Presse-toi à gauche !

Simiak Komaksiutiksak creuse les traumatismes intergénérationnels dans Anxiety, une célébration du pouvoir guérisseur du mouvement

Simiak Komaksiutiksak — 2025-01-21T07:36:57Z

Fruit de deux années de travail, Anxiety marque le premier spectacle en tant que directeurice artistique de l'artiste en danse et en cirque, mannequin et enseignant·e Simik Komaksiutiksak. Rassemblant sur scène quatre performeur·euse·s à ses côtés, Simik propose dans cette création une exploration collective de l'histoire, des récits personnels et des réalités actuelles des communautés autochtones et racisées.

Anxiety
Simik Komaksiutiksak

Simik Komaksiutiksak, artiste Inuk originaire de Rankin Inlet (Nunavut) et désormais basé·e à Montréal, s'intéresse à l'anxiété puisqu'elle s'ancre dans son expérience personnelle. Bien qu'iel ait choisi de creuser les thématiques sensibles des traumas intergénérationnels et des effets pernicieux du colonialisme, Simik tente également de voir dans la danse un pouvoir générateur de guérison. Iel insuffle ainsi dans son œuvre une vibrante célébration ancrée dans l'improvisation, une pratique du mouvement lui offrant réconfort depuis son jeune âge.

« J'ai toujours fait de l'improvisation, » explique-t-iel, « depuis mon enfance, depuis aussi longtemps que je me souvienne. Ça a toujours été une bonne manière pour moi d'exprimer mes émotions quand je n'avais pas les mots pour le faire. Si je me sentais triste, si j'étais victime d'intimidation, je pouvais simplement faire jouer de la musique à la maison et tout évacuer en dansant. »

À partir de ces racines largement autodidactes, Simik a accompli un travail remarquable, que ce soit en se produisant avec le Cirque Éloize (Sept moments de Joie), avec le A'nó:wara Dance Theatre (Sky Dancers) ou en dansant avec Taboo (membre de Black Eyed Peas) et Santee Smith pour les Jeux autochtones de l'Amérique du Nord (JAAN). En 2023, iel a fait l'objet du premier épisode de la série artistique consacrée aux autochtones, Pulse, diffusée par APTN.

Pour son dernier projet, Simik s'est offert une équipe collaborative de performeur·euse·s qui sont non seulement des artistes accompli·e·s à part entière, mais aussi des ami·e·s de confiance et des collaborateur·rice·s de longue date : Cheyenne Rain LeGrande, Courtney Taticek, Chrystal Tam, Jontae McCrory et Katie Couchie. La conception des éclairages est réalisée par Aurora Torok, tandis que la légendaire chorégraphe et artiste multimédia, maintes fois primée, Lara Kramer agit comme mentore principale pour les premières étapes du spectacle. À propos de cette dernière, Simik explique : « Lara et moi nous rejoignons sur plusieurs plans, notamment en ce qui concerne les traumatismes intergénérationnels. Nous avons tou·te·s deux des parents qui ont fréquenté les pensionnats, ce qui crée un terrain commun et une compréhension partagée de cette expérience, un aspect qui, je pense, a eu un impact important sur notre relation. Elle est aussi tout simplement une icône de la danse, donc avoir la chance d'être mentoré·e par Lara est extraordinaire. »

Dans Anxiety, Simik Komaksiutiksak examine les traumatismes individuels et collectifs ainsi que la façon dont les bouleversements intérieurs donnent naissance à des manières d'être, des gestes et des traits physiques uniques – des éléments qui nourrissent ce spectacle à la fois délicat et puissant. L'œuvre intègre également des références culturelles, des savoirs transmis d'une génération à l'autre, des objets du quotidien et des gestes théâtraux codés.

Comment vous sentez-vous aujourd'hui ? Quels souvenirs culturels et traumatismes historiques vous ont mené·e·s jusqu'à cet instant ? Le rythme implacable de la vie urbaine et le flot incessant d'images bouleversantes et d'injustices mondiales provoquent-ils inévitablement un sentiment d'impuissance ou de désespoir ? Anxiety répond à ces questions par un refus et une résilience affirmés en choisissant plutôt de canaliser ces émotions et de les transformer en un élan de guérison par le mouvement.
m-a-i.qc.ca/evenement/anxiety (https://gmail.us13.list-manage.com/track/click?u=d6683a7be42fd25b36b23b23d&id=79e54f921e&e=02de982b37)
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→ Rencontre avant-spectacle en ASL et LSQ (https://gmail.us13.list-manage.com/track/click?u=d6683a7be42fd25b36b23b23d&id=fe9a5a66d5&e=02de982b37)

Vendredi 31 janvier — 18h30 à 19h30
Les rencontres d'avant-spectacle sont offertes en ASL et LSQ avec les médiatrices culturelles Sourdes du MAI, Dominique Ireland et Caroline Hould. La rencontre permet d'aborder les thèmes du spectacle, les parcours des artistes et la trame sonore de la performance.

→ Audiodescription pour les personnes non-voyantes et semi-voyantes (https://gmail.us13.list-manage.com/track/click?u=d6683a7be42fd25b36b23b23d&id=8d1e8ee7da&e=02de982b37)
Vendredi 31 janvier — 19h30
L'audiodescription consiste à décrire oralement les éléments visuels et sensoriels d'un spectacle à l'attention d'un public non-voyant et semi-voyant pour en permettre la transmission, le partage et l'expérience.

→ Conversation après-spectacle avec les artistes (https://gmail.us13.list-manage.com/track/click?u=d6683a7be42fd25b36b23b23d&id=ced421f8a6&e=02de982b37)
Vendredi 31 janvier — Après la représentation de 19h30
Animée par Camille Larivée, directeurice général·e et artistique du MAI.

→ Anxiety « After Party »
Samedi 1er février — Après la représentation de 19h30
L'équipe de Anxiety invite chaleureusement spectateur·rices, ami·es, famille et autres membres de leurs communautés à se joindre à cette soirée de célébration sous les rythmes de DJ Pøptrt !

→ Mumiq : Marché des artisan·e·s autochtones (https://gmail.us13.list-manage.com/track/click?u=d6683a7be42fd25b36b23b23d&id=4c5bcf1222&e=02de982b37) dans la Galerie du MAI
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Vendredi 31 janvier + Samedi 1er février — 12h à 19h
Venez à la rencontre d'artisan·e·s autochtones invité·e·s par Simik Komaksiutiksak et l'équipe du MAI avant d'assister à Anxiety !
*Entrée gratuite, vente d'œuvres sur place

BIOGRAPHIE
Simik Komaksiutiksak est un·e artiste originaire de Rankin Inlet, au Nunavut, et réside actuellement à Tiohtià:ke, également connue sous le nom de Montréal. Sa passion pour la danse s'est manifestée dès son plus jeune âge et s'est ensuite orientée vers la danse et les arts du cirque. Simik a suivi la majeure partie de sa formation en danse à Ottawa et a commencé à se produire sur scène à l'adolescence.

Simik est un·e danseureuse contemporain·e, artiste de cirque et chorégraphe. Iel a participé à la série documentaire d'APTN Pulse, a été mannequin au festival Indigenous Fashion Arts et tourne avec le Anowara Dance Theatre dans le spectacle Sky Dancers. Iel a travaillé et établi des relations avec des danseur·euse·s et des artistes autochtones et allochtones reconnu·e·s.

Simik est directeurice artistique d'Anxiety, sa première production de danse, sous le mentorat de Lara Kramer par l'entremise du MAI (Montréal, arts interculturels). Simik travaille actuellement pour la fondation Arctic Rose en tant qu'artiste invité·e, où iel enseigne la danse, le mouvement créatif et les arts expressifs aux jeunes de l'Inuit Nunangat dans le cadre du programme Messy Book. Iel fait également partie de l'équipe de formation de la fondation Arctic Rose en aidant à former d'autres danseur·euse·s et artistes autochtones pour qu'ils et elles aillent dans le Nord afin de poursuivre l'héritage de l'art et de la guérison au sein de leurs communautés.

