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Eurovision 2026 : les Européens « unis par la musique », vraiment ?

Cyrille Bret, Florent Parmentier — 2026-05-26T12:13:23Z

Par-delà la victoire surprise de la candidate bulgare Dara et les chiffres d'audience toujours massifs, la 70ᵉ édition du concours Eurovision, le « plus grand événement musical en direct du monde », aura reflété les tensions qui traversent actuellement le continent.

Tiré de Europe Solidaire Sans Frontières
18 mai 2026

Par Cyrille Bret, FLorent Parmentier

Pour sa 70ᵉ édition, célébrée à la Stadthalle de Vienne (Autriche) et organisée par l'ÖRF, le groupe audiovisuel public autrichien, le concours Eurovision a, une fois encore, été profondément marqué par la géopolitique européenne et les dynamiques internationales.

Depuis sept décennies maintenant, ce concours se proclame apolitique, par la lettre (son règlement) et par l'esprit (promotion d'une forme d'unité européenne et pacifisme post-1945). Pourtant, c'est aussi un champ de frictions politiques, culturelles et médiatiques entre des imaginaires et des États, où nombre d'acteurs entendent se saisir de la visibilité de l'événement afin de promouvoir leurs priorités politiques et leurs valeurs.

Prendre un peu de recul est nécessaire pour évaluer la portée de l'édition 2026, loin du vacarme des polémiques et de la transe d'un spectacle télévisé de plus de trois heures pour la seule finale. Désormais installé dans le paysage médiatique international mondial, « l'événement monstre » (selon l'expression de l'historien Pierre Nora) que constitue l'Eurovision donne la mesure de la géopolitique actuelle.

Longévité du concours, concurrence des récits

Le rassemblement viennois a souligné combien l'Eurovision est devenu un rituel médiatique et symbolique continental : il a réuni des dizaines de millions de téléspectateurs, et drainé vers Vienne des dizaines de milliers de spectateurs, de fans, de touristes et de professionnels. Si l'édition 2026 a pu rencontrer un tel succès malgré le boycott de cinq pays https://www.20minutes.fr/arts-stars... – l'Espagne, l'Irlande, l'Islande, les Pays-Bas et la Slovénie –, c'est que cette grand-messe musicale, séculière et commerciale rencontre une tendance profonde de la géopolitique contemporaine : le besoin de jalons collectifs et la lutte des narratifs.

En effet, les relations internationales sont désormais dominées par une succession ininterrompue de sommets, expositions, concours, commémorations, défilés, qui sont autant de jalons collectifs car fortement médiatisés. Le calendrier mondial est scandé par ces événements. Mais il est aussi marqué par les affrontements auxquels ces événements donnent lieu : en faire partie ou non, telle est la question.

La charge géopolitique extra-européenne

Le bilan géopolitique de l'Eurovision 2026 ne saurait être complet s'il ne comprenait son lot de polémiques, fugaces ou fondamentales.

Cette année, la principale polémique a porté sur la participation au concours de Noam Bettan, candidat franco-israélien porté par la KAN, l'audiovisuel public de Tel-Aviv. Sa présence avait suscité des débats acharnés et mené au boycott des cinq pays sus-cités au nom de la condamnation de la politique du gouvernement Nétanyahou à l'égard des Palestiniens. Le 11 mai, à la veille du début du concours, le New York Times a d'ailleurs publié une longue analyse consacrée à la façon dont Israël utilisait l'Eurovision comme un outil de soft power.

Le premier ministre Pedro Sanchez a affirmé que l'Espagne était « du bon côté de l'Histoire »en boycottant l'édition de cette année au nom du respect du droit international et des droits de l'homme. Rappelons que les polémiques sur la participation d'Israël au concours (le pays a été admis en 1973) sont récurrentes au sein de l'UER depuis des années. Elles ont enflé avec l'exclusion de la Russie et de la Biélorussie en 2022, et été considérablement amplifiées par les opérations militaires destructrices et meurtrières de l'armée israélienne à Gaza menées en représailles des massacres commis par le Hamas, le 7 octobre 2023. Depuis lors, plusieurs groupes audiovisuels ont agité le spectre du boycott, et cinq d'entre eux ont mis cette fois cette menace à exécution – une rupture avec les éditions 2024 et 2025 qui n'avaient pas connu de boycott, alors même que la guerre à Gaza était plus intense.

Ce ne fut pas la seule polémique ayant marqué l'édition 2026. Quelques heures avant la finale du 16 juin, le patron de l'Eurovision, le Britannique Martin Green, a évoqué un possible retour de la Russie au concours. Ce jugement choque à Kiev et chez ses soutiens, alors même que Moscou a été exclu depuis 2022, organise son propre concours, l'Intervision, et continue de bombarder massivement l'Ukraine.

