile représente l'errance des hommes, des femmes, des enfants et de nombreux animaux, toujours sous les bombes, toujours en fuite.

De fait, Mattar possède une force de création et de résistance hors du commun. Au sortir de ces deux années d'études, elle a tout de même pu organiser mi-mai 2025 une exposition intitulée Falasteen (Palestine) aux Window Galleries, qui dépendent de la CSM à Granary Square. Celle-ci a été reprise et recensée par The Art Newspaper. Elle cherche, dans des œuvres toujours plus puissantes, à éveiller les consciences. Elle a ainsi été désignée directrice artistique de l'immense concert du 17 septembre à Wembley « Together for Palestine » (« Ensemble pour la Palestine ») organisé par le musicien Brian Eno. Cet événement caritatif a rassemblé un nombre impressionnant de groupes dont Gorillaz, Saint Levant et Neneh Cherry. Il a aussi permis à des figures de premier plan des arts et du sport de s'exprimer en soutien aux Palestiniens, dont le footballeur Éric Cantona et l'acteur Benedict Cumberbatch. Enfin, ce n'est pas un hasard si la couverture du dernier livre de la rapporteuse spéciale de l'ONU sur la situation des droits humains dans les territoires palestiniens occupés, Francesca Albanese, Quand le monde dort5 montre une peinture de l'artiste palestinienne intitulée Last Night in Gaza. (« Dernière nuit à Gaza »).

Notes

1- NDLR. La photo a été prise en 2005, dans un village près de Naplouse. Mahfoza Oude, une Palestinienne de 60 ans a perdu des dizaines d'oliviers, source de revenus pour sa famille et symbole du soumoud, après l'envahissement de ses terres par des colons israéliens.

2- « Prospects for working-class creatives no better or worse today than in 1960s, says research », British Sociological Association, 12 décembre 2022.

3- Megan Wallace, « The DIY Issue : That's So CSM », Hunger Magazine, 19 novembre 2020.

4- Luc Boltanski et Ève Chiapello, Le nouvel esprit du capitalisme, Gallimard, 1999.

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Caricature

Kaël Mercader — 2025-09-23T08:53:35Z

- Arts visuels (caricatures, dessins, peintures) / Edition du 2025-09-23, Québec

L'Héritage du dodo

Franck Courchamp , Mathieu Ughetti — 2025-09-23T08:07:05Z

L'Héritage du dodo, c'est une bande dessinée en ligne. L'Héritage du dodo, c'est une bande dessinée en ligne sur la crise du climat et de la biodiversité. En 10 épisodes, on explore la santé des écosystèmes, on parle du réchauffement climatique, de déforestation, de pollution, de surexploitation…

Tiré de L'Info lettre de l'R des Centres de femmes

On découvre à quel point nous sommes dépendant·es de la biodiversité. On décortique les raisons qui nous empêchent d'agir en faveur de l'environnement. On décrypte les stratégies de désinformation et de manipulation mises au point par les industriels et les climatosceptiques. Le tout avec humour et légèreté, mais sans culpabilisation, ni naïveté.

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Chloé Sainte-Marie chante la vraie nature de Gilles Carle

Pierre Jasmin — 2025-04-08T08:02:25Z

Chloé Sainte-Marie APLP2009 (i) a inauguré le 3 avril une riche exposition d'œuvres d'art intitulée la vraie nature de Gilles Carle, attirant une foule nombreuse envahissant tout le Centre Culturel Pierre-Gobeil de Rock Forest (Sherbrooke). Même ses escaliers étaient chargés de photos, principalement, celles de Pierre Dury, ami proche du regretté cinéaste.

Par Pierre Jasmin, 6 avril 2025. Tiré du site des Artistes pour la paix. Photo : Portrait de Chloé par Gilles Carle qui orne son CD 2008 du temps où son amour créateur était encore vivant.

Une exposition choyée de la vie culturelle sherbrookoise

« Tantôt caricaturaux, humoristiques ou érotiques, pastichant même des maîtres de l'histoire de l'art, les dessins, les tableaux et les photographies de Gilles Carle sont une incursion dans son univers intime. Grâce à la collaboration de sa muse et compagne Chloé Sainte-Marie, découvrez les multiples facettes d'un homme libre qui a célébré la vie sans retenue », a prononcé en discours de bienvenue le commissaire François Renaud.