La pratique de Simik met l'accent sur le développement d'un espace de travail ancré et sécuritaire sur les plans mental, physique et spirituel. Le désir de Simik est d'explorer la façon dont nous relâchons et libérons les tensions à travers le corps expressif, tout en reliant les connaissances générationnelles et en créant des ponts entre les générations.

CRÉDITS
Performeur·euse·s : Cheyenne LeGrande, Courtney Taticek, Chrystal Tam, Katie Couchie, Simik Komaksiutiksak
Conception vidéo : Alexis Vigneault
Conception lumière : Aurora Torok
Résidences et support artistique : Tangente, CCOV, La Serre, MAI (Montréal, arts interculturels), Danse-Cité, Respirations (FTA)
Partenaire de résidence : La danse sur les routes du Québec

Avec le support du Inuit Art Foundation, Conseil des arts du Canada, Conseil des arts et des lettres du Québec

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Il faut sauver guignol du Champs de Mars

Mustapha Saha — 2024-03-26T07:59:57Z

Après les bouquinistes des quais de Seine, préservés in extremis du désastre par une résistance opiniâtre et des indignations internationales, c'est au tour des activités culturelles, ludiques, séculaires, d'être sommés de disparaître corps et biens par le lobbying olympique. Toute la vie parisienne est priée de céder la place à la surveillance algorithmique.

Julien Sommer, trente-huit, ans anime le guignol du Champ-de-Mars. Il exerce cette activité depuis l'adolescence aux côtés de Luigi Tirelli, marionnettiste pendant soixante ans, disparu en 2018 à l'âge de quatre-vingt-dix ans. Il doit impérativement fermer son castelet. Son contrat est autoritairement rompu. Sans aucune indemnisation. En tant que gérant de théâtre, il ne peut même pas prétendre au chômage. La tyrannie municipale sévit tous azimuts. Les balançoires, les voitures à pédales, les manèges sont soumis au nettoyage par le vide. Place aux boutiques commercialisant des gadgets olympiques.

Le théâtre du Champ-de-Mars, dédié aux marionnettes gaine, est construit en 1902 dans le style Second Empire. Guignol, créé au début du dix-neuvième siècle par Laurent Mourguet (1769-1844), ouvrier dans une fabrique de soie, un canut, parle lyonnais. Sa truculence retient l'attention. Il porte une jaquette couleur marron et un chapeau de cuir plat. Ses cheveux son coupés en catogan. La natte est réunie sur la nuque par un nœud. Il défend les petites gens. Il dénonce les injustices. Il est accompagné de son épouse Madelon, vêtue tantôt en robe camisole de lainage fleuri, tantôt en tablier avec un fichu blanc sur les épaules. Elle est surnommée Mère-la-grogne. Gnafron, joyeux buveur de Beaujolais est le contradicteur complice. Une vingtaine des pièces de Laurent Mourguet sont recueillies et publiées en 1865 sous le titre de Théâtre lyonnais de Guignol par un magistrat, Jean-Baptiste Onofrio (1814-1892). Ces compositions d'origine s'intitulent Les Couverts volés, le pot de confiture, Les Frères Coq, Le Portrait de l'Oncle, Le Duel, Le Marchand de veaux, Le Dentiste, Le Marchand de picarlats, Les Valets à la porte, Le Déménagement, Le Testament, Le Marchands d'aiguilles, Les Voleurs volés, Tu chanteras, tu ne chanteras pas, L'Enrôlement, La Racine merveilleuse, Le Château mystérieux, Les Conscrits de 1809, Ma Porte d'allée, Les Souterrains du vieux château. Théâtre lyonnais de Guignol, recueil Onofrio, réédition récente Jeanne Laffitte, 1999.

Chaque spectacle de Guignol auquel j'assiste depuis l'enfance est une cure de désintoxication, une purification des pollutions mentales. Le castelet est une boîte magique. Les personnages surgissent et disparaissent par enchantement. Ils sortent du vide. Ils rentrent dans le vide. Ils s'engloutissent dans les entrailles de la terre, insaisissables, insondables, irrécupérables. Ils ne laissent que leur empreinte indocile, transgressive, subversive. Toutes les espiègleries, les bouffonneries, les pitreries, les diableries, les démoneries sont permises au nez et à la barbe des ploutocrates. Guignol a beau être persécuté, censuré, prohibé sous différents régimes, il est immortel. Le Second Empire tente en vain de l'ensevelir. Des plumes alertes, Victor Vuillerme-Dunand (1810-1876), Joanny Durafour (1853-1938), Gaston Baty (1885-1952), Albert Chanay (1874-1942), Pierre Neichthauser (1873-1953), Ernest Neichthauser (1876-1969) le ressuscitent, l'éternisent.

Paris. Vendredi, 8 mars 2024. Un titre saute à mes yeux chez un bouquiniste, Guignol philosophe de F. Vérax, publié à Lons-le-Saunier par l'imprimerie Julien Payet & Co en 1877. Un opus conservateur de trente pages. Je le lis d'une traite. Dialogue entre Guignol et son ami Gnafron. Le procédé contestataire est récupère par la bourgeoisie. Les manipulations de la presse sont toujours d'actualité. Plus un journal est argutieux, licencieux, scandaleux, plus il fait de bonnes affaires. « A peine arrive un fait tant soit peu scabreux, aussitôt le journal de la localité donne un coup de tam-tam. A ce signal, tous les journaux proclament cet acte avec de grosses caisses. Et le fait brodé, commenté, exagéré fait le tour du pays. Il est difficile de ne pas se laisser attraper par les artifices d'une certaine presse. Elle sait si bien jeter de la poudre aux yeux. Elle sait si bien flatter les mauvais instincts qui germent dans les esprits. Le plus grand nombre des lecteurs ne retirent que le bénéfice du corbeau. Impossible de réformer l'opinion publique, égarée, obscurcie par tant de nuages, de mensonges, de sophismes qui s'élèvent de cet abîme qu'on appelle la presse ». Que dire des réseaux sociaux où les fake news façonnent effrontément les jugements ?

Beaucoup de bouquinistes proposent, avant tout, des reproductions de la Tour Eiffel, en affiches, en magnettes, en casquettes, en porte-clefs, en tasses de café. Les amoureux des livres se font rares ; Les boutiques de souvenirs made in China supplantent les enseignes historiques. La Tour Eiffel, ultime survivance de la mythologie parisienne, s'enferme dans une clôture de verre. Militaires de l'opération Sentinelle et vigiles armés aux portiques. Files d'attente interminables. Fouilles des sacs et des corps. Dans La Vie Errante, 1890, Guy Maupassant ouvre déjà son premier chapitre sur ce constat amer : « Je quitte Paris, et même la France, parce que la Tour Eiffel m'ennuie trop. Non seulement on la voit de partout, mais on la trouve partout, faite de toutes les matières, exposée dans toutes les vitrines, cauchemar inévitable. Peu importe la Tour Eiffel. Elle n'est que le phare d'une kermesse internationale. La puissante émotion de l'art est éteinte. S'éveillent des esprits d'un tout autre ordre, inventeurs de machines de toute sorte, des appareils surprenants, des combinaisons stupéfiantes de substances. Les conceptions idéales, les sciences pures, désintéressées, sont désormais interdites. L'imagination paraît de plus en plus excitable par l'envie de spéculation. Le génie d'un Isaac Newton capable d'un bond de la pensée d'aller de la chute d'une pomme à la grande loi régissant le monde, semble né d'un germe plus divin que l'inspiration pragmatique du fabricant américain de sonnettes, de porte-voix, de projecteurs ».

A Tour Eiffel claquemurée, encagée, cadenassée. La crise se banalise, se commercialise, se rentabilise. Les innombrables entreprises de sécurité laminent le service public. La pensée n'est plus un recours pour sortir de l'impasse.