Par ailleurs, si depuis 2013 la Turquie ne participe plus à l'Eurovision, qu'elle juge « immorale » car certains musiciens affichent explicitement leur appartenance à la communauté LGBTQIA+, elle a été irritée par la chanson du groupe croate Lelek, qui a mis en lumière le sicanje, une tradition remontant à l'époque de l'occupation ottomane : les jeunes femmes catholiques de Croatie et de Bosnie-Herzégovine se faisaient alors souvent tatouer les mains et le visage pour ne pas être prises de force en concubines par des militaires ottomans.

Polyphonie en hymne à la diversité

À plusieurs égards, l'Eurovision 2026 a également illustré les accords et désaccords de l'Europe actuelle.

Une Europe qui est restée unie lorsqu'il a fallu exclure la Russie en 2022, mais qui s'avère divisée en ce qui concerne le sort d'Israël, redessinant la carte du concours. C'est aussi une Europe qui s'interroge sur l'équilibre entre souveraineté culturelle et mondialisation : si la gagnante bulgare a concouru en anglais, 60 % des pays ont chanté dans leur langue en 2026, y compris dans l'Europe nordique qui présente généralement des candidats chantant en anglais, contre seulement 24 % en 2016.

Classiquement, on a retrouvé une Europe avec un certain nombre d'invariants dans sa géographie affective, traversée par les proximités géographiques et les diasporas : le jury chypriote a voté pour la Grèce et réciproquement, la Suède a voté pour la Finlande, le Monténégro pour la Serbie, la Norvège pour le Danemark, l'Albanie pour l'Italie. Tout juste pourra-t-on s'étonner, pour un concours qui a vu la victoire du groupe ABBA en 1974 avec Waterloo, des douze points attribués par le jury britannique à la candidate française Monroe.

Le bon classement (deuxième place) du candidat présenté par Israël démontre, une fois encore, que la politique n'explique pas tous les palmarès du concours : le groupe audiovisuel israélien KAN présente régulièrement d'excellents artistes, des chansons attrayantes et des chorégraphies qui suscitent l'intérêt. En outre, par-delà le boycott de certains pays, certaines autres opinions publiques ont manifesté leur sympathie pour Israël. Dans les votes en faveur de Noam Bettan, la part des soutiens artistiques et politiques est difficile à évaluer, sans même parler des soupçons de manipulation en sa faveur dans plusieurs États. Là encore, politique, technique, marketing et chorégraphies se sont mêlés.

Enfin, et c'est peut-être plus surprenant, on perçoit une Europe qui peut vivre une crise en son sein, mais continuer d'exercer une certaine attractivité au-delà de ses frontières, comme en témoigne l'expansion en novembre prochain du concours à l'Asie une première. L'Eurovision s'est même étendue aux antipodes avec l'Australie, membre affiliée de l'Union européenne de radio-télévision (UER) et participante depuis une dizaine d'années, et le Canada s'interroge sérieusement sur sa participation.

En dépit de tout, l'historien et prospectiviste israélien Yuval Noah Harari, détracteur de Benyamin Nétanyahou, rappelle combien ce modèle peut être nécessaire aujourd'hui :

« Aujourd'hui, alors que des forces politiques remettent en cause de nombreuses institutions internationales et que des technologies telles que les réseaux sociaux et l'intelligence artificielle menacent de pousser les gens à s'éloigner les uns des autres au lieu de les rapprocher, l'Eurovision offre un rappel d'une vision très différente de l'avenir. »

Florent Parmentier, Secrétaire général du CEVIPOF. Enseignant, Sciences Po et Cyrille Bret, Géopoliticien, Sciences Po

< !—> The Conversationhttp://theconversation.com/republishing-guidelines —>

P.-S.

• The Conversation. Publié : 18 mai 2026, 16:46 CEST.

Cet article est republié à partir de The Conversation sous licence Creative Commons. Lire l'article original.

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Jacmel Jazz Festival : Dix ans de résilience et de rythmes caribéens

Smith Prinvil — 2026-04-14T11:53:51Z

Perchée sur la côte haïtienne, Jacmel n'était pas vraiment une ville de jazz pourtant, en 2016, des passionnés audacieux ont lancé le Jacmel Jazz Festival, avec l'ambition de transformer la cité en un carrefour musical international.

Par Smith PRINVIL

Dix ans plus tard, le pari est réussi : le jazz y pulse désormais dans les rues, les cafés et les places publiques, porté par une énergie à la fois locale et cosmopolite.