Remplacé à Radio-Canada par le membre illustre des APLP Frédéric Back qui quittait l'École des Beaux-Arts où il avait succédé à Borduas, Gilles Carle entre à l'Office national du film du Canada au début des années 60 à titre de scénariste. Il y tourne quelques courts métrages documentaires, mais c'est la fiction qui l'intéressera davantage et le centre montrera plusieurs de ses films, dont, en présence de Micheline Lanctôt, la Vraie nature de Bernadette, l'histoire d'une des premières écolos woke du cinéma québécois. Comme les Artistes pour la Paix, Chloé Sainte-Marie croit que dans le contexte politique actuel, il est vital de s'inspirer de la liberté d'esprit de Gilles Carle. En marge de l'exposition, Chloé donnera son formidable spectacle Maudit Silence le 12 avril à 19 h 30.
Ici et là sur les murs, des textes évocateurs rappelaient mon prédécesseur secrétaire des Artistes pour la Paix, le regretté Bruno Roy (ii). L'ancien ministre de la Santé du gouvernement Marois, Réjean Hébert, président d'honneur de l'expo, est resté muet sur le fiasco du ministre actuel Christian Dubé (iii). On est reconnaissants au Dr Hébert à la forte présence pour ses recherches sur les aînéEs et pour l'appui généreux qu'il a accordé, avec certaines ministres de la CAQ dont trois députées étaient présentes, aux neuf maisons Gilles-Carle miraculeusement fondées : elles peinent actuellement, vu l'état budgétaire lamentable de la Santé, à recruter les infirmières requises à leur fonctionnement optimal. C'est Chloé qui avec Pierre-Karl Péladeau avait réussi à convaincre le gouvernement en remplissant la salle Maisonneuve (où je m'étais pressé avec ma conjointe) que les proches-aidantes méritaient d'être aidées, et une aide leur fut accordée d'abord à titre de soulagement temporaire.

Petit récital de chansons

Nouvellement membre de l'Ordre du Canada, ce qui attira peut-être la curiosité de la ministre Marie-Claude Bibeau en grande forme qui m'avoua son appétit culturel et sa hâte du 28 avril pour se tourner vers sa nouvelle carrière municipale, nous eûmes droit d'abord à trois chansons par Annie Bouchard à la forte présence scénique. C'est au rez-de-chaussée, dans la salle de spectacles bondée d'une centaine de personnes aux applaudissements nourris, que nous avons assisté ensuite à quatre chansons de Chloé, accompagnée à la guitare par le directeur du centre, l'auteur-compositeur-interprète Ian Fournier. À l'origine, trois chansons étaient prévues, dont une magnifique en langue innue inspirée par un poème de sa grande amie Joséphine Bacon, puis celle à laquelle les spectateurs ont communié de toute leur âme en répétant le premier couplet :

Brûle brûle brûle
la chandelle de la vie
brûle brûle brûle
la chandelle de l'amour

passe le temps de vivre
le temps du bonheur
passent les heures exquises
le printemps et les fleurs

déjà la flamme vacille
déjà notre cœur aussi
la noirceur tombe sur la ville
adieu l'ami
adieu la vie

Se tournant alors vers moi, Chloé a tenu à me dédier la chanson « chamaille » pour saluer l'effort surhumain des Artistes pour la Paix à subsister sans sous, avec comme agenda unique la paix et ses exigences de vérité heurtant l'establishment. De l'album "Je marche à toi" (2008), avec 19 chansons sur des vers de Roland Giguère, Gaston Miron, Alexis Lapointe et des musiques de Gilles Bélanger, certaines d'entre elles prophétiques (Patrice Desbiens La haine), elle a interprété, encore sur des paroles de Gilles et la musique de François Guy :

Les plaines brûlent, mon cœur chavire
Qu'il est amer parfois de vivre !
Où est mon ami, mon ami de cœur ?
Pourquoi ce feu, cette rancœur ?
Chamaille, chamaille,
Maudite chamaille !
Chamaille, chamaille,
Maudite chamaille !
Est-il blessé, encore vivant ?
Ou est-il mort dans la bataille,
Les yeux crevés, la jambe perdue ?
Ram'nez-le moi, mort ou crochu !
La ville brûle ; mon cœur chavire
Qu'il est amer parfois de vivre !
Méchante France, mauvaise Angleterre
Maudits vieux pays, toujours en guerre ...

Toute notre reconnaissance à l'incomparable Chloé Sainte-Marie, belle muse vivante de la paix des corps et des âmes dont la générosité (et celle de Pierre D.) permet à cette exposition de durer jusqu'en juillet et d'être gratuite, en attendant le relais du Musée d'Art contemporain de Montréal qui se réveillera peut-être lors du centenaire de Gilles Carle en juillet 2028 ?

PS Voici deux reportages qui ont salué l'exposition :
https://ici.radio-canada.ca/nouvelle/2153359/exposition-gilles-carle-dessins-sherbrooke-chloe-sainte-marie
https://www.latribune.ca/arts/arts-visuels/expositions/2025/04/04/trois-mois-pour-renouer-avec-gilles-carle-son-art-et-sa-muse-FXPCAAGHBFC55HZNB3VD7YN5ZM/

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