La technocratie verrouille les issues. Les références se dévalorisent. Les repères se volatilisent. La municipalité gère les risques, l'improbable possible, l'invraisemblable admissible, l'absurde. Les décisions s'oxymorisent. La crise covidaire enracine définitivement la peur dans les cerveaux La peur de disparaître sans préavis. Peur de l'inconnaissable, de l'indéterminable, de l'indéchiffrable. Le viralisme ne laisse aucune alternative, aucune perspective. Les survivants se perçoivent comme des miraculés. La peur se met cyniquement, sournoisement en scène, s'orchestre politiquement. Les crédulités désespèrent. Les charlatanismes prospèrent. Les citadins fantomatiques, masqués, étourdis, hallucinés tâtonnent dans le brouillard. La mort, occultée de mille manières, met chacun devant son miroir. Le Champ-de-Mars, phagocyté par le Grand Palais Éphémère, n'est plus une promenade. Les artistes, les poètes, les philosophes, les lecteurs, les rêveurs le désertent. Les monuments inamovibles s'investissent pêle-mêle de commémoratisme, de festivisme, de donquichottisme. Tout et son contraire.

Le Champ-de-Mars n'est plus ce qu'il était. Jusqu'au dix-huitième siècle, le terrain est consacré aux cultures maraichères, avant de devenir un champ de manœuvre dépendant de l'Ecole militaire. Pendant la Révolution française, le parc rebaptisé Champ-de-la-Fédération puis Champ-de-la-Réunion, attire les fêtes populaires. Le massacre du 17 juillet 1991, ordonné par le Maire de Paris Jean Sylvain Bailly, lui-même guillotiné deux ans plus tard, assombrit l'histoire de la plaine paisible. Le 8 juin 1794, 20 prairial an II, Jacques-Louis David célèbre la fête de l'Être suprême. Il plante l'arbre de la liberté, symbole du consensus révolutionnaire. Maximilien de Robespierre préside la cérémonie. La première fête de l'Olympiade de la Révolution s'organise le 22 septembre 1796, avec des courses à pied, des luttes, des compétitions de chevaux, de chars. Le site accueille plusieurs expositions universelles en 1867, 1878, 1889, 1900, 1937. Le jeudi 8 avril 1971, l'artiste peintre marocain meurt, à l'âge de quarante-et-un-ans, dans l'anonymat total, sur un banc du Champ-de-Mars. Il laisse plusieurs dessins prémonitoires représentant une Tour Eiffel renversée. Peut-on encore parler de vie parisienne ?. La cancel culture s'officialise. L'ostracisation se généralise. La mémoire se lessive à coup de marketing ravageur.

Mustapha Saha
Sociologue

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Pas aphones

Lenous Guillaume-Suprice — 2024-01-16T08:09:04Z

Il te reste, Souveraine, terre-fille des extrêmes, dans une tirelire, assez de sous pour répandre quelques zestes d'une paix-grenadine, te mettre au parfum à nouveau d'une vitalité et couvrir toutes les rues de chants s'ouvrant sur l'art, sur une heure bonne pour tout l'ensemble.

Au détour de chaque instant qui vrille, il y a un être qui vient, qui va, toujours sachant combien coûtent ces pas, ces accès à tes attentes en profondeur, nécessairement qui doivent déboucher, d'abord et avant tout, sur la réparation de ta tente d'antan, avec en plan les tillacs de la déraison à abattre pour que soient cendres devenues les horreurs.

Un grand feu, dans tes yeux, projette quelques sourires, aux pas aphones d'une interconnexion, sur les contours d'une voie de traverse invitant un bon nombre de promeneurs à l'enquête et aux découvertes pour demain, et dans la vérité, contre tout traquenard du passé sur ton appartenance.

À plusieurs reprises, quand tu hurles « Amériques ! », de folles fées se lèvent, clameurs de mers en furie dans les gestes, s'emparent de la peau-mémoire des ancêtres comme d'un chagrin, te toisent bien plus qu'un vilain truc, te bousculent à tout coup en te parlant de choses pas vraiment nécessaires, souvent sans visière ajoutée.

Dans l'art de la voyance et du flair, à mille nœuds fuyant vengeance, tu cherches une couleur à donner à tes vœux de cohabitation, dos à dos aux chapelles et aux corridors, pour qu'ils soient bien plus lisibles pour tes voisins de partout.

Avec de la suie du calumet de grand-mère, un onguent a été trouvé contre le dard d'un scorpion dans ton bras près du cœur, au lever du jour près des cataractes, dans la foulée d'une autre saison, en plein centre de ta guérison.

Et, le temps de te ressaisir, tu écriras trois chansons pour Joséphine la poète et autant pour Anacaona sa consoeur, en remontant les vents du Québec et du Xaragua, dans les mille parures d'un tableau de feuilles, offrandes d'esprits et d'ancêtres pour l'harmonie, dans la marche des territoires, des animaux, des ombres et des sources sans fin.

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Culture. Dans l'ombre de la guerre, le théâtre de Mykolaïv “guérit l'âme humaine”

Kaja Puto — 2023-02-28T07:08:40Z

À l'automne, le front s'est éloigné de cette grande ville du sud du pays. Et son théâtre est devenu un lieu où les habitants se retrouvent pour “communier” en ukrainien, raconte le site d'information polonais “OKO. press”.

Tiré de Courrier international.

“Bienvenue sur la scène secrète. Vous êtes en sécurité”, annonce une voix féminine alors que les lumières s'éteignent dans le public. “En cas de situation exceptionnelle, veuillez rester calme et suivre les instructions des employés du théâtre. Nous vous demandons également d'éteindre vos téléphones portables. Quand nous sommes ensemble, la victoire se rapproche. Nous vous souhaitons un bon spectacle.”

Dans les sous-sols du théâtre de Mykolaïv, le spectacle intitulé Nous le tuons est sur le point de commencer.

Récit de vengeance et riffs de Nirvana

Faute d'électricité dans le quartier à ce moment-là, l'éclairage de la scène est assuré par un groupe électrogène. Le public s'installe sur des dizaines de chaises entassées dans l'ancienne chaufferie. Les murs bruts sont décorés d'images de marathoniens de la Grèce antique. Le spectacle du jour, attire surtout des couples – la plupart jeunes, certains bien plus âgés.

Une femme blonde en col roulé blanc est assise à côté de moi. D'une main, elle arrange sa coiffure soignée, de l'autre, elle rappelle son petit ami à l'ordre. Il s'est mis à jouer sur son téléphone portable. Au lieu d'attendre que l'actrice fasse son entrée, il erre dans les couloirs souterrains [de son jeu vidéo sur mobile] en quête de pièces d'or. Il ne rejoindra le spectacle qu'au moment où les haut-parleurs cracheront les riffs d'une chanson de Nirvana.

L'héroïne de la pièce est furieuse, n'arrivant pas à admettre qu'elle a été lâchée par son bien-aimé. Elle l'aime toujours, mais elle le déteste encore plus et fera tout pour se venger de lui. Je ne peux pas m'empêcher d'y voir une parabole de la Russie, qui extermine des villes et des villages ukrainiens entiers lorsque [ses troupes] ne sont pas accueillies avec des fleurs. Mais c'est une interprétation tirée par les cheveux. Le partenaire de l'héroïne lui cache quelque chose, et la pièce était déjà jouée avant la guerre, en russe à l'époque. Aujourd'hui, toutes les représentations sont en ukrainien, et l'adjectif “russe” a disparu du nom du théâtre.

“Il faut continuer sa route”

“Beaucoup de mes amis viennent au théâtre pour l'ukrainien, pour communier avec la langue qui donne de la force aujourd'hui. Pour beaucoup d'entre nous, ce n'était pas notre langue maternelle”, me dit après le spectacle la blonde en col roulé blanc, qui s'avère être une étudiante en gestion nommée Ilona. Elle évoque un missile qui a frappé l'arrière-cour du théâtre le 22 septembre. Le lendemain, les acteurs ont nettoyé les décombres avec l'aide de bénévoles, et le soir même ils jouaient la pièce de théâtre.