Ainsi, ce festival n'est pas seulement un rendez-vous musical. En effet, il reflète une ville qui résiste, une scène qui s'invente et une communauté qui croit à la musique comme moteur de changement. Malgré les crises politiques et économiques, les organisateurs ont su maintenir une programmation audacieuse, soutenir les jeunes talents haïtiens et attirer des musiciens des États-Unis, de Port-au-Prince, des Cayes et de Petit-Goâve. C'est pourquoi cette vitalité leur a valu le prix du Meilleur Festival Émergent aux Prestigious Awards 2024.
Pour cette 10e édition, le festival retrouve sa forme originelle tout en gagnant en ampleur : trois jours de concerts, une quarantaine d'artistes, ainsi que trois conférences et cinq ateliers qui font dialoguer musique et réflexion.

De plus, déplacé sur la rue du Commerce, le festival devient plus accessible, plus vivant, et laisse le jazz respirer dans un espace ouvert à tous.

À la tête de l'événement, Jeux Dits Pwezi co-organise avec la Alliance Française de Jacmel, tandis qu'Allan Adifils et Lamy Shalomson représentent le festival aux États-Unis et en Europe.

Ainsi, ils font de Jacmel un lieu où le jazz retrouve son essence : liberté, créativité et partage.En somme, le Jacmel Jazz Festival n'est pas qu'une célébration musicale. Au contraire, c'est un manifeste : le jazz peut survivre et fleurir même là où tout semble fragile. Aujourd'hui, dix ans après sa création, Jacmel continue de swinguer, invitant le monde à écouter et à vibrer au rythme de ses rues. Et plus que jamais, le festival affirme que la musique est un langage universel capable de rassembler, d'inspirer et de célébrer la vie, même au cœur des défis.

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Écoutez « Streets of Minneapolis », le vibrant hommage de Bruce Springsteen aux victimes des milices de l'ICE

Pierre Chaillan — 2026-02-03T13:10:43Z

Le « Boss » a publié, mercredi, sur les réseaux sociaux, une nouvelle chanson, Streets of Minneapolis. Un hommage aux victimes des milices de l'ICE, la police anti-immigration états-unienne, et à celles et ceux qui résistent.

Tiré du Journal l'Humanité

Publié le 29 janvier 2026
Pierre Chaillan

Son refrain – « Nous défendrons ce pays/Et l'étranger parmi nous » – est repris en fin par un appel à se souvenir des rues de Minneapolis.

Le « Boss » reste la conscience de l'Amérique populaire. Sur fond d'une image de manifestants anti-ICE, Bruce Springsteen a diffusé le 28 janvier sur les réseaux sociaux un nouveau titre, Streets of Minneapolis (les rues de Minneapolis), « en réponse à la terreur d'État qui s'est abattue sur la ville »

Les paroles en français

À travers le froid de l'hiver
Sur l'avenue Nicollet
Une ville en flammes, combattant le feu et la glace
Sous les bottes d'un occupant
L'armée privée du roi Trump venant du DHS
Des armes ceinturées à leurs manteaux

Ils sont venus à Minneapolis pour faire respecter la loi
Ou du moins c'est ce qu'on raconte
Contre la fumée et les balles en caoutchouc
Au petit matin
Des citoyens se sont levés pour la justice
Leurs voix résonnent à travers la nuit

Et il y avait des empreintes ensanglantées
Là où la sécurité aurait dû se tenir
Et deux ont trouvé la mort
Dans les rues couvertes de neige
Alex Pretti et Renée Good

Ô notre Minneapolis, j'ai entendu ta voix
Chanter à travers la brume ensanglantée
Nous nous tenons debout pour cette terre
Et pour l'étranger parmi nous

Ici, chez nous, ils ont tué et rôdé
Au cœur de l'hiver 26
Nous nous souviendrons des noms de ceux qui sont morts
Dans les rues de Minneapolis

Les voyous féroces de Trump frappaient
Son visage et sa poitrine
Puis nous avons entendu les coups de feu
Et Alex Pretti, dans la neige, est mort

Ils prétendaient que c'était de la légitime défense, monsieur
Juste ne crois pas ce que tu vois
C'est notre sang et nos os
Et ces sifflets et ces téléphones
Contre les sales mensonges de Miller et Noem

Ô notre Minneapolis, j'entends ta voix
Pleurant à travers la brume ensanglantée
Nous nous souviendrons des noms de ceux qui sont morts
Dans les rues de Minneapolis

Maintenant ils disent qu'ils sont là pour faire respecter la loi
Mais ils piétinent nos droits
Si ta peau est noire ou brune, mon ami,
Tu peux être arrêté ou expulsé sur le champ
Dans nos slogans “ICE dehors maintenant”
Le cœur et l'âme de notre ville persistent
À travers les vitres brisées et les larmes ensanglantées
Dans les rues de Minneapolis

Ô notre Minneapolis, j'entends ta voix
Chanter à travers la brume ensanglantée
Ici, chez nous, ils ont tué et rôdé
Au cœur de l'hiver 26
Nous nous tenons debout pour cette terre
Et pour l'étranger parmi nous
Nous nous souviendrons des noms de ceux qui sont morts
Dans les rues de Minneapolis
Dans les rues de Minneapolis

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Haïti : la Drill, entre phénomène musical et vecteur de violence urbaine

Marvens Jeanty — 2025-09-09T11:49:11Z

Importée des États-Unis et adaptée à la réalité haïtienne, la drill, un sous-genre du rap au style percutant, s'est imposée depuis quelques années comme l'un des courants musicaux les plus populaires chez la jeunesse urbaine. Si elle séduit par son énergie brute et sa dimension expressive, elle soulève également de vives préoccupations quant à son rôle dans la normalisation de la violence, dans un pays déjà ravagé par l'instabilité sécuritaire et la crise sociale.

Par Jeanty Marvens

Linguiste

Une bande-son de la rue

Initialement née dans les quartiers défavorisés de Chicago, la drill s'est ensuite propagée à Londres, Paris, puis Port-au-Prince. En Haïti, ce courant musical a trouvé un terrain fertile dans les bidonvilles et zones sensibles, où de jeunes artistes comme Bourik the Latalay, Jiji 445 , ou King Peliko, s'imposent sur les plateformes numériques. Ces musiques sont consommées majoritairement par une jeunesse très vulnérables et qui a souvent tendance à prendre au sérieux les paroles utilisées et le comportement adopté par ces chanteurs de drill. Les conséquences s'avèrent démesurées dans un pays où déjà rien ne va.

Les paroles de leurs morceaux sont explicites : elles abordent la rue, les guerres de territoires, propagande des produits illicites, la vengeance, les armes à feu et la défiance envers les autorités. Dans les clips, les armes – parfois bien réelles – et les gestes menaçants occupent une place centrale, traduisant une volonté assumée de représenter sans filtre une
réalité brutale.

Un exutoire artistique ou une incitation à la violence ?

Pour de nombreux artistes, la drill est un canal d'expression légitime, permettant de traduire les frustrations, la colère et le sentiment d'abandon d'une jeunesse livrée à elle-même. À travers la musique, certains trouvent une échappatoire, une forme de reconnaissance sociale, voire une opportunité économique dans un contexte où les voies traditionnelles sont verrouillées.

Mais pour d'autres observateurs, ce mouvement musical agit également comme amplificateur de tensions. Dans un pays où les affrontements entre gangs rivaux sont quotidiens et où les armes circulent librement, la diffusion massive de textes glorifiant la violence peut avoir des effets pervers. Certaines chansons, loin de simplement raconter la violence, la banalisent voire la légitiment. Dans certains cas, elles servent de tribunes aux revendications de groupes armés ou de messages codés entre factions criminelles.

Un vide institutionnel préoccupant

Le développement de la drill en Haïti s'inscrit dans un contexte de désintégration de l'autorité étatique, d'absence de politique culturelle, et d'effondrement du système éducatif. Pour les jeunes issus des quartiers défavorisés, cette musique devient parfois le seul espace de visibilité dans une société où ils sont largement marginalisés.

« La drill est une manifestation artistique d'un malaise social plus profond. Ce n'est pas la musique qui crée la violence, mais elle peut contribuer à en entretenir la dynamique », analyse un sociologue spécialiste des cultures urbaines. Le problème n'est donc pas uniquement musical, il est sociopolitique.

Entre liberté artistique et responsabilité collective

La question de la régulation reste délicate. Tenter de censurer ce mouvement serait perçu comme une atteinte à la liberté d'expression et risquerait d'amplifier le phénomène. Toutefois, des pistes existent : éducation aux médias, accompagnement artistique, mise en place de programmes d'encadrement dans les quartiers sensibles, sensibilisation sur l'impact social des paroles.

Les plateformes de diffusion comme YouTube ou TikTok, souvent pointées du doigt pour leur manque de modération, pourraient également jouer un rôle plus actif en instaurant des mécanismes de signalement et de contextualisation des contenus violents.

Conclusion : une musique miroir d'un pays en crise

La drill en Haïti ne peut être réduite à un simple divertissement musical. Elle est à la fois le symptôme et le révélateur d'un profond déséquilibre social. Elle traduit un mal-être, mais elle peut aussi, si elle est canalisée, devenir un moteur de transformation culturelle.

La balle est désormais dans le camp des acteurs politiques, culturels et éducatifs. Car derrière le bruit des basses et les rimes percutantes, c'est toute une génération qui tente de faire entendre sa voix.