“Chaque fois que je viens ici, et que je regarde leur travail, ça me rappelle que ça ne vaut pas la peine de se faire un sang d'encre, qu'il faut continuer sa route”, conclut Ilona d'une voix ferme. Son copain, aux yeux tristes, hoche la tête sans enthousiasme. Il n'a pas vraiment envie de parler. Peut-être parce que c'est son chemin à lui – et non celui d'Ilona – qui pourrait se terminer dans une tranchée froide.

“Le théâtre guérit l'âme humaine et prépare les gens à des émotions heureuses, certes, mais aussi tragiques”, explique Artem Svystoun, le directeur du théâtre. Rien d'étonnant, donc, à son déploiement d'efforts afin que ces spectacles soient donnés dans des hôpitaux, des maisons de retraite, des centres de réfugiés ou des unités militaires où les hommes sont formés avant d'être envoyés au front.

Svystoun est persuadé que le théâtre aide à communiquer. “Beaucoup de couples viennent voir ce spectacle. Je dirais que c'est une tragicomédie féministe.”

“Les femmes traînent leurs hommes au théâtre et leur disent : ‘Regarde, ça parle de nous.' On essaie de montrer sur scène ce que les gens ne peuvent pas se dire.”

En mal de lumière

Jusqu'à récemment, le répertoire de la scène secrète ne se propageait que par le bouche à oreille, principalement sur la messagerie Telegram. Depuis que Mykolaïv a cessé d'être une ville en première ligne – soit depuis la mi-novembre –, les bombardements se font plus rares et les affiches de théâtre sortent de la clandestinité. Dès le 1er décembre, date à laquelle l'interdiction de la vente d'alcool a été levée, le buffet, déjà décoré pour les fêtes de fin d'année, a été rouvert. Au menu : café, thé, cognac, champagne et toasts au caviar réputés dans toute la ville. Même si le spectacle se termine à 17 h 40, aucun des spectateurs n'est tenté par les collations. Tout le monde se précipite à la maison.

“Ils sont censés rallumer notre électricité bientôt, nous devons rentrer, recharger les appareils, faire bouillir de l'eau pour la mettre dans une thermos, lancer la lessive”, explique Ivan, la cinquantaine, tenant sa femme par la main. Avant la guerre, ils n'allaient que rarement au théâtre. La faute au manque de temps et aux dépenses plus importantes ailleurs. Maintenant, ils n'ont presque plus d'argent. Mais, comme l'affirme Ivan, la guerre change les priorités. “Nous allons au théâtre deux fois par mois.”

À 20 heures à Mikolaïv, il fait complètement noir. Du moins aux abords du théâtre, car la lumière est dosée en ville selon un quadrillage. Ni lampadaire ni fenêtre : rien n'est allumé. Les carrefours sont sombres. Les voitures traînent le long des rues, et les collisions et les accidents impliquant des piétons sont devenus monnaie courante.

Kaja Puto

Visas. Pour les artistes étrangers, se produire aux États-Unis pourrait bientôt coûter très cher

Courrier international — 2023-02-28T07:08:22Z

Les autorités américaines réfléchissent à augmenter de 250 % le prix des visas réclamés aux artistes étrangers venant se produire aux États-Unis. Les musiciens britanniques ont été parmi les premiers à s'en émouvoir.

Tiré de Courrier international.

“Depuis l'ère de la Beatlemania, l'objectif des jeunes musiciens britanniques est de conquérir l'Amérique, mais ce rêve est en voie d'anéantissement”, redoute The Guardian. Le quotidien britannique est l'un des premiers à réagir à l'annonce selon laquelle les États-Unis pourraient bientôt augmenter de 250 % le prix des visas pour les artistes étrangers.

Le coût des visas de catégories O et P, exigés entre autres pour les artistes et athlètes qui viennent se produire sur le sol américain, passerait de 460 à 1 615 dollars (de 435 à 1 529 euros). L'annonce en a été faite début février par le département de la Sécurité intérieure des États-Unis, précise NME, un site britannique spécialisé dans l'actualité musicale. Il s'agirait d'augmenter les financements dont disposent les services américains de l'immigration. La décision est en délibéré jusqu'au 6 mars, ajoute The Guardian.

La nouvelle est raide pour les musiciens britanniques, dont les tournées en Europe ont déjà été compliquées par le Brexit. Après avoir été empêchés, comme leurs homologues étrangers, de se produire sur scène en raison de la pandémie de Covid-19, ils pâtissent aussi désormais de l'inflation, qui fait flamber le coût des tournées, rapporte The Guardian. Au Royaume-Uni, la campagne #LetTheMusicMove (“Laissez la musique voyager”), qui avait été mise en place après le Brexit, a été relancée pour faire entendre les arguments du secteur.

Des répercussions multiples

Mais les musiciens britanniques ne sont pas les seuls concernés. Ce sont les artistes du monde entier qui sont visés par la hausse du prix des visas O et P. Et celle-ci aura aussi un impact sur les institutions culturelles américaines. Le 25 février, la Pittsburgh Post-Gazette s'est fendue d'un éditorial pour dénoncer la mesure envisagée :

“Cette hausse du prix des visas va durement frapper les organisations culturelles [américaines], elles qui courent déjà après le moindre dollar.”

Le quotidien de Pittsburgh, en Pennsylvanie, s'inquiète notamment pour la troupe de danse locale : avec sept danseurs étrangers dans ses rangs, le Pittsburgh Ballet Theatre pourrait devoir payer 8 000 dollars (7 575 euros) supplémentaires aux services américains de l'immigration pour continuer à fonctionner.

Courrier international

Le Festival d'Art d'Afrique voit le jour aux Gonaïves

Smith Prinvil — 2022-09-06T07:31:02Z

La première édition du Festival d'Art d'Afrique qui s'est déroulée à l'Alliance Française des Gonaïves les 26 et 27 août 2022 a été un évènement d'envergure internationale pour le rayonnement de la culture africaine.

Perçu comme le nouveau marché des arts et de la culture africaine, cet évènement visait entre autres à accompagner le développement de la professionnalisation des artistes et orienter la filière vers de nouveaux challenges à dimension régionale et internationale par le biais des ateliers de formation, des rencontres professionnelles et d'échanges.

Qui plus est, faciliter le brassage culturel et développer un réseau régional entre les artistes et les professionnels de l'art, favoriser le dialogue interculturel entre les peuples et développer des résidences artistiques entre différentes cultures.

Théories et lectures de l'image ont couronné cette initiative qui a suscité le visuel et à contempler les marges de la société.

Considérée comme la plus grande manifestation artistique d'Afrique caraïbéenne dans le département de l'Artibonite, la vocation première du festival est de participer à l'esthétique des villes, l'assainissement et l'aménagement d'un cadre de vie idéal, beau, attrayant et coloré a souligné Aurélus Beaupin Emmanuel, initiateur du projet Fest'Art, chargé d'encourager toutes les formes d'art plastique.

Un objectif pour lequel il s'adonne à la réalisation de l'environnement afin de raconter, entre autres, l'histoire des peuples africains et stimuler la créativité de la jeunesse.

Le comité d'organisateur a tenu ses promesses de plateforme de rencontres, de partage d'expériences et de découvertes pour l'ensemble des artistes photographes et de bien d'autres personnes qui ont pris part à ce rendez-vous.

En véritable catalyseur, ils ont donné à voir les portraits et les couleurs africaines. On retient également du festival un atelier de formation sur la photographie, dessin, trafic design et gestion des réseaux sociaux.

Le Festival d'Art d'Afrique, qui unit les peuples d'Afrique et de la Caraïbe a mis au devant de la scène l'exposition d'oeuvres littéraires, arts, arts plastiques, humour, dégustation locale, jeux traditionnels sous les directions de Steve Gaody, Jean Oscar Augustin, Pascal Desaille, Beverly Saint-Juste, Ridjee Delva, Farah Cherlande, Johanne Cerméus, Stéphane Petit-Phar, Dodlaire Normil, Jimson François, Jean Katina, Lele Mentorat Centre de formation, Auberge Du Chevalier, Bernie C. Desaille, Badio Xavier dit Mòskòy, Ansky, Jodler, Sondes Steve Alexandre, DJ Promo, Ainatse make up, Junior Adea Sylvain, Jhonathas Saint-hilien...