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Kneecap, au nom de la Palestine

Ezra Nahmad — 2025-08-26T11:59:17Z

La solidarité sans filtre du groupe de punk rap nord-irlandais avec la Palestine scandalise et effraye nombre de programmateurs musicaux et de festivals. Elle permet de mettre, sur le devant de la scène, la bataille culturelle mondialisée qui se joue autour du génocide à Gaza.

Tiré d'Orient XXI.

Les drapeaux palestiniens au bord des routes, jusque dans les lieux les plus reculés, sont une singularité du paysage irlandais. Leur usure causée par la pluie et le vent indique qu'ils ont été plantés depuis un certain temps, et que personne ne s'empressera de les enlever. La fraternité entre l'Irlande et la Palestine est connue pour leur communauté de destin : la colonisation britannique.

Le battage récent autour de Kneecap, groupe de punk rap qui a sorti le gaélique de la musique traditionnelle et de la pop, remet cette solidarité au cœur d'une guerre culturelle et politique.

Le trio, originaire de Belfast-Ouest (quartier à majorité catholique) et de Derry, fervent défenseur de la cause palestinienne, participe activement à tous les « Gigs for Gaza », ces concerts organisés en soutien à Gaza. Lors de la plupart de leurs shows, Liam Óg Ó hAnnaidh, Naoise Ó Cairealláin et JJ Ó Dochartaigh — connus sur scène sous les noms de Mo Chara, Móglaí Bap et DJ Próvaí — invitent le public à scander avec eux le slogan : « Free, Free Palestine ».

Tirant son nom du « kneecapping » — cette méthode punitive qui consiste à tirer dans les rotules, utilisée par les paramilitaires en Irlande du Nord et par l'armée israélienne contre les Palestiniens lors de la « marche du retour » en 2018 à Gaza —, le groupe cultive l'art de la provocation. Un film récent, sobrement intitulé Kneecap, interprété par les membres du groupe et retraçant (très) librement leurs débuts — faits de drogues, de rap et d'indépendantisme — ajoute une pierre de plus à la légende qu'ils se construisent. Le long-métrage a déjà reçu le prix du public au Festival du cinéma américain de Sundance, après avoir raflé sept British Independent Film Awards (BIFA), dont celui du meilleur film britannique indépendant.

Le quotidien britannique de centre-gauche The Guardian les chouchoute et les qualifie de « groupe parmi les plus controversés en Grande-Bretagne et en Irlande depuis les Sex Pistols », tandis que le tabloïd conservateur The Daily Mail, les appelle les « “Anti-British” rappers » (rappeurs « anti-britanniques »). Le trio, dont un des tubes reprend le slogan républicain « Brits out » (1), assume pleinement ces attaques et répond :

Ils n'apprécient pas que nous nous opposions à la domination britannique, que nous ne croyions pas que l'Angleterre serve qui que ce soit en Irlande. Que nous disions que les classes ouvrières des deux côtés de la communauté méritent mieux, des financements publics, des services de santé mentale appropriés, méritent de célébrer la musique et l'art et méritent la liberté d'exprimer notre culture. (2)

Annulations en Europe et révocation de visas américains

Avec Kneecap, les mots sont des balles. Au Coachella Valley Music and Arts Festival, en Californie, ils ont clamé sur scène :

Fuck Israël. Les Palestiniens n'ont nulle part où aller. C'est là qu'ils vivent, bordel ! Et on les bombarde depuis le ciel ! […] Israël commet un génocide contre le peuple palestinien, rendu possible par le gouvernement américain, qui arme et finance Israël.

Sur l'écran géant de la scène, on pouvait lire : « Israël commet un génocide contre le peuple palestinien. »

Un scandale est né. Le producteur américain du groupe, la société Independent Artist Group (IAG), s'est désengagé suite à la controverse, entraînant l'invalidation de leurs visas de travail. En Europe, sous la pression de groupes pro-israéliens, plusieurs festivals de musique ont revu leur programmation. En Allemagne, le Hurricane Festival et le Southside Festival ont déprogrammé leurs concerts prévus en juin. Les membres du groupe n'en font pas un drame à ce stade :

Nous sommes en train de déposer une nouvelle demande de visa [d'entrée aux États-Unis]. J'espère que ça marchera. Mais si ça ne marche pas, je pourrai vaquer à mes occupations sans avoir à me soucier de mon prochain repas ou d'un bombardement de ma famille. Visa révoqué, je pourrai m'en remettre. (3)

Le groupe est désormais habitué. Ce n'est pas la première fois qu'il se retrouve au cœur d'une polémique pour ses prises de position. Le 18 juin, Mo Chara comparaissait devant le tribunal de première instance de Westminster à Londres pour « apologie du terrorisme ». Il était accusé d'avoir déployé un drapeau du Hezbollah lors d'un concert londonien le 21 novembre 2024, au moment de l'offensive terrestre israélienne contre le Liban. L'audience a été reportée au 20 août pour vice de forme.

À la sortie du tribunal, devant une foule de fans et de curieux, Mo Chara a entonné son slogan favori « Free Free Palestine ». Le public suit. Pour les fans, « il défend l'Irlande et la Palestine en même temps, c'est normal ». Il n'y a aucun autre endroit au monde où le sort de la Palestine est spontanément associé au destin local et avec autant de conviction. Et où un groupe musical remet la question de cette solidarité sur le tapis avec un savoir-faire inédit, où la provocation ne compromet pas le message politique. En mai 2025, ils ont reversé leurs recettes du Wide Awake Festival à Médecins Sans Frontières.

« Ce qui n'est pas correct, c'est d'armer un putain de génocide »

Rebelote à Glastonbury le 28 juin dernier. Avant l'ouverture du festival, soutenu par des députés conservateurs, le premier ministre travailliste Keir Starmer avait appelé à l'annulation du concert et à la censure du groupe : « Ils ne devraient pas être autorisés à jouer sur scène, a-t-il argué, ce n'est pas correct. » La BBC, partenaire du festival, a ensuite déprogrammé la retransmission du concert en direct. Réponse lapidaire de Kneecap : « Tu sais quoi, Keir, ce qui n'est pas correct c'est d'armer un putain de génocide. »

Quand on les accuse de tirades outrancières, ils rétorquent :

Si vous pensez qu'un groupe satirique, qui singe des personnages sur scène, est plus scandaleux que le meurtre de Palestiniens innocents, alors vous devriez vous poser des questions. (4)

En attendant le début du concert, la foule de Glastonbury agitait des dizaines de drapeaux palestiniens géants. Sur un écran, un montage reprenait les nombreux appels à censurer le groupe pour chauffer le public. Et lançait un rendez-vous : « Venez nombreux au procès du 20 août à Londres. » Sur la scène, Kneecap truffe ses prises de parole de « Fuck Keir Starmer ». « Fuck the Daily Mail »… « Jamais vu autant de monde à un concert », commente Móglaí Bap, « la foule est bourrée de “Fenian bastards” » (« salauds de nationalistes irlandais », l'insulte est affective).

Sur d'autres scènes de Glastonbury, des artistes prennent parti pour les Gazaouis, au premier rang desquels le duo punk Bob Vylan, qui a déclenché un énorme scandale en exhortant les fans à chanter « Death, death to the IDF » (« Mort, mort à l'armée d'Israël »). Le groupe est lui aussi privé de visas américains et fait face à plusieurs annulations en Europe, notamment en France, où leur concert prévu au Kave Fest, dans l'Eure, a été déprogrammé.

Non loin de là, sur une scène dédiée aux débats dans l'enceinte du festival, Gary Lineker, l'ancien international de foot anglais et défenseur de la cause palestinienne, évoque ses démêlés avec la BBC. Présentateur vedette de « Match of the Day », l'émission de foot culte de la chaîne publique britannique, il a dû quitter cette dernière après avoir été accusé d'antisémitisme : « J'ai été traumatisé par les images des enfants à Gaza », s'est-il défendu, « je veux prêter ma voix à ceux qui n'en ont pas… ».

La Palestine, catalyseur d'une bataille culturelle globale

Au cours de la dernière décennie, Israël est devenu un point de convergence pour l'extrême droite mondiale. Il est perçu par celle-ci comme le fer de lance de la croisade civilisationnelle contre la supposée « barbarie » arabe ou musulmane. L'adhésion à Israël s'accompagne souvent, pour les droites radicales, d'un programme autoritaire — destruction des acquis démocratiques, contrôle des médias, suppression du pluralisme.

Inversement, la Palestine devient nœud et point ralliement global de l'opinion publique démocratique, antiraciste et anticoloniale. Ce qui se passe au Proche-Orient marque dorénavant une ligne de faille géostratégique et militaire et nourrit en même temps un front culturel lui aussi planétaire. Les millions de jeunes qui rejoignent les manifestations pour Gaza ou la Palestine, partout dans le monde, dans les métropoles, mais aussi dans des petites villes et des banlieues éloignées, témoignent de cette nouvelle géographie culturelle du monde contemporain.

Dans cette guerre de tranchées, Kneecap a choisi de s'afficher avec le cran et l'art de la provocation qu'on lui connaît désormais. Comme aucun autre acteur culturel aujourd'hui, à cause de leur héritage anticolonial, social et politique, Kneecap affiche les tropes de nouvelles batailles culturelles et idéologiques. Il le fait sur une scène musicale et culturelle, en dehors des logiques de parti, organisationnelles et associatives. Et de manière folle et échevelée. La dérision et l'hilarité, l'obscénité anti-bourgeoise, l'esprit tapageur et anarchisant acquièrent avec Kneecap une vitalité positive. Les ambiguïtés affichées par ce groupe de bouffons héritiers du républicanisme irlandais ne sont jamais fortuites, elles ont valeur de paradoxe électrique et subversif.