Dans ces temps d'incertitudes, de bouleversements et de mutations, le festival reste ancré dans les coffres de rencontres et d'échanges en puisant dans les richesses et la diversité des cultures d'Amérique Latine, des Caraïbes et d'Afrique pour transmettre et enthousiasmer.

Smith Prinvil

Dakh Daughters en spectacle à Victoriaville ce jeudi 19 mai

Dakh Daughters, Festival international de musique actuelle de Victoriaville — 2022-05-17T07:59:22Z

Au fil des ans, le FIMAV a acquis tout un flair pour dégoter des artistes provocateurs qui transgressent les frontières géographiques et musicales, mais dont la musique demeure accessible à tous. DAKH DAUGHTERS, un groupe entièrement féminin, est né en 2012 de l'esprit d'actrices rattachées au Théâtre Dakh de Kiev, en Ukraine. Ces chanteuses-musiciennes-performeuses, costumées et maquillées à outrance, proposent un spectacle haut en couleur qu'elles qualifient de « cabaret punk ». Les genres s'emmêlent les pattes : musique traditionnelle ukrainienne, jazz et chanson française de la belle époque rencontrent des sensibilités tout ce qu'il y a de plus Musique Actuelle. Les textes, souvent tirés d'œuvres de poètes, sont chantés en ukrainien, en anglais et en français, entre autres.

Forte de deux albums salués par la critique (If paru en 2016, Air en 2019), la troupe a fait le tour du monde, se produisant dans toutes sortes d'événements et même, début 2022, avec un orchestre symphonique !

Si vous êtes à la recherche d'un concert qui allie spectacle, beauté, audace, originalité et perfection, n'allez pas plus loin !

Le spectacle

Ce qui se passe en Ukraine maintenant, cette guerre de la Russie pour détruire l'Ukraine, c'est une catastrophe pour tout le monde démocratique, pour toute l'humanité, pas seulement pour l'Ukraine. Mais l'Ukraine se bat toute seule contre ce monstre. Par conséquent, nous avons besoin d'aide pour gagner ce combat, pour protéger les réfugiés, pour obtenir des armes, des médicaments.

Notre performance est un témoignage du crime militaire des troupes russes, de la catastrophe humanitaire causée par l'armée russe, des morts horribles de la population civile à Kharkiv, Marioupol, Chernihiv, Sumy, Bucha, Gostomel et de nombreuses autres régions du pays.

En même temps, notre spectacle est un hymne à nos défenseurs et au peuple ukrainien qui se tiennent courageusement et retiennent ce mal. Nous sommes ici aujourd'hui parce que nous sommes des musiciens et des artistes. Il est très important pour nous de ressentir du soutien et de la solidarité avec l'Ukraine. Le peuple ukrainien est devenu une victime de l'agression russe, mais en même temps il est aussi un héros de la résistance.
– DAKH DAUGHTERS

Parce que les esclaves ne peuvent pas vaincre les gens libres

Solomiia Melnyk : voix, violoncelle, claviers, batterie
Ruslana Khazipova : voix, batterie, contrebasse
Tetiana Troitska : voix
Nataliya Halanevych : voix, contrebasse
Nataliia Charpe : voix, violon
Ganna Nikitina : voix, guitare acoustique
Mariia Volkova : éclairage, vidéo
Svyatoslav Rybak : sonorisation
Iryna Gorban : direction de tournée

Jeudi 19 mai
Colisée des Bois-Francs à Victoriaville
40$
Info : https://www.fimav.qc.ca/

Rire de tout son saoul en allant voir la pièce Meet-Inc

Pierre Mouterde — 2021-12-07T08:03:29Z

Meet-Inc,, c'est une réalisation du collectif Hommeries qui se donne au théâtre Premier acte, jusqu'au 11 décembre à Québec. Et si vous avez envie de vous extraire des langueurs de décembre ou encore d'échapper à cet univers socio-politique si morose dans lequel nous baignons ces derniers temps, eh bien pendant près près d'une heure et demie vous serez servis !

En effet, avec ces trois fous du roi, ou mieux dit encore, avec ces trois bouffons (Douchebag, Lacharrue,et Wannabe) qu'incarnent avec une formidable énergie, Paul Fruteau de Laclos, Valérie Boutin et Guillaume Pelletier, tout y est caricatural, grotesque et excessif, et si grossièrement obscène qu'on fini par n'avoir qu'envie de se réjouir.

Mais c'est là l'intéressant, sans pour autant oublier ce qui se cache derrière ces cascades de rire qui, comme le dit l'adage, pourraient bien nous donner le goût de finir... par pleurer. Car derrière cet art de la dérision poussée à son comble, on cherche en même temps à nous faire réfléchir sur un thème clef et dont pourtant ces dernières années on semble avoir oublié l'importance décisive : celui du travail aliéné dans la société capitaliste et néolibérale qui est la nôtre.

C'est en tous cas le fil d'Ariane de cette petite troupe qui ne manque pas de s'en prendre à tous les travers qui en découlent, au point de nous renvoyer à un festival de vérités qui ne peuvent que faire cruellement réfléchir : accumulation de marchandises et donc de déchets jetables sous le signe de l'obsolescence programmé ; lutte contre le temps et horaires scandés par la course généralisée au profit ; arrogance des patrons ou des p'tits chefs enrubannée de publicités sirupeuses d'une société de consommation omniprésente ; vie malmenée et dérisoire de salariés condamnés à l'insignifiance. Tout y est, pour y retrouver comme dans un miroir déformant, bien des traits de nos propres vies.

Et justement c'est ce qui sauve le tout : que ce soit sur le mode du rire jubilatoire et débridé. Comme si ici la cible choisie était décidément si grosse et devenue si tabou —ne serait-ce que parce qu'elle a fini par déterminer une grande partie de nos vies et qu'on ne sait plus trop comment aujourd'hui s'en défendre— qu'il fallait en passer par des bouffonneries extrêmes pour nous en montrer toute l'implacable réalité.

En ces temps de rectitude politique, où tout un chacun doit prendre ses précautions pour paraître aux yeux d'autrui vertueux et ne pas dire un mot de trop, le théâtre de bouffonneries pourrait bien être la manière par excellence de sortir de nos langues de bois et de nous ramener à l'essentiel. Après tout le fou du roi, n'ose-t-il pas dire ce que le roi lui-même (en l'occurrence notre société) ne peut pas dire ? Qu'on ose le dire : il faut aller voir Meet-inc !

Québec Le 3 décembre 2021
Pierre Mouterde, sociologue et essayiste

Séparer l'homme de l'œuvre ?

Manon Boltansky — 2020-02-04T09:14:52Z

L'actualité a été marquée par la « prise de conscience » timide, hypocrite tout autant que tardive, du soutien dont le pédocriminel Matzneff a bénéficié tout au long des années 1980 dans le petit cercle de l'intelligentsia littéraire parisienne mais également dans les médias. La séquence hallucinante de l'émission « Apostrophes » en est l'illustration la plus frappante, avec un Bernard Pivot hilare et fasciné par son invité.

article et photo tirés de NPA 29

Ce mea culpa médiatique ne vient pas de nulle part. Il est la conséquence directe des luttes féministes de ces dernières années à une échelle internationale : la vague #Metoo depuis 2017 et « Ni una menos » dès 2015, sur les violences sexuelles et les féminicides.

Écouter la parole des victimes

La première de ces conséquences aura été la libération de la parole des victimes, mais également l'écoute dont elles ont commencé à faire l'objet. De ce point de vue, l'interview d'Adèle Haenel sur Mediapart a été un moment fondateur.

Il y aura un « avant », mais surtout un « après » ses révélations concernant les attouchements et le harcèlement dont elle avait fait l'objet par Christophe Ruggia alors qu'elle n'était qu'une jeune fille. D'autant plus que son témoignage a été publié en même temps qu'une nouvelle accusation de viol contre Polanski par Valentine Monnier, alors âgée de 18 ans.