Quelques minutes après le concert de Kneecap à Glastonbury, Alexis Petridis, critique musical du Guardian, écrivait :

La notoriété actuelle de Kneecap sera-t-elle un bref éclair, un phénomène durable, ou au contraire les conduira-t-elle à leur perte ? Cela reste à voir. Pour l'instant, devant ce public, ils triomphent (5)

Mais si Kneecap doit tomber, ce ne sera pas à cause de son manque de convictions. Wait and see.

Notes

1- NDLR. « Get your brits out » (Sortez vos britanniques) (2019) est aussi un jeu de mot avec l'expression Get your tits out, qui signifie de façon vulgaire « Montre tes seins ». La chanson se moque ouvertement d'importantes figures politiques du Democratic Unionist Party (DUP), le parti loyaliste d'Irlande du Nord.

2- Post de Kneecap sur le compte X du groupe, publié le 29 novembre 2024.

3- Shaad D'Souza, « “We just want to stop people being murdered” : Kneecap on Palestine, protest and provocation », The Guardian, 27 juin 2025.

4- op. cit.

5- Alexis Petridis, « Kneecap at Glastonbury review – sunkissed good vibes are banished by rap trio's feral, furious flows », The Guardian, 28 juin 2025.

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Musique. En Patagonie, les groupes de metal font revivre les cultures autochtones

Maxime Bourdier — 2025-03-25T16:30:59Z

Aux confins de l'Argentine, la musique metal n'est pas qu'un exutoire. Le “metal patagón” s'inscrit aussi dans un processus de réappropriation de l'héritage indigène, souligne le magazine d'anthropologie “Sapiens”.

Tiré de Courrier international. Légende de la photo : Le groupe de métal Neyen Mapu joue de la trutruca, un inst5rument traditionnel mapuche, dans le clip de son morceau "Paso de indios". Capture d'écran Youtube/Neyen Mapu.

Death, doom, power, nu, black… Il existe de nombreux sous-genres dans la musique metal, eux-mêmes divisés en diverses sous-catégories. Ceux précités sont parmi les plus célèbres, mais connaissez-vous le metal patagón ? Comme son nom l'indique, ce dernier a pour berceau la Patagonie, immense territoire à cheval entre le sud de l'Argentine et le sud du Chili.

Ce courant du metal “a émergé dans le sud de l'Argentine [et] mêle le metal national argentin avec la musique folklorique de Patagonie”, explique Erin Wheeler Streusand. Cette anthropologue linguistique (et amatrice de metal) y consacre un article très documenté, paru dans le magazine scientifique Sapiens.

Réappropriation culturelle

Venu d'Europe et des États-Unis, le metal s'est implanté un peu partout. Il n'est donc pas surprenant d'en trouver des pratiquants en Patagonie. Ce qui est notable avec le metal patagón, note la chercheuse, c'est sa contribution à l'autoreconocimiento (“autoreconnaissance”), processus par lequel les peuples autochtones de Patagonie se réapproprient leur histoire et leur culture, invisibilisées et discriminées en Argentine.

Comme le rappelle l'article de Sapiens, la Patagonie a été colonisée tardivement – et brutalement – lors de la “conquête du Désert”, menée par l'armée argentine à la fin du XIXe siècle. Des milliers d'Amérindiens, notamment du peuple mapuche, ont été tués ou déplacés. Et la vision de “l'Argentine comme une nation blanche d'immigrés européens” est bien ancrée.

Langues, instruments et mobilisations

À l'arrivée du metal en Argentine, dans les années 1980, retrace Erin Wheeler Streusand, “les musiciens de la classe ouvrière patagonienne ont trouvé [en lui] un puissant moyen pour exprimer leur mécontentement à l'égard des difficultés économiques, des gouvernements déconnectés de la réalité, de l'effacement des populations autochtones et de l'isolement de leur région par rapport au reste du pays”.

Les groupes de metal patagoniens, avec comme pionniers Aonikenk, notamment (voir ici), avaient des inspirations musicales diverses mais se sont retrouvés dans leur volonté de redécouvrir et de transmettre leur héritage indigène. On l'observe dans les esthétiques, les noms et les paroles en langues mapudungun ou tehuelche chantées par certains groupes, comme Awkan.

Les chansons abordent l'histoire des peuples autochtones de Patagonie mais aussi des événements contemporains, comme la mobilisation des Mapuche contre les projets d'extraction minière sur les terres de leurs ancêtres.

Musicalement, des instruments traditionnels comme le kultrun, un tambour de cérémonie, ou la trutruca, instrument à vent que l'on peut entendre dans ce morceau de Neyen Mapu, sont fréquemment utilisés :

“Je ne sais pas pourquoi le metal s'accorde si bien avec le folklore patagonien”, se demande Rogelio Calfunao, grand promoteur de la musique patagonienne qu'a rencontré Erin Wheeler Streusand. Avant de donner lui-même des éléments de réponse : “À cause des paroles, de la rébellion, de la puissance.”

Maxime Bourdier

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Faïrouz pour l'éternité

Mustapha Saha — 2024-11-26T13:08:03Z

Paris. Mercredi, 20 novembre 2020. La chanteuse libanaise Faïrouz, de son vrai nom Nouhad Haddad, est née le 20 novembre 1934. Elle a quatre-vingt-dix ans aujourd'hui.

par Mustapha Saha

Faïrouz signifie en arabe turquoise, le vert et le bleu, la terre, la mer et le ciel, la nature dans sa splendeur qu'elle louange sur un poème de Gibran Khalil Gibran, Aâtini Al Nay Wa Ghanni. La voix de Faïrouz s'élève crescendo, s'envole, s'insuffle de lyrisme ensorceleur. « Prête-moi ta flûte et chante. La chanson de l'existence. Les larmes attachantes. Quand pointe la pénitence. Déserte les fastueux manoirs. Habite les bois sauvages. Fuis les mortels laminoirs. Pour inaccessibles rivages. Étends-toi près d'un cépage. Bois son nectar dans ta main. Déguste ton livre page par page. Sans penser au lendemain. Offre-toi vital intermède. Endors-toi sous tranquille bouleau. Oublie le mal et son remède. La destinée n'est qu'une ligne sur l'eau » (Adaptation personnelle en français).

Faïrouz chante la Palestine génocidée, le Liban homicidé, la Terre sainte fratricidée. Elle incarne l'âme arabe, au-delà des confessions, des générations, des frontières. Elle chante pour les peuples, non pour les dirigeants. En janvier 2023, elle assène une gifle magistrale aux autorités saoudiennes au nom des droits humains. Elle refuse de s'associer au concert du siècle, regroupant, moyennant des valisettes de dollars, les stars arabes de la chanson, les libanaises Nancy Ajram et Elissa, les syriens Georges Wassouf et Assala Nasri, la tunisienne Latifa Afraoui, qui remplissent les théâtres et les stades à chaque prestation. Pendant la guerre civile libanaise entre 1975 et 1990, elle reste à Beyrouth déchiré par les roquettes. Légende vivante, elle impose le respect à toutes les parties.

Au répertoire de Faïrouz, les grands poètes, Gibran Khalil Gibran (1883-1931), Ahmed Chawki (1868-1932), Saïd Akl (1912-2014). Elle passe rarement sur scène. Son dernier concert remonte à 2011. Ses compositeurs, son époux Assy Rahbani, son beau-frère Mansour, Rahbani, son fils Ziad Rahbani dépoussièrent le folklore arabe avec des comédies musicales, des opérettes politiques, des sonorités latino-américaines, jazzy. Ils brassent allègrement mélopées traditionnelles, harmonies symphoniques, rythmes africains. S'anticipe la World Music, dès 1957, dans le légendaire concert au milieu des ruines de Baalbek, réédité, par bonheur, en 2020. En 1959, s'exacerbent les sortilèges moyen-orientaux dans Ya Maleya Ala ghossoun, sur rythmique boléro. La magie vocale de la diva s'agrémente, par la suite, d'airs de flamenco, de tango, de mambo. Les imams crient au sacrilège. L'inspiration vient peut-être du film Et Dieu créa la femme de Roger Vadim avec la danse endiablée de Brigitte Bardot. Le sex-symbol ne se montre pas. Il se vocalise. 1964, La voix de Faïrouz s'élève crescendo, s'envole, s'insuffle de lyrisme ensorceleur. Après la défaite de 1967, Chanson mythique à Jérusalem, Al Qods, La Fleur des cités. Nous reviendrons un jour, hymne de la cause palestinienne. Depuis le génocide des gazaouis et le déluge de bombes sur le territoire libanais, les internautes inondent les réseaux sociaux de chansons de Faïrouz.

En juillet 1970, Faïrouz se produit à Rabat et à Casablanca. Elle crée une chanson à la gloire du peuple marocain, jamais audiovisuellement diffusée. Il serait opportun de remettre en circulation cette rareté.

Mustapha Saha

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Faïrouz. Par Mustapha Saha.
Peinture sur toile.

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Faïrouz pour l'éternité

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