Une période pleine de contradictions qui a vu émerger un formidable soutien autour d'Adèle Haenel d'un côté… et ressurgir de l'autre un méprisable soutien à Polanski d'une large partie de la profession (parfois la même), qui s'est empressée de se draper dans l'argument récurent du « Il faut séparer l'homme de l'œuvre », toujours utilisé dans une grande confusion générale.

« On est puni par là ou on a péché »

C'est vrai qu'il y a une de continuité, et même une détermination toute française, dans l'impunité avec laquelle Polanski a pu financer, réaliser, diffuser son dernier film, J'accuse. Il aura même eu l'impudeur de se comparer à Dreyfus dans son dossier de presse…

Dans un entretien surréaliste, le réalisateur fini par avouer qu'il est « familier avec un grand nombre de rouages de l'appareil de persécution montré dans le film » et qui ont nourri son inspiration. Ironie de l'histoire : c'est cette provocation de trop qui a déclenché chez Valentine Monnier, l'une de ses nombreuses victimes, le besoin de parler, des dizaines d'années après.

Le cas Matzneff semble un peu plus gênant pour ses soutiens, d'une part parce que tout le monde semble aujourd'hui reconnaître ses écrits pour ce qu'ils sont, c'est-à-dire fort médio-cres, et surtout centrés exclusivement sur la description de ses abus sexuels sur mineurEs.

D'autre part parce que celui-ci revendique ses crimes publiquement au nom du désir, de l'amour, de la liberté morale et de la supposée « beauté ». Le point positif est cependant que cette affaire ressorte aujourd'hui grâce à la publication de l'ouvrage de l'une de ses victimes, Vanessa Springora, sobrement intitulé le Consentement.

Mais Polanski, lui, offre bien plus de résistance, y compris d'une large partie de la « gauche » artistique et intellectuelle. D'abord, c'est un bon réalisateur. Mais surtout, il témoigne du carac-tère massif et systémique de l'oppression des femmes et des violences sexuelles dans le cinéma. Il fait écho à Weinstein, Allen, Besson, mais aussi Ruggia, Bertolluci, Brisseau, et tant d'autres…

L'art est un marché comme les autres

Il est faux de poser ce débat en termes uniquement artistiques. Le cinéma et l'art sont non seulement une industrie, mais également un marché et une source de profits, très rentable. Une approche matérialiste de la création pose la question des conditions de création des œuvres et de leur diffusion.

La première est bien entendu l'argent nécessaire au financement et à la production. La suivante est le bénéfice financier qu'il peut rapporter, mais aussi la gloire et la valorisation personnelle. En l'occurrence, ne pas soutenir Polanski, c'est prendre le risque de se mettre à dos un des cinéastes les plus influents et « reconnus » de la profession et ses amiEs.

L'une des dimensions importantes autour de Polanski, ou d'autres agresseurs ayant un grand talent artistique, est la question du financement et des fonds publics dont ils bénéficient. J'accuse est ainsi un « film France Inter », qui soutient « fermement, fortement et absolument ce film ». Parce qu'« il y a l'homme et il y a le film, et la rédaction de France Inter fait son boulot par rapport aux accusations qui sont portées contre l'homme ». Dont acte.

Séparer le viol du violeur ?

De la même manière que le viol a tout à voir avec le pouvoir et la domination, son traitement médiatique également. A. Haenel le formule ainsi : « Il était nécessaire que je sois plus connue que mon agresseur ». C'est effectivement la différence principale avec la quasi-totalité des cas de violences sexuelles sorties puis largement silenciées dans le milieu du cinéma. Une réalité qui nous rappelle l'importance de croire et de soutenir les victimes.

Le statut de l'actrice, dans le cas d'A. Haenel, et celui du réalisateur accusé, a pesé dans la solidarisation spontanée d'une large partie du milieu du cinéma. Pourtant l'actrice n'a pas porté plainte. Elle était jeune, du même âge que les victimes de Polanski.

Probablement même que certains auraient pu dire « qu'elle faisait plus que son âge »… bref tous les ingrédients d'une narration permettant de justifier qu'elle l'avait probablement cherché. Et pourtant. Christophe Ruggia n'a pas été invité au 20h des chaînes de télé, et il fait l'objet aujourd'hui d'une procédure de radiation de la société des réalisateurs de films.

L'art est-il sexiste ?

Le monde du cinéma et plus largement de la création n'échappe évidemment pas au sexisme et aux violences sexuelles. Plus encore, il l'institutionnalise autour de la relation hiérarchique et de pouvoir du rapport réalisateur/actrice et par extension la relation peintre/modèle-muse. Et cela autour de deux mécanismes : d'une part, le mythe autour de la « fascination », du désir et de « l'amour de la femme », qui relève presque de la mystique de la création ; d'autre part, la dimension intrinsèquement « anormale » ou « transgressive » de l'art et de l'artiste. Ces deux mythes participent d'une culture du viol très forte.

Peut-on et doit-on séparer l'homme de son œuvre ?

En réalité, cette injonction n'a pas vraiment de sens. Personne ne le fait et personne ne le souhaite. Ce qui définit une œuvre aujourd'hui c'est sa signature, son auteur. C'est même ce qui fait sa valeur (quand on achète un Picasso, c'est pour son auteur). C'est d'ailleurs ce que font aujourd'hui les différents défenseurs de Polanski : promouvoir un film, le financer et le diffuser parce que c'est Polanski. Toute l'histoire de l'art est l'histoire de la compréhension des créations artistiques ou artisanales dans un contexte, une histoire et une société données.

Alors séparer l'homme de l'artiste ?

Cela n'a pas plus de sens. Les critiques et les historiens des arts ne le font d'ailleurs pas. Ils relient évidemment l'histoire personnelle de Polanski à son film le Pianiste. Un pianiste juif virtuose subit la déportation et échappe de peu au génocide grâce à son art. Le plus étonnant est plutôt que personne ne se soit risqué à analyser ses personnages féminins à l'aune de ses multiples agressions sexuelles et du profil de ses victimes mineures.

La confusion est même plutôt de leur côté. Ce sont eux qui utilisent leur statut d'artiste pour se faire acquitter sans procès, pour rencontrer des jeunes femmes, pour appuyer leur emprise sur elles. Les gens confondent les deux pour excuser l'homme derrière leurs artistes et leurs œuvres chéries. Mais cette séparation ne marche que dans un sens. Il est d'ailleurs frappant de voir qu'il est beaucoup plus simple de séparer l'homme, que la femme, de l'artiste. Une femme artiste est, elle, toujours ramenée à sa personne, en terme personnel et politique.

Faut-il tout interdire ?

Il ne faut pas confondre la censure avec l'expression d'un avis critique et politique par le public. La censure est imposée par le détenteur d'un pouvoir (souvent étatique ou religieux) qui permet la production et la diffusion d'une œuvre au public. Elle n'a rien à voir avec l'organi-sation d'un boycott par le public ou des protestations organisées au cours d'une projection de l'œuvre.

Parler de censure dans le cas d'artistes subventionnés, invités dans l'ensemble des médias est particulièrement indécent. Le boycott est provoqué par l'absence de parole donnée aux victi-mes et aux premières concernées. Reconnaitre et dénoncer le caractère raciste, sexiste, antisémite d'un artiste et cette dimension dans son œuvre n'est pas une atteinte à la liberté d'expression.

Mais alors on ne pourra plus jamais rien apprécier en art ?

Nous avons pour beaucoup un rapport quasi sacré et amoureux à l'art et à ses créateurs. Cela en dit long également sur la figure construite autour du « génie créateur » et de ses œuvres. De ce point de vue, oui, il va falloir regarder les choses en face. Il faudra revoir une large partie de l'histoire de la création artistique sous le prisme des oppressions qui la traversent. C'est l'exigence d'une approche matérialiste. La compréhension et la représentation de la société et spécifiquement des femmes sont des questions politiques.

Mais il faut aussi déconstruire l'idée selon laquelle il n'y a qu'une façon de créer ou d'être un artiste. La culture et les arts dominants invisibilisent d'autres formes de créations. C'est particulièrement vrai pour les femmes dans l'histoire du cinéma. Leur rôle y est restreint à celui d'objet de désir et d'art. Ces hommes sont grands aussi parce qu'ils ont écrasé des femmes sur leur chemin. Croire et défendre Polanski c'est aussi dire à toutes les femmes que la carrière de ces hommes est plus importante que la leur, que leur intégrité physique, psychologique, émotionnelle, bref leur vie est moins importante.

Mais on étudie bien Céline !

La référence à l'œuvre Voyage au bout de la nuit de Céline s'impose dans ces débats comme l'exemple par excellence du « Il faut séparer l'homme de l'œuvre ». C'est toute la malhonnêteté brillante de l'argument.

Céline est, certes, enseigné à l'école, mais également le contexte qui entoure son œuvre, l'antisémitisme de son auteur, la différence à établir entre ses pamphlets racistes, etc. Ce n'est pas l'auteur qui est loué, c'est l'œuvre qui est étudiée, et appréciée. Malgré lui.

Donc il faut comprendre, interpréter et continuer à créer. Mais la création n'est pas au-dessus de la société et n'est pas exempte des oppressions qui la traversent. Est-ce qu'on ne peut plus voir un film de Polanski ? Si, bien sûr.

Est-ce qu'on peut encore l'apprécier ? Probablement. Il nous faut envisager la complexité d'une œuvre et les contradictions de son autrice ou de son auteur. Mais surtout, qu'on ne puisse plus jamais utiliser ses films pour justifier que son talent passe avant la vie de toutes ces femmes. Et qu'au lieu de vouloir faire semblant de séparer l'homme de l'œuvre ou de l'artiste, on commence à le tenir responsable de ses actes et de ses œuvres.

Manon Boltansky Vendredi 31 janvier 2020

https://npa2009.org/

Le Lac des cygnes fait la grève

Revue Ballast, Shanti Mouget — 2020-01-28T08:08:01Z

L'image fait déjà date : le 24 décembre 2019, les danseuses de l'Opéra de Paris ont interprété gratuitement le Lac des cygnes sur le parvis de l'établissement. Derrière elles, une banderole indiquait en lettres rouges le mot « grève ». C'est que l'Opéra compte, du fait des conditions de travail pour le moins singulières de cette profession, au nombre des quelques « régimes spéciaux » que le gouvernement entend faire disparaître. Ce jour-là, Shanti Mouget a dansé. Née en Seine-Saint-Denis, la jeune femme de 26 ans officie comme « quadrille surnuméraire ». Une discipline collective exigeante où l'on se forme souvent dès l'enfance. Et lorsqu'elle n'y danse pas, Shanti Mouget se rend comme militante en Palestine occupée ou à Calais. « Je n'avais jamais ressenti autant d'émotion en dansant », confie-t-elle en nous racontant, de l'intérieur, cette journée de lutte et de fête.

Tiré de Ballast.

Je sentais une détresse des danseurs. Ce n'est pas un milieu qui se met en grève facilement — pas par manque de convictions, mais parce qu'il y a une réalité à double tranchant : notre travail est une passion depuis qu'on a 5 ans, on n'a pas envie de se priver d'aller sur scène ni de priver le public. Et puis, simplement, on est bien à l'Opéra. Alors c'est quelque chose d'important de se mettre en grève. Le 24 décembre, le jour de l'action, ça faisait déjà 19 jours qu'on ne jouait plus aucun spectacle. C'était énorme. On était dans la rue depuis le 5 décembre — pianistes, techniciens, habilleuses, danseurs et danseuses — et, à chaque journée de mobilisation nationale, même celles qui sont moins suivies, on est dans la rue.

L'Opéra, c'est beaucoup de danseurs : 154 CDI, une quinzaine de CDD… On a tenté de se réunir tous les jours dans des AG, mais cette idée de danser dehors germait dans la tête de beaucoup de gens. Il a suffi qu'une fille prenne les devants, envoie un mail en proposant : et si on faisait une action ? Autour, c'est devenu une fourmilière ! Un orchestre s'est créé, le meilleur chef d'orchestre d'Europe s'est porté volontaire, 28 cygnes se sont réunis. Tout ça s'est fait en 48 heures. En mangeant et dormant à peine. À s'envoyer des milliards de messages dans tous les sens, la nuit. Il fallait réadapter la chorégraphie de l'acte IV du Lac des cygnes. Dimanche, on a fait un entraînement clandestin pour réapprendre la chorégraphie. Le lendemain, d'autres filles qui n'étaient pas à la répétition ont voulu participer : il a fallu revoir la chorégraphie en catimini, dans un studio, au fin fond de Garnier. On n'avait pas de musique — on ne s'entraîne jamais sans musique ! Les techniciens nous ont assuré qu'ils mettraient des linos sur le sol, dehors. Nous n'aurions pas pu danser sur du marbre… Il y a eu une énorme solidarité interne à l'Opéra et tout est devenu possible : mettre un orchestre et 28 cygnes dehors, sous 10 degrés. Deux heures avant l'action, on s'est rassemblées dans une salle toute petite, remplie de monde, pour finalement s'accorder à la musique de l'orchestre qui avait dû changer les partitions. On ne dansait pas vraiment, par manque de place, on essayait juste d'imprimer la musique et de marquer nos pas — c'est-à-dire de les mimer pour s'adapter au tempo.

Je n'avais jamais ressenti autant d'émotion en dansant. Tout était complètement différent : danser à ciel ouvert, ça change beaucoup de choses. Notre regard ne se fixe plus au même endroit, les repères ne sont pas les mêmes. Je me souviens, alors que j'avais le bras en l'air, avoir repéré un nuage en mouvement, alors que d'habitude, on fixe un point vague dans le noir… C'était un peu difficile de se concentrer sur la chorégraphie et sur la danse en elle-même. Car je réalisais en direct ce que nous étions en train de faire, j'en avais des frissons. Mais il y avait aussi une certaine lourdeur. Celle de réaliser que si nous étions en train de faire ça, c'est que la situation était vraiment grave. Après l'action, nous sommes rentrées dans l'Opéra alors que l'orchestre continuait de jouer le grand final du Lac des Cygnes, qui est magnifique. On avait peu dormi, on avait mis tellement d'énergie pour ce moment : entendre en live l'orchestre jouer, en nous regardant avec amour… J'ai pleuré. Je suis heureuse d'avoir vécu ça avec mes collègues de l'Opéra, c'est un moment qui restera à jamais gravé dans ma tête.

J'ai été la seule en contrat CDD à avoir participé à l'action. C'est une décision moins facile pour les CDD, qui peuvent avoir peur en se sentant moins légitimes parce que non touchées par le « régime spécial ». Ou préférant faire profil bas. Dans mon cas, il y avait deux raisons d'accepter : évidemment par solidarité (il fallait un 28e cygne) et en tant que CDD — on est nous aussi dans la merde. J'ai personnellement le statut d'intermittente du spectacle, ce qui me permet d'être payée pendant les congés ou quand je ne suis pas sous contrat. Pour les intermittents, cette réforme est catastrophique. Les moments d'intermittence, qui peuvent parfois durer des semaines, étaient jusqu'alors indemnisés par Pôle Emploi et comptabilisés à l'addition finale de la retraite : dans le nouveau projet de loi, c'est zéro. Vu que c'est ici que je travaille, c'est d'ici que je proteste.

Le régime spécial des danseurs de l'Opéra de Paris implique qu'à 42 ans, qu'on le veuille ou non, il faut s'arrêter de danser. Et ce n'est pas une retraite, comme on peut le croire, mais une pension que les danseurs toucheront dès 42 ans jusqu'à l'âge de la retraite pour que leur reconversion se passe au mieux et qu'ils puissent cumuler cette pension, ainsi qu'un second emploi derrière, afin de maintenir à peu près le même niveau de vie. Cette pension sera différente selon les grades des danseurs. Pour celle qui part du grade le plus bas, qui est quadrille, sa pension sera évidemment beaucoup moins élevée qu'un danseur du coryphée ou qu'une première danseuse ou qu'une danseuse étoile. C'est le point le plus important, et ça a pu être mal compris. La retraite, elle, est touchée normalement à partir de 62 ans.

Dans les réseaux de gauche et d'extrême gauche que je fréquente, je n'ai pas vu de commentaires négatifs. J'ai plutôt eu l'impression que l'action a mené l'Opéra au devant de la lutte ! Ma place est particulière : je suis à l'intérieur mais aussi, un peu, à l'extérieur. Ça fait plusieurs années que je suis militante sur d'autres fronts, que je ne mélange pas du tout à mon travail. Je suis proche des milieux ouvriers. J'avais la crainte qu'ils puissent voir ça comme une lutte de privilégiés, et ça aurait été dommage… Car il ne faut pas confondre les artistes et une partie du public avec ce que représente le lieu. Les gens qui peuvent se permettre de payer des places à 150 euros pour venir nous voir, tant mieux pour eux. Mais moi, mes propres parents, quand ils viennent me voir, je leur achète des places à 15 euros. Je suis née en banlieue, dans le 93. À chaque concours de danse que j'ai gagné, où j'ai gagné 100 euros, je les ai utilisés pour payer mes propres cours de danse. Il est vrai que c'est connoté bourgeois, et quand on voit l'aspect de l'Opéra, c'est normal. Mais c'est plus subtil que ça.

J'habite à Paris depuis trois ans — depuis que je suis à l'Opéra. Je viens d'une famille métissée qui a vécu des choses difficiles : ça m'a peut-être apporté une conscience différente sur le monde. Ma mère est grecque guyanaise et mon père indien. Ma grand-mère a été adoptée par des sœurs françaises à Pondichéry, dans un orphelinat, parce que ses parents étaient issus de castes qui n'étaient pas censées se fréquenter : mon arrière grand-mère avait été rejetée. Elle a été emmenée en France à 25 ans, avec rien. À son arrivée, elle a subi du racisme très violent : j'en ai toujours eu conscience. Du côté de ma mère, il y a aussi des histoires qui m'ont fait sentir, depuis petite, comme quelqu'un de chanceux. En grandissant dans un milieu plus privilégié, j'ai compris assez tôt que d'autres avaient encore plus de chance et qu'on ne choisit pas où on naît. Il y a des inégalités, il faut tous et toutes œuvrer à les atténuer comme on peut, avec ses moyens. Et, on y revient, pas en faisant un régime universel…

Le déclencheur, pour moi, ça a été la « crise des réfugiés » en 2015. Je venais de démissionner de l'Opéra de Marseille et je suis partie en Grèce donner des cours de danse à des réfugiés avec l'association Be Aware And Share, car c'est ce que je sais le mieux faire — mieux que de distribuer de la nourriture ou apprendre le français… Ça m'a ouvert à d'autres luttes. Celles contre les violences policières, en les voyant se comporter avec des réfugiés. L'été dernier, je suis partie en Palestine pendant six semaines avec Amwaj Choir, notamment, une association montée par une professeure du Conservatoire national de Paris. Avec la grève, je ne réalise toujours pas que j'ai mélangé mon activité militante avec mon métier ! Ça me paraît surréaliste, je ne l'avais pas vu venir ! (rires) La proposition du gouvernement a été refusée à l'unanimité chez les grévistes. Il proposait que ceux qui entrent jusqu'en 2022 ne soient pas touchés par la réforme. Impossible. Tout le monde tient énormément à la maison et a conscience qu'il est un petit maillon dans une grande chaîne culturelle, issue d'un héritage important transmis depuis 300 ans. Ce n'est pas possible de tout sacrifier au nom de quelques-uns. Les gens se battent pour l'amour de leur art. Ça a été une évidence de ne pas sacrifier les générations suivantes.

Croire que l'Opéra est un monde fermé, c'est l'idéologie dominante qui le dicte. Le public peut l'être, pas les danseurs qui y travaillent. Dans les faits, il y a, une heure avant chaque représentation, des places accessibles à 5, 10 ou 15 euros : je voudrais que ça se sache. À partir du moment où un groupe de personnes prend part à une lutte et envoie un message qui dit : nous aussi on lutte — au même titre que la caissière, que le cheminot, que l'infirmier —, ça alimente toute la mobilisation. À ceux qui sont encore moins privilégiés, dans une situation plus compliquée que la nôtre, ça dit encore : on est ensemble. Et cette lutte est juste, elle est digne. La preuve : même l'Opéra de Paris n'est pas d'accord ! Tant mieux si ça nourrit le mouvement de cette manière.

En fait, l'Opéra de Paris est venu à moi de façon inattendue. Je suis arrivée à la danse comme beaucoup de petites filles, par le conservatoire. Mes parents m'ont poussée à continuer car les professeurs me disaient douée. On est partis vivre en Guyane, où j'ai continué les cours à Cayenne : j'y ai passé mes premiers concours. De retour en France, c'est au contact de deux danseuses plus âgées, qui étaient à l'école de l'Opéra, que j'ai voulu faire la même chose. J'ai été prise, j'avais 11 ans. Dans l'école de danse de l'Opéra de Paris, un examen est proposé à la fin de chaque année : il a la réputation d'être très difficile car tout le monde n'y est pas gardé. Suivre l'école dans son intégralité relève donc de l'exploit. Moi, j'ai été renvoyée quand j'avais 13 ans. On m'a dit que j'étais « talentueuse » mais que je n'avais « pas trop le profil de la maison ». Je ne correspondais visiblement pas aux critères. Je pense que c'est de là qu'est également partie mon histoire, car je ne suis pas restée dans cette bulle qu'est l'Opéra de Paris — j'ai fait une croix dessus.

Je me suis tournée vers une autre école et j'ai passé plusieurs années à l'étranger — en Belgique, au Portugal. Puis j'ai eu envie de revenir en France car ma famille me manquait. Et, à l'Opéra de Paris, un nouveau directeur est arrivé, Benjamin Millepied. Je me suis dit qu'avec ce vent nouveau, je pouvais peut-être essayer de rentrer par ce qu'on appelle la « porte externe ». Pour les salariés et les danseurs qui sont actuellement à l'Opéra, la plupart ont fait l'école interne à l'Opéra, ont passé un concours interne et sont passés directement de l'école à la Compagnie. Ce sont des purs produits « Opéra ». L'autre moyen de rentrer, c'est de passer ce concours externe, ouvert à n'importe qui — même si ça peut être difficile d'y entrer si tu n'es « personne ». Je me suis retrouvée dans le classement et, l'année d'après, ils m'ont appelé pour un CDD de trois mois. Qui est devenu un CDD de trois ans, comme quadrille surnuméraire. Trois jours après, je travaillais à Paris, à l'Opéra.

Il y a une pénibilité particulière des danseurs de ballets, mais il y a aussi une énorme notion de sacrifice. Même si c'est pour la beauté et qu'on fait notre métier de tout notre cœur, c'est quand même quelque chose de quitter sa famille, de vivre en internat, ou seule. Quand tu es enfant, il n'y a pas vraiment de vacances scolaires, et quand tu es ado, tu es continuellement en préparation de concours pour intégrer un corps de ballet. Tu as 16, 17, 18 ans quand tu commences à travailler et à payer tes impôts, tes factures. Les sacrifices du danseur, de la danseuse et de sa famille autour sont énormes. Jusqu'à maintenant, la façon dont ça fonctionnait à l'Opéra, ce fameux « régime spécial », était logique dans cette continuité. Il y a des compagnies en France, comme l'Opéra national de Bordeaux ou le Ballet du Capitole à Toulouse, qui n'ont pas ce régime : cela les rend plus précaires. Mais ce n'est pas pour ça qu'il faudrait dire : regardez, ils se débrouillent ! Non, il faudrait lutter pour qu'ils aient aussi ce droit particulier.

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